La lectura del volumen de Cristopher Hitchens (Why Orwell Matters, 2002) ofreció una imagen épica y honrosa del escritor. Allí Hitchens compara a Orwell permanentemente con sus contemporáneos -donde sobresalen las mezquindades de Raymond Williams, y de una izquierda estalinista que ha sido también la nuestra. Ahora a contracorriente, Liam Julian enumera en un artículo (http://www.hoover.org/publications/policyreview/46506232.html) los “errores de Orwell”, que pueden resumirse en este párrafo:
“Orwell, to put it kindly, does not win the Nostradamus award for prescience. Nor does he win an award for enlightened public policy. At one point, he pressed for capping individual incomes in Britain such that no person would earn more than ten times the salary of the lowest-paid worker. An unworkable plan, obviously, and that Orwell would suggest it betrays an ignorance of politics, policy, and human nature. It also betrays an ignorance of Frédéric Bastiat’s wisdom about the relationship between liberty and equality — viz, that mandating the latter will always destroy the former. Orwell advocated nationalizing not a few things, too: all major industry, all agricultural land, and all privately run schools. It is striking that the author of 1984 would write, approvingly, that at “the moment that all productive goods have been declared the property of the State, the common people will feel, as they cannot feel now, that the State is themselves”.
En comunión de ideas, un chileno, Roberto Ampuero, decidió ir a contracorriente del mayor poeta chileno, aunque envalentonado por la ficción -lo que no impidió que todo se halla convertido en un estimulante caso literario. Ampuero acaba de publicar un policial -llamado justamente El caso Neruda, donde brillan los “errores” del poeta: básicamente sus relaciones con las mujeres, y el oportunismo en política. Sí, sí: ya lo había hecho Jorge Edwards en su Adiós Poeta (1990), pero con mucho tongue in cheek.
Sergio Di Nucci
Friday, July 17, 2009
Wednesday, July 15, 2009
Una cita imperdible
Paso la info en crudo y mañana con más tiempo les comento porque no hay que perderse este concierto.
PIERRE BASTIEN [FRANCIA] + INSTANT PLACES [CANADA]
VIERNES 17 DE JULIO 20 HS ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES CORDOBA 946
COORDINACION: JORGE HARO
LOS ARTISTAS DE ESTA FECHA
Pierre Bastien [Francia]
Compositor y multi-instrumentista. Post-graduado en Literatura Francesa del siglo XVIII en la Universidad de Paris-Sorbonne. En 1977, construyó su primera máquina musical y desde entonces trabaja con su orquesta mecánica, con la que se ha presentado en numerosos países. Desde 1987 desarrolla su actividad solista en forma de conciertos, performances, grabaciones e instalaciones sonoras. Ha colaborado con artistas como Pascal Comelade, Pierrick Sorin, Karel Doing, Jean Weinfeld, Robert Wyatt o Issey Miyake.
http://www.pierrebastien.com
Instant Places [Canadá]Proyecto de arte intermedia creado por Laura Kavanaugh y Ian Birse. Han realizado performances, instalaciones y residencias de trabajo en distintos países de Europa, como así también en Canadá, Australia y Japón. Para sus presentaciones desarrollan sus propias herramientas de software. También trabajan con el espacio urbano y en proyectos online. Han participado en festivales internacionales entre los que pueden destacarse: Audio Art Festival (Cracovia), LEM (Barcelona), Biennale of Electronic Art (Perth, Australia), Image (Toronto) y Vancouver New Music, entre otros.http://www.instantplaces.ca _
La presencia de Pierre Bastien cuenta con el apoyo de Air France.
La presentación de Instant Places cuenta con el apoyo de Alberta Foundation for the Arts y Canada Council for the Arts.
INFOhttp://www.conciertosenellimb0.blogspot.com
http://www.limb0.org
http://www.museodeartemoderno.buenosaires.gov.ar
http://www.alianzafrancesa.org.ar
PIERRE BASTIEN [FRANCIA] + INSTANT PLACES [CANADA]
VIERNES 17 DE JULIO 20 HS ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES CORDOBA 946
COORDINACION: JORGE HARO
LOS ARTISTAS DE ESTA FECHA
Pierre Bastien [Francia]
Compositor y multi-instrumentista. Post-graduado en Literatura Francesa del siglo XVIII en la Universidad de Paris-Sorbonne. En 1977, construyó su primera máquina musical y desde entonces trabaja con su orquesta mecánica, con la que se ha presentado en numerosos países. Desde 1987 desarrolla su actividad solista en forma de conciertos, performances, grabaciones e instalaciones sonoras. Ha colaborado con artistas como Pascal Comelade, Pierrick Sorin, Karel Doing, Jean Weinfeld, Robert Wyatt o Issey Miyake.
