Plan 9 from Outer Space

For who can bear to feel himself forgotten?: Norberto Chavarri y el Movimiento Música Más

Reproduzco aquí un link del blog Universo Epígrafe, donde el joven periodista Víctor Tapia se tomó el trabajo de hacerle una extensa entrevista a Norberto Chavarri, uno de los personajes más creativos del universo musical argentino, a quien rescata de un inmerecido olvido. Chavarri fundó junto a Roque de Pedro y Guillermo Gregorio el Movimiento Música Más (MMM), probablemente lo más parecido a un colectivo Fluxus que dio nuestro país y que, aún hoy, aguarda por una completa reconsideración de su estética y de su actitud sin precedentes. Pasen y lean.

https://universoepigrafe.wordpress.com/2016/09/18/bondis-plazas-y-experimentacion-movimiento-musica-mas-los-olvidados-vanguardistas-de-la-musica-argentina/

El chamamé sideral de los Síquicos Litoraleños

Viernes 6 de noviembre a las 23hs en Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543

Mientras la producción de un documental sobre su cósmica existencia entra en la fase final, Los Síquicos Litoraleños, grupo correntino de psicodelia y otras yerbas, faro de la actual movida del noreste que lideran Guauchos y el sello Mamboretá, vuelve a presentarse en Buenos Aires tras cuatro años de hermetismo.

Los Síquicos Litoraleños se formaron hace once años en Curuzú Cuatiá. Con nombres de fantasía, un extravagante look de gafas, ponchos y sombreros mexicanos, e influencias musicales de arcana procedencia (Sun Ra, Captain Beefheart, Sun City Girls, Lee Perry), el cuarteto (ahora sexteto) integrado por Nicola Kokote, Nutria Rocha, Extraterrestre y Kuku Mente no halló, previsiblemente, cabida en el circuito local. Pero su mezcla de avant-rock, cumbia, dub jamaiquino y chamamé sorprendió a personalidades del rock experimental, como el norteamericano Alan Bishop, y los miembros de Guauchos reconocen la influencia del grupo.

"No era fácil conseguir fechas y terminábamos tocando con un generador eléctrico en el parque Martín Fierro, o en festejos como el aniversario de la ciudad”, se ríe Nicola. “Partimos de no tocar rock o blues, porque ya habíamos pasado por eso, y además estábamos enganchados con el tema ovnis y percepciones estroboscópicas. Cuando salíamos en bicicleta, nos gustaba oír el bajo de las cumbias a varias cuadras de distancia.” Todo eso suena extraño, pero el músico aclara que “el chamamé más rústico, la cumbia y los hongos psicodélicos son una conexión que siempre estuvo presente en Curuzú Cuatiá.”

Los Síquicos arrancaron con una página de MySpace para transmutar neuronas en la aldea digital. En 2007, el holandés Sacha Roth, curador del instituto WORM de Rotterdam, los invitó a participar de un festival vía streaming y el grupo ofreció un set entre los pastizales del Martín Fierro, profiriendo gritos chamánicos y proyectando imágenes de ganado y extraterrestres en una pantalla (las imágenes, proyectadas con un estroboscopio, son un número fijo de los shows).

Tras editar tres CDr y una selección de improvisaciones compilada en la serie Rancho Rocha Tapes, en 2009 los Síquicos visitaron los Países Bajos y en 2010 siguió una gira extensa que incluyó fechas en Alemania y España, con la participación de Dick El Demasiado (pionero de la cumbia tecno y gran admirador de la banda). “Fueron dos tours intensos”, cuenta Kokote. “Tocamos en todas partes, desde el mítico club Paradiso de Ámsterdam hasta los bares más recónditos. También abrimos el Festival Chico Trópico, en Madrid.”

El año pasado el sello estadounidense Sham Palace, en colaboración con el sello libanés Annihaya Records, lanzó la primera producción internacional de Los Síquicos. Editado en CD y vinilo, Sonido Chipadélico ofrece una versión remasterizada de los mejores momentos de A pleno ritmo sideral!! (2005), Mas allá de la siesta psíquica (2007) y Abducción Nacional y Popular (2010). Bailes ralentizados, cumbias adulteradas, ragas hundidas en efectos y el himno psicodélico que el cono sur esperaba: “Cinta planetaria”.

Alan Bishop, dedicado ahora a rescatar la World Music más cruda, definió a los Síquicos como “la expresión más relevante y moderna del legado de tropicalismo, cumbia, chicha y psicodelia sudamericana.” Si alguna constelación lo permite, también serán profetas en su tierra.

            

Jorge Luis Fernández

La música prospera en Factor Burzaco 3.76

Factor Burzaco 3.76. Algo más que el tercero, poco menos que un cuarto. Y la posibilidad de disponer otra vez en nuestro país, a diez años de su debut, de un disco de esta agrupación esencial. Hasta ahora sus álbumes habían circulado en el exterior bajo cuidadas ediciones del sello italiano altrOck. Pero parece que Abel Gilbert, líder y compositor del proyecto FB, sintió la necesidad de asentar una presencia en la escena local que excediera a la de esos pocos enterados que han (hemos) venido siguiendo con interés su singular evolución. Para ello realiza una apuesta que, como todas las iniciativas independientes, no carece de riesgos. Promete un concierto en la Usina del Arte para el próximo domingo 18 de octubre junto a Carolina Restuccia y el EPN trío, músicos que forman a su vez la columna vertebral del sonido Burzaco. El motivo, la presentación de 3.76, un CD editado de manera autogestionada que, dado el desinterés de la prensa mainstream, Abel insiste en difundir por canales alternativos: el boca en boca o, en su defecto, el sustituto tecnológico de aquellas entrañables relaciones personales que son hoy las modernas redes sociales. Una postura que, a mi modesto entender, parte de un acertado diagnóstico acerca de las transformaciones musicales de estos últimos años. Abel lo explica con una metáfora del filósofo Theodor Adorno:

“La paleta de lenguajes que atraviesan esta música no es caprichosa, responde a la certeza de que determinados territorios que delimitaron, clasificaron y jerarquizaron la música han caducado. Fueron. Ya nadie se toma demasiado en serio la seriedad de la música seria. Con esa certeza Burzaco se ha convertido en el “medio” –el instrumento- para difuminar la frontera que separa a lo “bajo” de lo “alto”. En un principio, Factor Burzaco se configuró alrededor de un grupo refugiado en el sur (ya no: nos hemos dispersado por el mapa). Un sur que no solo es topográfico, el punto de un recorrido hacia la nada, sino también una forma de crear e intervenir en medio de la adversidad y la amenaza, sobre los escombros de una escena musical devaluada, en la que no solo se verifica una constante regresión de la escucha sino que se acentúan las dificultades materiales y de difusión. Entre 2004 y el presente han cambiado los formatos y se ha profundizado el proceso de desmaterialización de la música. Han irrumpido otros soportes y otras mediaciones. Nosotros seguimos apostando al disco. Como aquellos náufragos que lanzan una botella al mar, sabemos que siempre hay –siempre habrá- alguien del otro lado dispuesto a cruzar el límite de una práctica normalizada. Burzaco ha arrojado su botella. Que otros la tomen.”