http://www.pierrebastien.com
Instant Places [Canadá]Proyecto de arte intermedia creado por Laura Kavanaugh y Ian Birse. Han realizado performances, instalaciones y residencias de trabajo en distintos países de Europa, como así también en Canadá, Australia y Japón. Para sus presentaciones desarrollan sus propias herramientas de software. También trabajan con el espacio urbano y en proyectos online. Han participado en festivales internacionales entre los que pueden destacarse: Audio Art Festival (Cracovia), LEM (Barcelona), Biennale of Electronic Art (Perth, Australia), Image (Toronto) y Vancouver New Music, entre otros.http://www.instantplaces.ca _
La presencia de Pierre Bastien cuenta con el apoyo de Air France.
La presentación de Instant Places cuenta con el apoyo de Alberta Foundation for the Arts y Canada Council for the Arts.
INFOhttp://www.conciertosenellimb0.blogspot.com
http://www.limb0.org
http://www.museodeartemoderno.buenosaires.gov.ar
http://www.alianzafrancesa.org.ar
Wednesday, July 08, 2009
La palabra justa
Cecilia Noriega nació en París -“circunstancialmente”, como ella misma dice-, en septiembre de 1958. Pero vivió y trabajó en Rosario, en la provincia de Chaco, finalmente en Buenos Aires. Escribió tres volúmenes de poesía (Encuentro, Collar de los Abalorios, Mariposa de la Noche, su última obra, que ha publicado en 2008 Ediciones Ultimo Reino). Y además, junto a Nicolás Cócaro, un libro de ensayos acerca de los años de iniciación de Julio Cortázar. Hablamos de su última obra, que reúne poemas escritos a lo largo de más de una década. Para el lector de ellos, acaso resulte grato un rasgo, que resulta ejemplar en “Exquisita tristeza”. Allí CN propone una descripción sensual de impresiones que son del todo áridas. ¿Coincide la autora con esto?
-Es un lindo elogio. Creo que mi poesía es absolutamente sensualista. Esa es mi forma sin dudas. A mí también me gusta mucho ese poema, y no todos me gustan...
- Hay palabras que aparecen con frecuencia, como si fueran revelatorias de algo (más allá del efecto poético en que están siendo utilizadas). Una de ellas es la palabra “azul”. ¿Se trata de una cita encubierta –un homenaje- al Azul de Rubén Darío? E incidentalmente, ¿está o ha estado Darío entre tus poetas predilectos? ¿No te fastidia si te pregunto por tus influencias literarias, algo así como un listado de quiénes han sido tus admirados “maestros” o “maestras”, en poesía?
-Azul más bien tiene que ver a nivel simbólico y hasta espiritual con "lo profundo", Darío es un referente en la poesía desde ya pero no está entre mis preferidos. Te cuento algunos de ellos: Borges, Pizarnik, Molinari, Molina, Storni, Eluard, Prévert, Trakl, Rilke, Longfellow, Whitman, Blake, Quasimodo, Montale, Bandeira, Drumond de Andrade, Reynaldo Arenas, Octavio Paz, Tagore, los haikus zen... También la tradición de escritores y poetas franceses. El francés es mi segunda cultura sin dudas, y las francesas, entre ellas Duras y Yourcenar.
-El siglo XX ha retomado hasta el cansancio (y con estridencia) la idea romántica de que el lenguaje traiciona el pensamiento, de que fatalmente existe una incongruencia constitutiva entre lo que se piensa o se siente y lo que se dice o se escribe. (Adorno “después-de-Aushcwitz-no-hay poesía”, Foucault en Las palabras y las cosas, mucho del post-estructuralismo francés -y sus avatares en los departamentos de literatura de las principales universidades norteamericanas, y un largo etcétera). Otras corrientes, otros pensadores –menos famosos- dicen exactamente lo contrario: que quienes aseguran que hay estados íntimos intraducibles a un lenguaje común, incomunicables por “complejos”, revelan algo de desconocimiento de los recursos retóricos del lenguaje, y todas sus potencialidades. En tus poemas veo una aceitada relación entre sentimientos únicos, y su expresión concreta, exacta o convincente, verosímil, que permite la empatía entre el lector y lo que contás. Si te parece oportuno el tema, ¿tenés una opinión sobre el tema de las relaciones (peligrosas desde luego) entre el lenguaje y la vida? Si un poeta renuncia al lenguaje con el pretexto de lo inefable de ciertas experiencias, ¿no renuncia a la entera vocación libertaria y liberadora que ha venido desplegando el arte, desde sus comienzos hasta hoy?