Factor Burzaco 3.76 es un disco de versiones (no exactamente remixes) en donde el grupo reinventa su propio pasado. “Mesianik” y “Como acariciar un tigre muerto” señalan la considerable distancia que los separa de sus inicios. La primera ofrece un espacioso interludio instrumental -donde confluyen por igual flautas y saxos con guitarras, bajos y pianos- que se extrañaba en FB 1, dominado por la urgencia enrarecida que caracteriza el canto de la mencionada Carolina. La otra comienza con una introducción de piano en clave contemporánea y evoluciona hacia un avant funk  pletórico de pausas y cortes abruptos, que muestra la endiablada capacidad de Abel para generar atmósferas variadas en el medio de lo que, al fin y al cabo, sigue siendo casi siempre una canción. Me atrevería a decir que el nombre del juego consiste en la búsqueda de una belleza crispada, tanto más bienvenida en cuanto escapa a las coordenadas estéticas reinantes.

Hay multifónicos y vibratos, como los del “Qué” que inaugura el disco, un título que constituye una interrogación arrojada como un desafío. Dos piezas para piano solo en las capaces manos de Lorena Torales –“Mesianik en Saigón” (¿Messiaen en Vietnam?) y “Qué 2”- que indican tanto la familiaridad como la incomodidad de Gilbert ante la herencia de la música contemporánea. O la notable “Inter-dicción”, liderada por la guitarra crimsoniana de Pedro Chalko que dialoga con el vibráfono de Facundo Negri, mientras la Restuccia le hace honor al título jugando con una dicción entrecortada.

Los temas restantes constituyen un ámbito fluido en el cual Gilbert da rienda suelta a sus obsesiones. “LAS (y Orfeo)” propone una síntesis admirable entre Luis Alberto Spinetta y el Orfeo de Monteverdi. Una manera de violar las sacrosantas distinciones entre lo culto y lo popular. Una atmósfera morosa, de progresión ralentada, con una lírica hecha de fragmentos spinettianos y un coro renacentista (o del barroco temprano) que concluye con una cita doble de Hammond (al “Corto” de Pescado Rabioso y a la ópera del título) por parte de un invitado eminente: el mismísimo Carlos Cutaia.

“Arnold Turro” y “Dans Arnold Tanz” la emprenden contra Arnold Schönberg. Otro funk interrumpido por interludios de cámara que se burla del exasperante orgullo germano del compositor vienés y, en su continuación electrónica, lo pone a bailar entre procesamientos de voces que comienzan en clave de rap hasta concluir en tecno puro y duro. Un ajuste de cuentas con la tradición que constituye a su vez un manual de cómo trabajar contra ella.

Finalmente la trilogía de “Guantanabu” que constituía la piéce de résistance de FB 2. Menos electroacústica que en el original, persiste como homenaje a las complejidades de la música en el texto de Marcelo Cohen. Cambia el recitante (aquí Marcelo Delgado) y la forma de su configuración. El tono de la primera parte, amén del recitado, lo da el entrecortamiento de piano, guitarra (otra vez de resonancias al Robert Fripp de los ’80) y vientos. La segunda parte se caracteriza por unísonos de saxos y clarinete bajo que decantan en noise. El inesperado armonio del final le concede una cualidad de musique antique que delata la voluntad de atravesar horizontalmente todas las disponibilidades del pasado. La tercera añade gradualmente capas instrumentales en el marco de una repetición minimalista un tanto libre, de esas que permiten escapadas armónicas que una estricta observancia de las normas no autorizaría.

En definitiva, se trata de la cuestión de la perspectiva. ¿Cómo enfrentarnos a la abigarrada herencia musical que nos rodea? ¿Qué hacer con el pretérito, incluido el nuestro, desde el punto de vista del futuro? ¿Dónde situar la punta del compás que nos permita desde allí generar un movimiento? ¿Cómo configurar un manual de reinvenciones estilísticas que apunte a diferenciarse de tanto estímulo sonoro y nos permita establecer una identidad definida? Me consta que todo esto ha rondado la cabeza de Abel durante los últimos diez años. Es, si se quiere, el material del que está construido ese proyecto alucinado que se llama Factor Burzaco. No han sido muchas las oportunidades de atestiguarlo en vivo. El próximo domingo a las 18hs., en la Usina del Arte de La Boca, habrá una nueva. ¿Te lo vas a perder?

¡Salgan al Sol! en Bandcamp

http://buhrecords.bandcamp.com/album/br70-salgan-al-sol-avant-rock-en-la-argentina-del-siglo-xxi

En este link pueden escuchar completo el compilado ¡Salgan al Sol! ¡Qué lo disfruten!

¡Salgan al sol!: Avant-rock en la Argentina del siglo XXI

Reproduzco aquí la tapa y el texto que escribí para ¡Salgan al sol!, un doble CD que compila 23 bandas argentinas y que saldrá por el sello peruano Buh Records. En post aparte compartiré fechas de la presentación en Buenos Aires y un link de Bandcamp donde ya se lo puede escuchar.

Cualquier análisis del rock argentino contemporáneo debe remontarse a una fecha infausta: el 30 de diciembre de 2004. Aquella noche, a causa del uso suicida de bengalas durante un recital del grupo Callejeros en un local cerrado conocido como República Cromañón, un incendio se cobró la vida de 194 jóvenes. Las consecuencias fueron muchas, desde la destitución de Aníbal Ibarra, el entonces Jefe de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, hasta el fallecimiento reciente de Omar Chabán, propietario del local, condenado como uno de los principales responsables de la tragedia. Pero hubo una que, a mediano plazo, profundizó de manera irreversible un proceso que se venía gestando desde antes: la ampliación del hueco entre el mainstream y el underground del rock made in Argentina hasta convertirlo en un insalvable abismo.

La clausura indiscriminada de lugares para tocar por no cumplir con los requisitos de habilitación, el desmesurado incremento de las exigencias y las presiones editoriales en los grandes conglomerados mediáticos aceleraron un proceso de concentración que ya estaba en curso, a través del cual el negocio del rock, con todo lo que ello implica, quedó en manos de un círculo muy reducido de productores y empresarios quienes, con la complicidad de gobiernos nacionales, provinciales y municipales, saturan el mercado con una oferta de bandas muy limitadas (también en el aspecto musical) que ocupan los escasos espacios de visibilidad a los que hoy puede aspirar el género.

Dicho de otra manera, el underground después de Cromañón se volvió aun más under. Casi todas las bandas de este compilado están obligadas a participar de una suerte de ceremonia secreta para dar a conocer su música. La mayoría suele tocar en espacios pequeños, ante un público muy reducido, en lugares no habilitados para tal fin, por ende “ilegales”. Conciertos cuya convocatoria se realiza por Facebook mientras la dirección del sitio circula exclusivamente por mail. Y si bien Internet, gracias a sitios como Bandcamp y Soundcloud, ayuda a la constitución y difusión de estas propuestas alternativas, la ausencia de una crítica que, por desinterés e ignorancia le da la espalda a su función mediadora, colabora para que este paisaje sonoro de escarpados picos de excelencia no pueda extenderse más allá de unos pocos enterados.