- Sí a tu última pregunta. El misterio de la poesía está en estas relaciones peligrosas, sin duda. Yo encuentro que el lenguaje siempre tiene una vuelta para encontrar, eso, justo eso es la poesía. Para mí es un trabajo de orfebre, dejar que emerja desde las profundidades la metáfora justa, que acaso sea justamente la palabra inefable.
-La soledad, como se señala en la contratapa, es un highlight de esta compilación. Otro es una geografía más bien silvestre, de valles o bosques, montañosos o no, o pinares: hierbas y árboles, el viento y la luna, la oscuridad del outdoor (y no la domesticidad de la casa familiar, y todas sus seguridades), escenarios que parecen enfatizar esa desnuda y franca soledad. ¿Existen esos lugares en el plano biográfico? Y si sí: ¿son ubicables, han sido fundacionales en el desarrollo de tu personalidad, dónde se encuentran?
- Sin duda y Aledo Meloni, que escribió la contratapa, lo sabe tanto. Los lugares sagrados son: el Pinamar de mi infancia, el litoral de mi huída de Buenos Aires, me fui en los 80 a estudiar Letras, cerrada aquí por la Dictadura, Chaco, Corrientes donde viví 10 años de mi vida, tuve a mis 2 hijas. El sur y la montaña y el lago, San Martín de los Andes, Bolivia y el lago Titicaca, la India en otro nivel. La naturaleza es mi hogar.
Sergio Di Nucci
-Es un lindo elogio. Creo que mi poesía es absolutamente sensualista. Esa es mi forma sin dudas. A mí también me gusta mucho ese poema, y no todos me gustan...
- Hay palabras que aparecen con frecuencia, como si fueran revelatorias de algo (más allá del efecto poético en que están siendo utilizadas). Una de ellas es la palabra “azul”. ¿Se trata de una cita encubierta –un homenaje- al Azul de Rubén Darío? E incidentalmente, ¿está o ha estado Darío entre tus poetas predilectos? ¿No te fastidia si te pregunto por tus influencias literarias, algo así como un listado de quiénes han sido tus admirados “maestros” o “maestras”, en poesía?
-Azul más bien tiene que ver a nivel simbólico y hasta espiritual con "lo profundo", Darío es un referente en la poesía desde ya pero no está entre mis preferidos. Te cuento algunos de ellos: Borges, Pizarnik, Molinari, Molina, Storni, Eluard, Prévert, Trakl, Rilke, Longfellow, Whitman, Blake, Quasimodo, Montale, Bandeira, Drumond de Andrade, Reynaldo Arenas, Octavio Paz, Tagore, los haikus zen... También la tradición de escritores y poetas franceses. El francés es mi segunda cultura sin dudas, y las francesas, entre ellas Duras y Yourcenar.
-El siglo XX ha retomado hasta el cansancio (y con estridencia) la idea romántica de que el lenguaje traiciona el pensamiento, de que fatalmente existe una incongruencia constitutiva entre lo que se piensa o se siente y lo que se dice o se escribe. (Adorno “después-de-Aushcwitz-no-hay poesía”, Foucault en Las palabras y las cosas, mucho del post-estructuralismo francés -y sus avatares en los departamentos de literatura de las principales universidades norteamericanas, y un largo etcétera). Otras corrientes, otros pensadores –menos famosos- dicen exactamente lo contrario: que quienes aseguran que hay estados íntimos intraducibles a un lenguaje común, incomunicables por “complejos”, revelan algo de desconocimiento de los recursos retóricos del lenguaje, y todas sus potencialidades. En tus poemas veo una aceitada relación entre sentimientos únicos, y su expresión concreta, exacta o convincente, verosímil, que permite la empatía entre el lector y lo que contás. Si te parece oportuno el tema, ¿tenés una opinión sobre el tema de las relaciones (peligrosas desde luego) entre el lenguaje y la vida? Si un poeta renuncia al lenguaje con el pretexto de lo inefable de ciertas experiencias, ¿no renuncia a la entera vocación libertaria y liberadora que ha venido desplegando el arte, desde sus comienzos hasta hoy?
- Sí a tu última pregunta. El misterio de la poesía está en estas relaciones peligrosas, sin duda. Yo encuentro que el lenguaje siempre tiene una vuelta para encontrar, eso, justo eso es la poesía. Para mí es un trabajo de orfebre, dejar que emerja desde las profundidades la metáfora justa, que acaso sea justamente la palabra inefable.
-La soledad, como se señala en la contratapa, es un highlight de esta compilación. Otro es una geografía más bien silvestre, de valles o bosques, montañosos o no, o pinares: hierbas y árboles, el viento y la luna, la oscuridad del outdoor (y no la domesticidad de la casa familiar, y todas sus seguridades), escenarios que parecen enfatizar esa desnuda y franca soledad. ¿Existen esos lugares en el plano biográfico? Y si sí: ¿son ubicables, han sido fundacionales en el desarrollo de tu personalidad, dónde se encuentran?
- Sin duda y Aledo Meloni, que escribió la contratapa, lo sabe tanto. Los lugares sagrados son: el Pinamar de mi infancia, el litoral de mi huída de Buenos Aires, me fui en los 80 a estudiar Letras, cerrada aquí por la Dictadura, Chaco, Corrientes donde viví 10 años de mi vida, tuve a mis 2 hijas. El sur y la montaña y el lago, San Martín de los Andes, Bolivia y el lago Titicaca, la India en otro nivel. La naturaleza es mi hogar.
Sergio Di Nucci
Saturday, July 04, 2009
Saturday Night Live: Doble programa
Programa 1:
Buque Factoría , grupo dedicado a la manipulación de discos de cerámica y LPs en tiempo real, navegará "en poéticos mares de wincofones".
Queridos amigos: queremos invitarlos al primer concierto de este año, que realizaremos en Archibrazo -Proyecto Sociocultural-
el día 4 de julio a las 21hs, Mario Bravo 441.
Los esperamos!
Buque Factoría: Claudia Toro / Fabiana Galante / Andrea Fasani / Jorge Mancini / Santiago Pereson.
Grupo invitado: Warnes: Guillermo Doyle / Alberto Rebecchi / Carlos Murat
Entrada 10$
Programa 2:
DADDY ANTOGNA
Y LOS DE HELIO
adelantan el lanzamiento de
VIVA BELIZE
SÁBADO 4 de julio
21 Hs.
LA CARBONERA
Balcarce 998 y C. Calvo
Localidades Limitadas
RESERVAS: 4362 2651
www.myspace.com/daddyantognahelio
daddyantognahelio@gmail.com
DADDY ANTOGNA Y LOS DE HELIO
somos:
DADDY ANTOGNA / batería
FERNANDO DE LA VEGA / batería
NICOLÁS DIAB / bajo
ALAN COURTIS / guitarra
El baterista Daddy Antogna es un referente ineludible de la psicodelia y el rock progresivo argentino que integró bandas como Ave Rock, Orion's Beethoven y Pastoral, además de tocar con artistas tan disímiles como Madre Atómica, Stuka y Vinicius de Moraes. Fue convocado por Donald, quien lo despidiera antes de comenzar siquiera el primer ensayo a causa de la punzante sinceridad con la que el baterista evaluara el proyecto del cantautor. Los de Helio se completan con el bajista Nicolás Diab y el baterista Fernado de la Vega, ambos provenientes del elogiado grupo Las Orejas y La Lengua, además del infalible ex-Reynols Alan Courtis en guitarra.
VIVA BELIZE, el primer disco de la banda está a punto de se lanzado por el sello Viajero Inmóvil.
Buque Factoría , grupo dedicado a la manipulación de discos de cerámica y LPs en tiempo real, navegará "en poéticos mares de wincofones".
Queridos amigos: queremos invitarlos al primer concierto de este año, que realizaremos en Archibrazo -Proyecto Sociocultural-
el día 4 de julio a las 21hs, Mario Bravo 441.
Los esperamos!
Buque Factoría: Claudia Toro / Fabiana Galante / Andrea Fasani / Jorge Mancini / Santiago Pereson.
Grupo invitado: Warnes: Guillermo Doyle / Alberto Rebecchi / Carlos Murat
Entrada 10$
Programa 2:
DADDY ANTOGNA
Y LOS DE HELIO
adelantan el lanzamiento de
VIVA BELIZE
SÁBADO 4 de julio
21 Hs.
LA CARBONERA
Balcarce 998 y C. Calvo
Localidades Limitadas
RESERVAS: 4362 2651
www.myspace.com/daddyantognahelio
daddyantognahelio@gmail.com
DADDY ANTOGNA Y LOS DE HELIO
somos:
DADDY ANTOGNA / batería
FERNANDO DE LA VEGA / batería
NICOLÁS DIAB / bajo
ALAN COURTIS / guitarra
El baterista Daddy Antogna es un referente ineludible de la psicodelia y el rock progresivo argentino que integró bandas como Ave Rock, Orion's Beethoven y Pastoral, además de tocar con artistas tan disímiles como Madre Atómica, Stuka y Vinicius de Moraes. Fue convocado por Donald, quien lo despidiera antes de comenzar siquiera el primer ensayo a causa de la punzante sinceridad con la que el baterista evaluara el proyecto del cantautor. Los de Helio se completan con el bajista Nicolás Diab y el baterista Fernado de la Vega, ambos provenientes del elogiado grupo Las Orejas y La Lengua, además del infalible ex-Reynols Alan Courtis en guitarra.