De allí que el propósito de ¡Salgan al sol! consista en primera instancia en contribuir, siquiera parcialmente, a palear una omisión que amenaza con hipotecar sin retorno el futuro de las vocaciones vanguardistas en el rock de nuestro país. Casi dos docenas de bandas no agotan una escena experimental que, aun bajo las condiciones hostiles descritas, insiste en reproducirse a inusitada velocidad. Pero confiamos en que constituyan una muestra razonable de lo que se cuece en estos días en materia de sonidos innovadores. Una escena que, de hecho, se extiende más allá del epicentro porteño para abarcar zonas tan alejadas como Toay en La Pampa o Curuzú Cuatiá en el Litoral, en un inédito federalismo a contramano de la tradición centralista que caracterizó en gran medida el desarrollo del rock nacional. Y que atestigua también, como otra manera de contrarrestar la desidia local, una abrumadora cantidad de ediciones en sellos del exterior, a la que se suma la de nuestro propio compilado en el limeño Buh Records. Basta contrastar la aprobación casi unánime de la crítica internacional acerca de muchos de estos discos con el desconocimiento y la falta de atención a que se los somete en su lugar de origen para hacerse una idea de la gravedad del diagnóstico expresado más arriba.

Algunos dirán que las elecciones estéticas, de por sí arriesgadas, de los grupos en cuestión limitan el ámbito de su influencia y de su circulación. Más bien habría que preguntarse acerca de un entorno que, con el correr de las décadas, expulsa hacia los márgenes cualquier vocación experimental para regodearse en la eterna repetición de tres acordes mal cantados que abruma a la mayoría de lo que hoy goza de difusión en la raquítica y deprimente escena mainstream. Amén de sus diferencias, las bandas aquí reunidas comparten una actitud fundamental y, si se quiere, hasta fundacional: asumen que la tradición del rock se ha fragmentado en un sinfín de variantes que, en ocasiones, la excede por completo. Y que es legítimo acudir a cualquier herencia musical para encontrar ese punto de inflexión por el cual se vuelve posible trascender lo meramente mimético en un universo sonoro personal. Así la fragmentación, la abundancia y la renovada accesibilidad de tantas músicas diversas se ponen al servicio de esa búsqueda de individualidad que, desde siempre, ha permitido distinguir a los verdaderos creadores del mero artículo de consumo pasatista.

Dicho en otros términos, el oyente hallará en ¡Salgan al sol! música con pretensiones (que no es lo mismo que música pretenciosa), que abreva de fuentes tan ajenas entre sí como la cumbia y la electrónica, la psicodelia  y la no wave, el jazz y el chamamé, la progresiva y el post-punk, la contemporánea y el krautrock, el noise y la chamber music. Un extraordinario caleidoscopio de sonidos que solo pudo hacer posible la formidable ampliación del rock con todo aquello que se le cruzó en el camino. Y que, a mi modesto entender, indica una de las pocas vías abiertas hacia un futuro sónico que pueda desembarazarse del fastidioso purismo en el cual, todavía hoy, se debate en nuestro país buena parte de lo que pretende pasar por auténtico rock’n’roll.

Se ve el corazón pero nunca las caras

Se ve el corazón pero nunca las caras consiste en un grupo de tres instalaciones sonoras que Nicolás Diab está presentando por estos días en el Espacio Ecléctico (Humberto Primo 730) con entrada libre y gratuita. Vale la pena darse una vuelta por allí y el curioso tendrá tiempo hasta el 29 de noviembre.

Ni bien entramos nos recibe una manguera que semeja la trompa de un elefante y cuelga sobre una malla compuesta por pequeños parlantes. El sonido constituye la cicatriz de aquellos que pasaron antes que nosotros y se atrevieron a dejar su impronta. Cada grito, expresión, vacilación o declamación que los visitantes profieren a través de tan elefantiásico adminículo alimenta un programa oculto que va conformando un loop sónico que se modifica a medida que se suceden las contribuciones del público.

La sala intermedia multiplica por doce las mangueras plásticas y entrecruza toda suerte de conversaciones cotidianas. Si se pretende una audición de conjunto, capaz de aprehender los rasgos fugaces de tantos sonidos aleatorios, habrá que recostarse en el suelo. La mayoría prefiere escuchar las mangueras de a una, colocándoselas sobre un oído.

El maravilloso jardín del fondo del Ecléctico es intervenido por un soundscape que se lleva de maravillas con ese insospechado enclave oculto en una de las tantas casas antiguas del barrio de San Telmo. Sonidos naturales reproducidos tecnológicamente compiten con los del entorno por la atención de los visitantes. 

Hay un verdadero encanto en estos pequeños ejercicios interactivos entre sonidos, público y entorno; a años luz de las pretensiones que amenazan con convertir el sound art en otra disciplina dominada por académicos ociosos y galeristas mezquinos. Lejos de la pompa y la circunstancia que tiende a adueñarse de un género al que el insufrible imperialismo del arte contemporáneo se empeña en adoptar, encontramos aquí una combinatoria de vocación lúdica y elogio de la sencillez que recuerda los años dorados del primer Fluxus. Los detalles nimios y las relaciones cotidianas conforman la savia a través de la cuál respiran las instalaciones de Diab. Y en su aparente simplicidad disparan un conjunto de interrogantes que el artista se guarda muy bien de responder: el problema de nuestra escucha fragmentaria en un mundo atiborrado de estímulos auditivos en la segunda, la posibilidad de cuestionar por un momento la venerable distinción entre naturaleza y cultura en la tercera, las dificultades a la hora de afrontar las consecuencias de nuestras propias decisiones en la primera. En fin, la fugacidad de los sonidos y la fijación de nuestras aprehensiones, la memoria y el olvido como los ejes centrales del grupo en su conjunto. Créanme, en la obra de Nicolás Diab hay mucho más de lo que aparenta. Háganse un tiempito para descubrirlo.

Fotografía: Cristina Fangmann

Conexión Sur

Doble programa

No se pierdan la segunda fecha, con dos de las bandas más interesantes de la experimentación rock actual.

¡¡¡¡¡Imperdible!!!!!

Factor Burzaco, música menor e impopular, gasta sus cartuchos el 19, 20 y 21 de diciembre. Centro Experimental del Teatro Colón (CETC).  Presentaremos material de los tres discos y algo del cuarto (en pre pre pre producción). Vengan porque, como los eclipses, estos acontecimientos se repiten muy pocas veces. Y este, más que ocluir, ilumina. De veras. Juntar a estos músicos extraordinarios es una hazaña y un desafío. Burzaco: el medio entre lo alto y lo bajo. 