VIVA BELIZE, el primer disco de la banda está a punto de se lanzado por el sello Viajero Inmóvil.
Wednesday, July 01, 2009
Ciclo de Nuevas Músicas
Transcribo una gacetilla acerca de un par de eventos interesantes en el terreno de la New Music.
jueves 2, lunes 13, jueves 16 y lunes 27 de julio
20hs. / Auditorio Goethe-Institut
Av. Corrientes 319
entrada libre
Con este ciclo de conciertos de música contemporánea el Goethe-Institut se propone acercar al público la música de dos grupos que, en instituciones diferentes y de carácter distinto, vienen trabajando hace años en la investigación y composición musical.
La Grilla Acústica (estreno)
Oscar Edelstein y el Ensamble Nacional Sur
jueves 2 y jueves 16 de julio
20hs.
Esta obra de Oscar Edelstein se presenta en público por primera vez. Fue compuesta para el Ensamble Nacional Sur (doce instrumentos de orquesta, dos coros mixtos escritos a 16 voces y dos percusionistas de set completo) y pertenece a una serie denominada “Teoría Sagrada del Espacio Acústico”. En este caso se trabaja con un prototipo especialmente diseñado que funciona como modulador acústico espacial de las voces, los instrumentos acústicos tradicionales y la sala. La planta de la puesta sonora incluye el uso de medios electroacústicos en dos y cuatro canales asociados, además de un conjunto de parlantes pequeños que se integran al sistema cuadrafónico ubicados en diferentes niveles o círculos de altura.
Creado en 1997, el Ensamble Nacional del Sur (ENS) se constituye como la zona de performance del programa de investigación Teatro Acústico, radicado en la Universidad Nacional de Quilmes.
CICLO AVENTURAS
Instituto CEAMC
lunes 13 de julio ׀ concierto I
lunes 27 de julio ׀ concierto II
20hs.
Estos conciertos dan comienzo a una serie de actividades organizadas por el Centro de Estudios Avanzados en Música Contemporánea bajo el nombre de “Ciclo Aventuras”. El ciclo está concebido como un espacio dinámico de investigación, desarrollo y debate en el área de las músicas nuevas. El primer concierto está a cargo exclusivamente del pianista Bruno Mesz con obras de Christian Wolff (miembro de la mítica New York School de los años ’60) y Peter Ablinger, compositor austriaco que investiga los espacios limítrofes entre el arte sonoro, el arte conceptual y la experiencia musical. De Peter Ablinger se presentará la obra Piano and Voices, la cual, a partir de procesos de análisis espectral, desarrolla un proceso de “traducción sonora” de extractos hablados de personajes históricos como Jorge Luis Borges, Mao Tse-tung o Billie Holiday a un discurso pianístico. Además se presentará un estreno del compositor argentino Roberto Azaretto.
El programa del segundo concierto es toda una reflexión alrededor del fenómeno sonoro. Sus ejecutantes son Sergio Catalán en flauta, Mariano Malamud en viola, Lucas Urdampilleta y Adriana de los Santos en piano, Federico Landaburu en clarinete y Hernán Vives en guitarra y tiorba. El material recorre la obra del compositor y pionero norteamericano Alvin Lucier, la de Vadim Karassikov y la de James Saunders, de quien se realizará un estreno escrito especialmente para este concierto. Se trata de la primera vez en Latinoamérica que se abordan estos compositores, quienes expresan algunas de las corrientes actuales más interesantes en su planteo respecto de la experiencia musical. El programa se completa con una exploración desde una perspectiva contemporánea de una obra del compositor medieval Johannes Ockehgem y de una obra para ensemble de Peter Ablinger.
jueves 2, lunes 13, jueves 16 y lunes 27 de julio
20hs. / Auditorio Goethe-Institut
Av. Corrientes 319
entrada libre
Con este ciclo de conciertos de música contemporánea el Goethe-Institut se propone acercar al público la música de dos grupos que, en instituciones diferentes y de carácter distinto, vienen trabajando hace años en la investigación y composición musical.
La Grilla Acústica (estreno)
Oscar Edelstein y el Ensamble Nacional Sur
jueves 2 y jueves 16 de julio
20hs.
Esta obra de Oscar Edelstein se presenta en público por primera vez. Fue compuesta para el Ensamble Nacional Sur (doce instrumentos de orquesta, dos coros mixtos escritos a 16 voces y dos percusionistas de set completo) y pertenece a una serie denominada “Teoría Sagrada del Espacio Acústico”. En este caso se trabaja con un prototipo especialmente diseñado que funciona como modulador acústico espacial de las voces, los instrumentos acústicos tradicionales y la sala. La planta de la puesta sonora incluye el uso de medios electroacústicos en dos y cuatro canales asociados, además de un conjunto de parlantes pequeños que se integran al sistema cuadrafónico ubicados en diferentes niveles o círculos de altura.
Creado en 1997, el Ensamble Nacional del Sur (ENS) se constituye como la zona de performance del programa de investigación Teatro Acústico, radicado en la Universidad Nacional de Quilmes.
CICLO AVENTURAS
Instituto CEAMC
lunes 13 de julio ׀ concierto I
lunes 27 de julio ׀ concierto II
20hs.
Estos conciertos dan comienzo a una serie de actividades organizadas por el Centro de Estudios Avanzados en Música Contemporánea bajo el nombre de “Ciclo Aventuras”. El ciclo está concebido como un espacio dinámico de investigación, desarrollo y debate en el área de las músicas nuevas. El primer concierto está a cargo exclusivamente del pianista Bruno Mesz con obras de Christian Wolff (miembro de la mítica New York School de los años ’60) y Peter Ablinger, compositor austriaco que investiga los espacios limítrofes entre el arte sonoro, el arte conceptual y la experiencia musical. De Peter Ablinger se presentará la obra Piano and Voices, la cual, a partir de procesos de análisis espectral, desarrolla un proceso de “traducción sonora” de extractos hablados de personajes históricos como Jorge Luis Borges, Mao Tse-tung o Billie Holiday a un discurso pianístico. Además se presentará un estreno del compositor argentino Roberto Azaretto.
El programa del segundo concierto es toda una reflexión alrededor del fenómeno sonoro. Sus ejecutantes son Sergio Catalán en flauta, Mariano Malamud en viola, Lucas Urdampilleta y Adriana de los Santos en piano, Federico Landaburu en clarinete y Hernán Vives en guitarra y tiorba. El material recorre la obra del compositor y pionero norteamericano Alvin Lucier, la de Vadim Karassikov y la de James Saunders, de quien se realizará un estreno escrito especialmente para este concierto. Se trata de la primera vez en Latinoamérica que se abordan estos compositores, quienes expresan algunas de las corrientes actuales más interesantes en su planteo respecto de la experiencia musical. El programa se completa con una exploración desde una perspectiva contemporánea de una obra del compositor medieval Johannes Ockehgem y de una obra para ensemble de Peter Ablinger.
Thursday, June 18, 2009
Live electronic polaca
Conciertos en el LIMb0
CICLO DE ARTE SONORO Y MUSICA EXPERIMENTAL
MUSEO DE ARTE MODERNO Y ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES
VIERNES 19 DE JUNIO 20 HS ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES CORDOBA 946
COORDINACION: JORGE HARO
CONCIERTO
DIZZY KINETICS [POLONIA]
Marek Chołoniewski + Lukasz Szalankiewicz
Este proyecto mezcla diferentes formas de arte sonoro incluyendo además live electronics, interacción y video. Los conciertos de Dizzy Kinectics se basan en la tensión entre lo similar y lo opuesto: común-extraordinario, corto-largo, cerca-lejos, brillante-opaco, etc., integrando instrumentos electrónicos, manipulación de objetos sonoros, sinestesia audiovisual y teatro desde una perspectiva multiestilística.
LA PROPUESTA DE ESTA FECHA
Marek Chołoniewski [Polonia]
Estudió órgano, teoría y composición musical en la Academia de Música de Cracovia. Desde el año 2000 es director del Estudio de Música Electroacústica de esa institución. En 1977 fundó la Sociedad Central de Arte Musical dedicada a la organización de conciertos; es integrante además del Cracovian Group Art Association. Choloniewski ha escrito música instrumental, electroacústica, música para teatro, cine y radio. También es autor de instalaciones de audio, video y de piezas de net art. Ha realizado conciertos, talleres y conferencias en distintos países de Europa, América y Asia. Es director de diversos proyectos entre los que destaca el Audio Art Festival (http://www.audio.art.pl). En el año 2006 recibió distinciones de la Unión de Compositores Polacos y del Ministerio de Cultura de Polonia. http://www.studiomch.art.pl
Lukasz Szalankiewicz (aka Zenial) [Polonia]
Historiador, diseñador de sonido y compositor de música electrónica. Es miembro de la Sociedad Polaca de Música Electroacústica (PSeME). Ha presentado su obra en festivales internacionales en Polonia, Austria, Rusia, Bulgaria, Alemania, Holanda, República Checa, Eslovenia, Ucrania, Francia, China, Hungría, Bielorusia, Rumania, Lituania, Israel y Perú. También tiene obra en el campo de las instalaciones audiovisuales e interactivas. Es director del sello Audiotong. http://www.zenial.audiotong.net
Esta presentación cuenta con el apoyo de la Embajada de Polonia en la República Argentina.