Carolina Restuccia: voz

Pedro Chalkho: guitarras

Facundo Negri: batería y vibráfono

Carlos Quebrada Vázquez: bajo

Sebastían Preit: piano y tecladoh

Rosa Nolly: saxo soprano

Sergio Catalán: flauta

Luciano Gianbastiani: saxo tenor y clarinetes

Músicos invitados:

Alan Courtis: guitarra

Nahuel Tavosnanska

Nonsense Ensamble Vocal de Solistas: Valeria Martinelli, directora y mezzo soprano, Virginia Majorel (soprano), Martin Diaz (tenor) y Javier Lezcano (barítono).

Actor invitado:

Hernán Crida

Ingeniería de sonido: Daniel Hernández. Asistente Pablo Formica.

Composición: Abel Gilbert

Textos: Marcelo Cohen, José Brindisi y quien escribe (a tientas).

Quien escribe lo anterior no soy yo sino Abel Gilbert, el factotum de uno de los grupos imprescindibles de estos últimos tiempos.  Mi más calurosa recomendación. En la Argentina de hoy no escucharán prácticamente nada igual. 

Festival Escuchar

ESCUCHAR ( ( (
PEQUEÑO FESTIVAL DE MUSICA EXPERIMENTAL Y ARTE SONORO
20 - 21 - 22 SEPTIEMBRE ( 20 HS > ENTRADA LIBRE >
MUSEO DE ARTE MODERNO DE BUENOS AIRES
AV. SAN JUAN 350 ( CIUDAD AUTONOMA DE BUENOS AIRES
ARTISTICA & COORDINACION: JORGE HARO Y LEANDRO FRIAS
ILUMINACION: BRUNO GUIDICE

PROGRAMA SEPTIEMBRE (VIE 20 > DIEGO ALBERTI ( GUSTAVO LAMASSAB 21 > JORGE HARO ( LIZA CASULLO,
FEDERICO JOSELEVICH PUIGGROS, SEBASTIAN RICCIARDIDOM 22 > ¿DIEGO VAINER O FANTASIAS ANIMADAS? ( COOPTROL [UY]
El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presenta una versión especial del habitual ciclo de música experimental en la forma de un pequeño festival. En esta edición, la programación se completa con atrayentes proyectos experimentales a la vez que incluye un espacio para músicas que innovan con lo experimental en las músicas populares. El oyente podrá apreciar un vasto panorama de estéticas sonoras y descubrir nuevos umbrales de escucha.

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Diego Alberti presenta Kvikkalkul, concierto audiovisual. En sus propias palabras:
"A very odd little language alleged to have been used for embedded-systems control on Swedish nuclear submarines in the 1950s. Notable for its probabilistic-jump instruction."
"Un pequeño e inusual lenguaje de programación supuestamente usado en los sistemas de control de los submarinos nucleares suecos de la década del 50. Notable por su instrucción de salto probabilístico."
olaconmuchospeces.com.ar

Gustavo Lamas se propone para este concierto explorar su costado experimental pop ambient de texturas, revisitando en vivo material de distintas épocas y estrenando composiciones aún inéditas. Su discografía cuenta con discos editados en los sellos Onitor, Traum, Kompakt, Persona, Oral, Safari Electronique, Modelisme y Hidden Recordings, Frágil Discos, Indice y Casa Del Puente.
soundcloud.com/gustavo-lamas

Foto de Rodrigo Gallego.
Jorge Haro presenta a>v 2.0 [buenos aires]. Concierto audiovisual.
a>v en su versión original es una edición de audio -publicada en iTunes, Amazon y otras tiendas online a través del sello Epsa Music- y un concierto audivisual que ha sido presentado, desde el año 2009, en Argentina, Uruguay, Chile, Colombia, México, España, Alemania, Holanda, Polonia, República Checa y Finlandia. La versión 2.0 (2013) suma nuevas composiciones audio-visuales y otros formatos: instalación, exhibición e incluso conferencia-taller. En todos los casos se trata de un trabajo que construye puentes entre lo sonoro, lo visual, la información binaria, la ciencia y la tecnología.
Desde hace mas de 20 años Jorge Haro trabaja en los aspectos estético y científico del sonido y las vibraciones, con particular atención en las relaciones audiovisuales, la escucha expandida, la visualización del sonido y los procesos de transformación de datos.
jorgeharo.com.ar


Liza Casullo, Federico Joselevich Puiggrós y Sebastián Ricciardipresentan Después de hora.
Concierto audiovisual experimental en el que se ponen en juego distintos abordajes a la conjunción entre sonido, imagen y palabra. Es una parada dentro de un recorrido que realizan los artistas en la investigación de la relación entre lenguaje y tecnología. En esta ocasión, las imágenes se componen en tiempo real mediante un mecanismo de stop motion y, a su vez, las voces y sonidos son procesados en vivo, generando una música a partir de capas superpuestas, que retroalimenta los movimientos y ritmos visuales.
Liza Casullo: voces procesadas, guitarras, efectos
Federico Joselevich Puiggrós: imágenes y programación
Sebastián Ricciardi : objetos sonoros, sonidos sintetizados y percusión
vimeo.com/72340745
Foto de Claudio Divella.
¿Diego Vainer o Fantasías Animadas?
Laboratorio personal. Del macrosonido al microsonido. El ambient_e y su narrativa o no narrativa. Escena no: escena.
Diego Vainer (¿o Fantasías Animadas?) tiene una rizomática trayectoria en la música argentina. Se ha involucrado en numerosos y muy diversos proyectos que van desde el rock a la música experimental y de las artes escénicas e instalaciones al medio audiovisual. Ha editado cinco discos como Fantasías Animadas y su música aparece en múltiples ediciones en nuestro país y en el exterior.
myspace.com/diegovainer
myspace.com/fantasiasanimadas

Cooptrol (UY) presenta un live set audiovisual. Sonido proveniente de una máquina programada al extremo de sus posibilidades rítmicas y sonoras. Polirritmia engañosa y repetición velada, con timbres toscos y pragmáticos en tensión con texturas lejanas y misteriosas. Parte programado, parte improvisado, el set está acompañado por visuales monocromáticas, generativas y reactivas a la música. Es todo un intento de mover el piso seguro por donde caminan las estructuras mentales.
cooptrol.com

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http://www.museos.buenosaires.gob.ar/mam.htm
facebook.com/escucharmamba

ESCUCHAR 2013

PEQUEÑO FESTIVAL DE MÚSICA EXPERIMENTAL Y ARTE SONORO
MUSEO DE ARTE MODERNO DE BUENOS AIRES
AV. SAN JUAN 350 CIUDAD AUTONOMA DE BUENOS AIRES
ARTÍSTICA Y COORDINACIÓN: JORGE HARO Y LEANDRO FRIAS

APERTURA VIERNES 30 DE AGOSTO | 20 HS | ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
MELMANN con visuales de LUCAS DM
NICOLAS VARCHAUSKY. Invitado: Javier Cabanellas

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires estrena su nuevo auditorio y presenta una versión especial del habitual ciclo de música experimental en la forma de un pequeño festival. Las actividades comienzan en agosto con una fecha apertura y continúan en septiembre durante tres días consecutivos (20, 21 y 22). Todo concluirá el 18 de octubre con un concierto especial de clausura, a modo de coda. En esta edición, la programación se completa con atrayentes proyectos experimentales a la vez que brinda un espacio para músicas que incluyen lo experimental en las músicas populares. El oyente podrá apreciar un vasto panorama de estéticas sonoras y descubrir nuevos umbrales de escucha.

El proyecto MELMANN - DM integrado por los argentinos Nicolás Melmann y Lucas De Marziani, música e imagen respectivamente, es un diálogo entre el presente y el pasado, donde la tecnología y lo primitivo conviven en un mismo espacio, donde lo digital y lo analógico confluyen para crear un único discurso, y donde imagen, música y texto son pensados como una única composición. El resultado: una expedición sensorial a través de paisajes naturales y abstractos, cuadros sonoros, pintados digitalmente en vivo, un híbrido entre las nuevas tecnologías y las formas más primitivas del arte.
Melmann opera software (Live, Reason), hardware (Drum Machine, Kaosspad synth, Loop Station) e instrumentos acústicos (ukelele, melódica, arpa, hang drum). Ejecuta ejecutando, procesa y combina en vivo estos diferentes materiales digitales, analógicos y acústicos creando diferentes paisajes sonoros, entre la melodí­a y el ruido. La música transcurre minimalista y contemplativa. A la vez echa mano a emulaciones digitales de instrumentos medievales: harmonio y dulcimer.
DM genera composiciones visuales en vivo, utilizando herramientas de software y programación (VDMX, Quartz Composer), alimentándose en tiempo real del análisis de frecuencia del audio y de eventos MIDI, pero dejando siempre un lugar para el azar, la incertidumbre y el caos. En las visuales creadas por DM, al igual que la música, persiste este componente que oscila entre lo digital y lo analógico, entre el presente y el pasado, combinando composiciones generativas creadas a través de programación con filmaciones e imágenes de archivo obtenidas de video analógico.
melmann.com.ar | lucasdm.com.ar

Nicolás Varchausky presenta Volúmenes Foto-Sensibles. Una serie de piezas electrónicas para instrumentos que transforman luz en sonido. Tocadiscos mecatrónicos foto-sensibles, backlights sonoros y barras de luz diseñados por Varchausky son interpretados en vivo junto a miembros de la Banda Sinfónica de Ciegos, y expandidos en tiempo real por una computadora. Al experimentar con técnicas alternativas para inscribir el sonido, la serie se plantea como una especulación sonora alrededor de la lectura y la escritura.
Las primeras tres piezas de la serie formaron parte de La Biblioteca Ciega (Mención Honorífica Prix Ars Electronica 2013), una performance creada para la antigua sala de lectura de la ex Biblioteca Nacional. En esta ocasión, se presentan dos nuevas piezas y la relectura de una pieza anterior, junto a Javier Cabanellas como intérprete invitado.
varchausky.com.ar

Composición, live electronics y diseño de instrumentos: Nicolás Varchausky.
Intérpretes foto-sensibles: Nicolás Varchausky & Javier Cabanellas.

Con el apoyo del Proyecto de Investigación Sistemas Algorítmicos de Espacio y Tiempo en el Arte Sonoro (UNQ) y DXARTS (University of Washington).

Programa Varchausky
Volumen Foto-Sensible IV. S2BN313428.
Volumen Foto-Sensible V. S2BN313431.
Volumen Foto-Sensible III bis. S2AK081139.

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http://www.museos.buenosaires.gob.ar/mam.htm
facebook.com/escucharmamba

ALAN COURTIS & Los TELERGIA

Un foco de luz roja cae sobre la larga cabellera que cubre su rostro.  Siempre mirando hacia abajo, buscando los objetos que hará sonar, pisando pedales, manipulando cables y micrófonos de contacto. Se acerca lentamente a una mesa -que es, literalmente, una mesa de disección- repleta de consolitas, mezcladoras, una laptop. Allí suben y bajan los objetos: un secaplatos que oficia de rallador, un sonajero hecho de llaves colgadas a una maderita, una asadera que vibrará por el efecto de unas barritas de metal, un pequeño arco con cuerda ...  Me recordó la mesa que armó Pierre Bastien en la Alianza Francesa, en julio de 2009, cuando vino invitado por Jorge Haro al ciclo Limb0. La misma dedicación, la misma concentración -y pasión- para darle vida a las cosas, para hacerlas mover a contramano, y sobre todo, para hacerlas sonar en modos inusuales. 

En el concierto del viernes, en el Centro Cultural de la Cooperación, Alan Courtis por fin dejó estampar su nombre completo y sin dislexia en la cartelera porteña. Y demostró contundentemente su capacidad de liderazgo.

Si en la primera parte del concierto monta la escena en la que protagoniza su calidad de solista, en la segunda afila la batuta de su guitarra eléctrica, levanta la cara y se yergue para prestar atención a las propuestas de sus dos compañeros: Mateo Aguilar  -un baterista muy afecto a los platillos - y Ale Leonelli, quien barajó en forma alternada el bajo, un organito eléctrico y pedales ruidosos.

Como Jano, el recital tuvo sus dos caras, dos ambientes, los dos aspectos de lo uno y lo múltiple; de lo distinto, por la formación y experiencia, pero ineludiblemente unidos por la energía que Courtis supo generar desde el comienzo: Cuando arrancó solo y se sumergió en ese mundo infrarrojo de sonidos únicos, combinados aleatoriamente, sin ensayo previo; un mundo que se va creando en cada segundo, espontáneamente, y que por ser tan suyo, puede brindarlo al universo y compartirlo. No digo que sea fácil escucharlo, o placentero... no faltan las  estridencias, los agudos, las distorsiones... No deja de ser noise pero es un ruido que entra por los poros, que nos lleva de viaje, y al mismo tiempo reclama nuestra atención: Como la de Pierre Bastien, es música para ver y escuchar.

 Luego la luz roja se apaga y en su lugar, sobre el telón de fondo, se proyectan rectangulitos ocres, grises y marrones. Comienza la segunda parte; entran los otros músicos, cambia la historia. El color de la música se opaca un poco ante ciertos desencuentros, ante la inseguridad del baterista de Morbo & Mambo que frente a la duda persiste en un ritmo monótono y aplatillado. El bajista de Honduras, en cambio, prueba distintas salidas y encuentra su rumbo cuando se agacha, cuando acerca el oído y se anima con punteos armoniosos que traen algo de alivio a la insistencia ruidosa de los pedales.

Finalmente la telergia logra su efecto. Esa energía  “somática e invisible” que había emergido al principio del manojo de llaves y del violincito de una sola cuerda, ya ha sido “transformada y exteriorizada”, ya  se ha condensado y se ha dispersado en el aire, no sólo entre los músicos –que hacia el final definitivamente se encuentran- sino que es compartida por el público, que sale del show agradecido y feliz.