AUSPICIA: Arnet – Telecom
INFOhttp://www.conciertosenellimb0.blogspot.com
http://www.limb0.orghttp://www.museodeartemoderno.buenosaires.gov.ar
http://www.alianzafrancesa.org.ar_
PROXIMO CONCIERTO
Pierre Bastein [Francia]
Viernes 17 de julio, 20 hs
CICLO DE ARTE SONORO Y MUSICA EXPERIMENTAL
MUSEO DE ARTE MODERNO Y ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES
VIERNES 19 DE JUNIO 20 HS ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES CORDOBA 946
COORDINACION: JORGE HARO
CONCIERTO
DIZZY KINETICS [POLONIA]
Marek Chołoniewski + Lukasz Szalankiewicz
Este proyecto mezcla diferentes formas de arte sonoro incluyendo además live electronics, interacción y video. Los conciertos de Dizzy Kinectics se basan en la tensión entre lo similar y lo opuesto: común-extraordinario, corto-largo, cerca-lejos, brillante-opaco, etc., integrando instrumentos electrónicos, manipulación de objetos sonoros, sinestesia audiovisual y teatro desde una perspectiva multiestilística.
LA PROPUESTA DE ESTA FECHA
Marek Chołoniewski [Polonia]
Estudió órgano, teoría y composición musical en la Academia de Música de Cracovia. Desde el año 2000 es director del Estudio de Música Electroacústica de esa institución. En 1977 fundó la Sociedad Central de Arte Musical dedicada a la organización de conciertos; es integrante además del Cracovian Group Art Association. Choloniewski ha escrito música instrumental, electroacústica, música para teatro, cine y radio. También es autor de instalaciones de audio, video y de piezas de net art. Ha realizado conciertos, talleres y conferencias en distintos países de Europa, América y Asia. Es director de diversos proyectos entre los que destaca el Audio Art Festival (http://www.audio.art.pl). En el año 2006 recibió distinciones de la Unión de Compositores Polacos y del Ministerio de Cultura de Polonia. http://www.studiomch.art.pl
Lukasz Szalankiewicz (aka Zenial) [Polonia]
Historiador, diseñador de sonido y compositor de música electrónica. Es miembro de la Sociedad Polaca de Música Electroacústica (PSeME). Ha presentado su obra en festivales internacionales en Polonia, Austria, Rusia, Bulgaria, Alemania, Holanda, República Checa, Eslovenia, Ucrania, Francia, China, Hungría, Bielorusia, Rumania, Lituania, Israel y Perú. También tiene obra en el campo de las instalaciones audiovisuales e interactivas. Es director del sello Audiotong. http://www.zenial.audiotong.net
Esta presentación cuenta con el apoyo de la Embajada de Polonia en la República Argentina.
AUSPICIA: Arnet – Telecom
INFOhttp://www.conciertosenellimb0.blogspot.com
http://www.limb0.orghttp://www.museodeartemoderno.buenosaires.gov.ar
http://www.alianzafrancesa.org.ar_
PROXIMO CONCIERTO
Pierre Bastein [Francia]
Viernes 17 de julio, 20 hs
Thursday, June 04, 2009
El regreso del samurai kraut
VUELVE DAMO SUZUKI A LA ARGENTINA
El sábado 6 de Junio se presentará en el Teatro ND/Ateneo DAMO SUZUKI, legendario cantante de de la banda alemana CAN. DAMO estará acompañado por un grupo especialmente formado para la ocasión con miembros de PEZ, ÜL (ex-REYNOLS), COMPAÑERO ASMA y HONDURAS.
Nacido en Japón en 1950, SUZUKI grabó en los 70’s cuatro discos con el grupo CAN (Tago Mago, Future Days, Soundtracks y Ege Bamyasi) considerados por la prensa especializada como fundamentales para la historia del rock alemán. En esos años CAN junto a otros grupos como Faust, Neu!, Amon Düül y Guru Guru encabezaron el denominado Krautrock. Ya en los 80’s DAMO integró DUNKELZIFFER para luego dedicarse a su actual proyecto DAMO SUZUKI’S NETWORK. Con este proyecto ha dado la vuelta al mundo tocando con músicos de más de 30 países en su “Never Ending Tour” (Gira Sin Fin) y grabando discos como el que realizó recientemente con Omar Rodríguez-López de THE MARS VOLTA.