Para quienes quieran saber más sobre este ciclo, vean la nota de Jorge Luis Fernández en La Nación del viernes 2 de agosto de 2013, en http://www.lanacion.com.ar/1606566-musica-paralela-un-ciclo-con-el-lado-oscuro-del-rock. También, http://conciertosdemusicaparalela.blogspot.com.ar/

                                                                                            Cristina I. Fangmann

Inkilino Records

Amigos, amigas y colegas,

El nuevo sello virtual de música experimental, Inkilino Records, anuncia el primer lanzamiento de su catálogo: Speaker Performing Kiosk Live Sessions Vol. 1 del músico argentino Nicolás Varchausky. Este poderoso disco en vivo reúne exuberantes actuaciones realizadas con un dispositivo que genera acoples entre parlantes y micrófonos manipulados por el intérprete. A través de este dispositivo, Varchausky crea campos de resonancias y corrientes inestables de aire turbulento, utilizando su cuerpo como una antena para explorar el espacio en busca de sus patrones de interferencia. Las grabaciones fueron registradas en Buenos Aires, Huddersfield, Montevideo y Seattle entre 2006 y 2011.

FIESTA LANZAMIENTO!

Inkilino Records® Perfomercial es una performance de respuesta directa y fiesta lanzamiento del nuevo sello virtual de música experimental Inkilino Records. 

Artista invitada: Zoe Di Rienzo.

BSM Art Building | Open Studio#7 curado por Florencia Battiti

Boulogne Sur Mer 345, Buenos Aires
Viernes 24 de Mayo de 2013 | 19hs.

[ + INFO ] 

OFERTA LANZAMIENTO: AR$100 [in situ]

Las primeras 30 pre-ventas de la Edición Limitada de Lujo en CD, vienen con un ejemplar gratis de la Edición Limitada de Memoria USB con el video de la performance completa en The Chapel Performance Space, Seattle, 2009.

Para el comunicado de prensa completo ver archivo adjunto.

Descargas y preventa en www.inkilinorecords.net

Imagen: "Sin título" (2008) de Nicolás Bacal.

¡¡¡¡Vuelve Quum!!!!

CONCIERTO CIERRE 2012

MUSEO DE ARTE MODERNO DE BUENOS AIRES
ESCUCHAR
CICLO DE ARTE SONORO Y MUSICA EXPERIMENTAL
DICIEMBRE
QUUM [ARG]
AUREOLA ELECTRIKA [ARG]
VIERNES 7 | 20.00 HS
MUSEO DE ARTE MODERNO DE BUENOS AIRES | SAN JUAN 350
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
Coordinación: Leandro Frías | Asesor artístico: Jorge Haro

Quum En algún punto de 1977, se creó Quum, un grupo de personas (no músicos) interesadas en temas como el fenómeno “ovni”, el zen, la idea “wabi-sabi”, la evolución planetaria, la problemática ecológica, etcétera, con el propósito de experimentar con el sonido más allá de los límites… Quum es una palabra quiché-maya y significa “el misterio” o “lo que se oculta detrás de lo aparente” (extraído del Popol Vuh). El símbolo que identifica al grupo desde aquel inicio es una versión-réplica de la araña dibujada sobre la meseta de Nazca en Perú. Desde 1979, se presentaron en vivo en eventos de diversa índole; sus performances siempre tuvieron la forma de improvisaciones de climas musicales de ficción. En 1981-2, se editó Pasillo de imágenes, cuyo técnico fue Lito Vitale. Daniel Melero apadrinó la edición de Mentira de Tigre (1987) y Deus ex Máchina, para su Catálogo Incierto(1988/9). Después, siguieron, siempre autogestionadas, las ediciones de Zoodíaco Chhino, Wreq!, Los Talismanes de Nostradamus, los Electromantrams y la intervención en Antimateria (D.Cid). En paralelo, ambientaron performances de danza butoh (PP Glauco, Rhea Volij), trabajaron temáticas como la “ufo tour” (con proyecciones de “ufos” y campaña de inscripción de socios para Greenpeace), o “Xygnux” (con slides de “crop circles”) , cortos experimentales, instalaciones, conciertos en el Centro Cultural Rojas, C. C. Recoleta, Instituto Goethe, CCEBA, Festival 404 de Rosario, Teatro Alvear de Buenos Aires, Teatro Viejo Consejo de San Isidro, ediciones de “Fuga Jurásica” en Museo de Ciencias Naturales de Buenos Aires.
En esta oportunidad, Quum presentará un anticipo (en condición de work in progress) de mmxii: improvisaciones con textos alusivos a las transformaciones planetarias en ciernes, que también presentarán próximamente en el Valle de la Luna.
Quum hoy es: Gustavo Gatti + Daniel Gatti + .Zigo.
http://quum.blogspot.com



Aureola ElectrikaEs un dúo experimental compuesto por Aureola (Analía Bazán) y Electrika (Maia Koenig) formado en el año 2010 con el objetivo de lograr su propio sonido. El dúo echa mano a todos los recursos que encuentren en su camino para generar sonidos y texturas de todo tipo, ya sean acústicos o electrónicos. Actualmente construyen sus propios sintetizadores analógicos DIY, circuit bents, pedales de efectos y mixers y los combinan con otros instrumentos (teclados, diversos micrófonos) y una maraña de cables, logrando así ambientes, silencios, tensión, saturación... Sus trabajos están publicados en internet.
http://aureolaelectrika.bandcamp.com | http://aureolaelectrika.blogspot.com.ar¬

Escuchar es el nuevo Ciclo de Arte Sonoro y Música Experimental del MAMbA. Es también una continuación del recorrido realizado por Conciertos en el LIMb0, proyecto que, con una trayectoria de nueve años, concluyó hace un año. Si bien se plantea algunas novedades, el concepto es prácticamente el mismo. Entonces, Escuchar, como aquél, se define como un proyecto de divulgación de arte sonoro y nuevas expresiones musicales creadas desde la investigación estética y técnica en áreas de cruce entre lenguajes y nuevas tecnologías. Desde 2002, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires cuenta con esta programación anual de conciertos, instalaciones y conferencias dedicada a la exploración sonora, lo que ha permitido la circulación en la ciudad de la obra de artistas sonoros y músicos experimentales tanto locales como internacionales.

Linkshttp://facebook.com/escucharmambahttp://museodeartemoderno.buenosaires.gob.ar/mam2.htmhttp://alianzafrancesa.org.ar

2013
Gracias por acompañarnos,
a las instituciones y empresas por su colaboración y aporte,
al público que siempre se interesa,
a los equipos del MAMba y de la Alianza Francesa por su dedicación y profesionalismo.
Hasta el año que viene: volvemos en marzo.

Un estreno interesante

Materia y memoria

a >v, el nuevo trabajo de Jorge Haro, ofrece un estudio puntilloso de la fugacidad y la persistencia de los sonidos. Un ejercicio de contrastes y continuidades, de alteraciones graduales e intromisiones abruptas, de silencios profundos y fragores sintéticos, de alargadas mesetas bajo la forma de drone y escarpados riscos de punzante noise. Una paleta tímbrica extendida de estímulos sensoriales cuyo secreto orden desafía los esfuerzos del oyente por develarlo.

Hay, no obstante, algunas pistas. La segunda mitad del disco contiene cinco apretados experimentos de apenas minuto de duración con el reactable de Sergi Jordá, una interfaz electrónica sobre una mesa translúcida que funciona a través de bloques  tangibles y dispara efectos de sonido a la manera de un sintetizador modular. Haro hace honor al aspecto lúdico de tan virtual instrumento, alternando patrones rítmicos reiterativos con transformaciones en la dinámica sonora.

Sabemos también de su interés por la interacción audiovisual; para juzgar los resultados de a >v en una presentación integral de imagen y sonido deberemos esperar al próximo concierto en la Alianza Francesa del 7 de septiembre. Pero si en el ámbito espacial en que discurren las imágenes audiovisuales podemos presumir una rigurosa sinestesia, su traducción al rango temporal del devenir sónico pone en juego las asociaciones y la memoria. Cosa que se aprecia mejor en los temas más extensos del disco: los dos iniciales y el último. Allí una suerte de diorama imaginario refracta sonidos, ruidos y silencios que alumbran representaciones esquivas e inducen a una reconstrucción fragmentaria, sensaciones auditivas que se fijan en la memoria aunque los sonidos palpables que las constituyen como tales resistan cualquier aprehensión definida. En definitiva, un tratado de intensidades, con picos de agresividad “sintetizada” poco frecuentes en su obra, que se ubica a cierta distancia de sus intereses anteriores -los sonidos concretos y la escucha acusmática-, sin denegarlos del todo. Más bien se trata de llevar viejas obsesiones a un nuevo plano conceptual.  Si en verdad ese era el propósito, Jorge Haro puede darlo por cumplido.

Escuchar chapas

MUSEO DE ARTE MODERNO DE BUENOS AIRES y ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES PRESENTAN:
ESCUCHAR
CICLO DE ARTE SONORO Y MUSICA EXPERIMENTAL
JUNIO
MUSICA MECANICA PARA CHAPASIdea y dirección: Cecilia López
Participan: Lobi Meis (saxofón), Sam Nacht (trombón), Guillermina Etkin, Federico Barabino y Cecilia López

VIERNES 22 DE JUNIO | 20 HS
ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES | CORDOBA 946
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
Coordinación: Leandro Frías| Asesor artístico: Jorge Haro

MUSICA MECANICA PARA CHAPAS
Desde   2006, Cecilia López  trabaja en su proyecto Música Mecánica para Chapas para intérpretes variables y láminas de acero inoxidable amplificadas. En esta obra la experimentación se centra en la retroalimentación sonora y en la posibilidad de filtrar sonidos acústicos a través de las chapas. La obra es una investigación de las chapas como objetos de sonido en el espacio y del encuentro entre la forma escrita y la improvisación. Cada presentación de la obra con sus variantes (performers, instrumentos, número de láminas, etc) lleva a la escritura de una nueva partitura. En esta oportunidad el espacio circular formado por dos chapas será intervenido por varios músicos. Desde 2007, Música  Mecánica para Chapas se presentó en varias oportunidades en elConservatorio Superior de la Ciudad de Buenos Aires, en el C. C. Archibrazo, Appetite Galería de arte contemporáneo, Teatro Escalada, Ciclo Instantes Sonoros de Domus Artis, Festival Cervantino de Azul  Pcia. de Buenos Aires, Atlantic Center for the Arts (Florida EE.UU.),Floating Points Festival en Issue Project Room (Nueva York EE.UU.),  Douglass Street Music Collective (Nueva York EE.UU.), Pieter PASD (Los Angeles EE.UU.), y Ostrava Days Festival 2011 (Ostrava, República Checa), entre otros. En abril de 2012, Música Mecánica para Chapas fue elegida para presentarse en el festival MATA de Nueva York. La perfonrmance se llevó a cabo en Roulette (Brooklyn, NYC) y contó con la participación del ensamble Loadbang.


CECILIA LOPEZNació en Buenos Aires, en 1983. Su trabajo abarca tanto la composición y la improvisación como la investigación y creación de instrumentos no convencionales. Toca sintetizadores y piano. Su búsqueda está orientada a la acústica y la investigación de materiales resonantes.
Estudió piano y composición con Nessy Muhr, Carmen Baliero, Gustavo Ribisic, Mono Fontana, Lucía Maranca e improvisación con Wenchi Lazo. En el año 2009, participó como artista asociada de una residencia coordinada por Elliott Sharp en Atlantic Center for the Arts en Estados Unidos junto a otros jóvenes compositores de la escena internacional. En el año 2010 participó de Ostrava Days Institute en República Checa donde luego de dos semanas de clases y conferencias su obra fue presentada en Ostrava Days Festival 2011 en la mina de carbón Dul Michal.
http://www.cecilia-lopez.com

ESCUCHAR
Escuchar es el nuevo Ciclo de Arte Sonoro y Música Experimental del MAMbA. Es también una continuación del recorrido realizado por Conciertos en el LIMb0, proyecto que, con una trayectoria de 9 años, concluyó en diciembre pasado. Si bien habrá algunas novedades, el concepto es prácticamente el mismo. Entonces,Escuchar, como aquél, se define como un proyecto de divulgación de arte sonoro y nuevas expresiones musicales creadas desde la investigación estética y técnica en áreas de cruce entre lenguajes y nuevas tecnologías. Desde 2002, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires cuenta con esta programación anual de conciertos, instalaciones y conferencias dedicada a la exploración sonora, lo que ha permitido la circulación en la ciudad de la obra de artistas sonoros y músicos experimentales tanto locales como internacionales.

LINKS 
http://www.facebook.com/escucharmamba
http://www.museodeartemoderno.buenosaires.gob.ar/mam2.htm
http://www.alianzafrancesa.org.ar


Recorte de una de las partituras del concierto.

PROXIMAS FECHA DEL CICLO
> 20 DE JULIO | 20 HS | EARZUMBA [ARG] + MANUEL SCHALLER [ARG]
> 24 DE AGOSTO | 20 HS | MICHELLE AGNES [BRASIL]

Conciertos en el conDIT

Nuevo Ciclo de Conciertos en el Distrito Tecnológico de Buenos Aires [conDiT]


Con música rusa y argentina inédita y grandes intérpretes, conDiT inicia su ciclo de conciertos basado

en la idea de producir e investigar sobre el arte musical actual.

Entre los escombros, veredas en construcción, altos árboles y algunas fábricas (aún)

vacías que rodean la nueva estación de subte Parque Patricios del Distrito Tecnológico;

un grupo de artistas, compositores, científicos y arquitectos suman al ruido de demolición

y maquinaria pesada el desarrollo de un ciclo de conciertos basado en la conjunción de

investigación artística y científica con la creación y difusión de nuevas obras musicales.

conDiT [conciertos del Distrito Tecnológico de Buenos Aires] es un ciclo de conciertos

realizado en el cheLA (Centro Hipermediático Experimental Latinoamericano), que fomenta la

creación, ejecución, investigación y difusión de música en vivo. Fundado en 2011 por los

compositores Luciano Azzigotti, Fernando Manassero y el pianista y matemático Bruno Mesz, el ciclo

apuesta a la extensión del circuito cultural en la zona sur y a la creación de nuevos públicos para la

música actual.

Cada uno de los conciertos de conDiT parte de una premisa estética/teórica específica, a partir

de la cual se encargan composiciones a músicos nacionales e internacionales. Los programas se

completan con obras recientes seleccionadas específicamente a partir de dicha premisa, siendo

siempre los encargos una gran mayoría.

En paralelo, para cada fecha son convocados artistas visuales de diversas disciplinas, quienes

colaboran en la concepción del concierto como una acción artística integral.

Los conciertos son registrados por un equipo de ingenieros de sonido, videoartistas y directores

de cine invitados para cada ocasión. A partir de este material se editarán las obras en distintos medios,

físicos y virtuales, sonoros y audiovisuales.

Las presentaciones de conDiT tienen lugar dentro del cheLA en el taller Performático [tP], un

auditorio modular afín a la dinámica de investigación y experimentación de este proyecto, concebido y

construido especialmente para el ciclo.

conDiT ha sido declarado de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Nación. Es un

proyecto incubado en cheLA (Centro Hipermediático Experimental Latinoamericano, creado por la

fundación exACTa y el Centro de investigación REMAP de la Universidad de California, Los Angeles

UCLA) con el apoyo de la Fundación YPF, el Consejo de Promoción Cultural a través del régimen de

Mecenazgo de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires) y la sección Rusa de la International

Contemporary Music Society.



Concierto inaugural

El ciclo se inicia el próximo sábado 29 de octubre a las 18 hs, con un concierto dedicado a la

música rusa y argentina actual. Los conciertos tienen lugar en el cheLA (Iguazú 451), con entrada libre

y gratuita.

El concierto contará con la conducción de la Maestra Annunziata Tomaro (EEUU), quien dirigirá al

prestigioso Ensamble 34 y a la fila de contrabajos de la Orquesta Estable del Teatro Colón. Se

escucharán en estreno mundial obras de Gyorgy Dorokhov, Veronika Zatula, Marcelo Rodriguez,

Luciano Azzigotti y Fernando Manassero, todas compuestas para la ocasión por encargo de conDiT, y

en primera audición nacional Composición No. 2 Dies Irae de Galina Ustvolskaya.

Bajo la premisa de indagar los procesos de transmutación, traducción y cambio (denotando a

nivel local la transformación del barrio), el programa se organiza a partir de tres obras rusas, las

cuales se reflejan en tres obras argentinas.

Así, se interpretará Composición No. 2 Dies Irae de Galina Ustvolskaya (para ocho contrabajos,

piano y percusión) y su antagónico local Arcano XIII de Fernando Manassero (también para ocho

contrabajos); además de dos obras rusas y dos obras argentinas para septeto de bandoneón,

violoncello, fagot, corno francés, trombón, piano y percusión.

El aspecto visual de este concierto se ha realizado en colaboración por los artistas Fabián Nonino

(escenografía), Juan Pablo Ferlat (iluminación y registro visual) y Tomás Espina (fotografía).



Adelanto de programación futura

El ciclo continúa el 13 de noviembre con la obra Prozession de Karlheinz Stockhausen, interpretada

por el ensamble Klang de La Plata, el 27 de noviembre con un concierto experimental de las

artistas Billy Roisz (Austria) y Angélica Castelló (España) junto a músicos locales; y el 17 diciembre

con un concierto dedicado a la experimentación vocal. El programa de 2012 comenzará en el mes de

marzo con un concierto de música y literatura generativa, realizada por Azzigotti, Mesz y un grupo de

científicos e investigadores utilizando sistemas semánticos complejos y partituras interactivas.


Cómo llegar

Conciertos del Distrito Tecnológico

cheLA Iguazú 451 entre Cortejarena y Chutro

Subte H Parque Patricios

Colectivos 150 91 28 188 118

Ciclovia Billinghurst-Liniers


Más información
http://condit.org.ar/

Factor Burzaco II: La música después de la tradición

“Toda dirección es un embuste”, viene machacando desde lejos la voz multifacética de Carolina Restuccia al comienzo de “Inmemoriam”, antes de que un dúo de saxos se corte abruptamente por una sección mínima y milimétrica de power trio en formato hardcore.
¿Lo es realmente? Basta concentrarse en el track en cuestión para descubrir un modo de componer sobre la base de pequeñas células generativas que se expanden, se metamorfosean, se reelaboran, se reproducen, se fragmentan, se descomponen, se desvanecen y renacen en el seno de cada uno de los diez temas. Un poco a la manera de los textos de Marcelo Cohen, cuyo orden se altera hasta el punto de suspender por un momento sus atributos sintácticos y semánticos. Como si ese sintagma sonoro, discursivo, estuviera sujeto a los caprichosos vaivenes de un paradigma hecho de memorias difusas y materiales siempre disponibles.

“La música prospera”, “al ritmo de la música se avanza”: una nueva duplicación, esta vez de vibráfonos, arropa un recitado que inaugura el fuerte procesamiento electrónico que caracteriza la segunda mitad del CD. En ese devenir de texturas, de una improbable pureza a una electroacústica engañosa, se articula el solapado universo sónico de Abel Gilbert, compositor riguroso de lo que aquí se escucha. Sagaz, algo taimado incluso, Abel se regodea en desafiarnos. A nosotros, oyentes incautos acostumbrados a las referencias estables y a los límites claros. Y él propone combinatorias inéditas en tríadas desopilantes: trío de maderas con guitarra bajo y batería, dos vibráfonos y voz con saxos soprano, barítono y alto. Difumina nuestras venerables expectativas genéricas al pasar sin transición aparente de la música de cámara al rock más visceral, de los gestos stravinskyanos de la nouvelle musique a un drone huidizo, de ciertos arreglos orquestales a la Henry Cow a una Sequenza de Berio. O encuentra una manera de trastocar la canción de “Progresiones” en el ruido blanco de “Guantanabu 3” a través de una sucesión de variaciones complejas con una naturalidad que desarma nuestros prejuicios más recónditos. Porque sólo despojándonos de ellos estaremos en condiciones de apreciar un disco que hace de la herencia musical un repositorio de potencialidades para actualizar, sin recaer nunca en ese cinismo posmoderno tan en boga. Lo suyo es otra cosa. Una respuesta directa, convincente, a la pregunta que aún hoy desvela a tantos contemporáneos: la de cómo hacer música después de la caída de los criterios tradicionales.

El disco estará saliendo por el sello italiano AltrOck en algún momento antes de que termine nuestro verano.