La banda que acompañará a DAMO reunirá por primera vez a integrantes de destacadas bandas psicodélicas locales en un show sin precedentes que incluirá a: Ariel Minimal (Pez), Fósforo García (Pez); Franco Salvador (Pez), Pepo Limeres (Pez), Alan Courtis (ex-Reynols), Fernando Perales (ÜL), Charly Zaragoza (ÜL), Hernán Espejo (Compañero Asma), Gabriel Falciola (Honduras) y Ale Leonelli (Honduras). Las entradas ya se encuentran a la venta en el ND/Ateneo o llamando a Plateanet: 5236-3000 www.plateanet.com
Teatro ND/Ateneo
Paraguay 918 - Capital Federal
Teléfono: 4328-2888
www.ndateneo.com.ar
ENTRADAS ANTICIPADAS DESDE $40
Disponibles en el Teatro (lunes a sábados de 12 a 20hs)
o llamando a Plateanet al 5236-3000 www.plateanet.com
El sábado 6 de Junio se presentará en el Teatro ND/Ateneo DAMO SUZUKI, legendario cantante de de la banda alemana CAN. DAMO estará acompañado por un grupo especialmente formado para la ocasión con miembros de PEZ, ÜL (ex-REYNOLS), COMPAÑERO ASMA y HONDURAS.
Nacido en Japón en 1950, SUZUKI grabó en los 70’s cuatro discos con el grupo CAN (Tago Mago, Future Days, Soundtracks y Ege Bamyasi) considerados por la prensa especializada como fundamentales para la historia del rock alemán. En esos años CAN junto a otros grupos como Faust, Neu!, Amon Düül y Guru Guru encabezaron el denominado Krautrock. Ya en los 80’s DAMO integró DUNKELZIFFER para luego dedicarse a su actual proyecto DAMO SUZUKI’S NETWORK. Con este proyecto ha dado la vuelta al mundo tocando con músicos de más de 30 países en su “Never Ending Tour” (Gira Sin Fin) y grabando discos como el que realizó recientemente con Omar Rodríguez-López de THE MARS VOLTA.
La banda que acompañará a DAMO reunirá por primera vez a integrantes de destacadas bandas psicodélicas locales en un show sin precedentes que incluirá a: Ariel Minimal (Pez), Fósforo García (Pez); Franco Salvador (Pez), Pepo Limeres (Pez), Alan Courtis (ex-Reynols), Fernando Perales (ÜL), Charly Zaragoza (ÜL), Hernán Espejo (Compañero Asma), Gabriel Falciola (Honduras) y Ale Leonelli (Honduras). Las entradas ya se encuentran a la venta en el ND/Ateneo o llamando a Plateanet: 5236-3000 www.plateanet.com
Teatro ND/Ateneo
Paraguay 918 - Capital Federal
Teléfono: 4328-2888
www.ndateneo.com.ar
ENTRADAS ANTICIPADAS DESDE $40
Disponibles en el Teatro (lunes a sábados de 12 a 20hs)
o llamando a Plateanet al 5236-3000 www.plateanet.com
Wednesday, May 27, 2009
Instantes Sonoros en la radio canadiense
Adjunto abajo la gacetilla enviada por la pianista Fabiana Galante, co-organizadora junto al guitarrista Jorge Mancini del ciclo Instantes Sonoros. Para los que, como yo, no pudieron estar en el primer concierto del ciclo 2009, una rara ocasión de escucharlo vía web mañana a las 24hs. por una radio de Canadá (!!)
Aquí les mando la información necesaria para escuchar la primera radiodifusión del ciclo Instantes Sonoros 2009 , correspondiente al concierto del Domingo 10 de Mayo, para una radio independiente de Canadá. El programa incluyó a Federico Barabino, Maia Mónaco en colaboración con Roberto Pouyau y Caco Fernández y el dúo Bonavena vs. Lombroso (Luis Conde y Adrián Fanello) con la participación especial de Zelmar Garín. Se podrá escuchar este jueves 28 de Mayo a las 12.00 hs de la noche en Argentina. El programa radial dura una hora y media y se inicia con un set de Laura Kavanaugh y Ian Birse junto al grupo Warnes (Argentina), siguiendo con Instantes Sonoros.
Este es el link:
Here's the link to the CJSW stream: http://www.cjsw.com/
Hay que clickear:
Listen Live: MP3 56k 128k Other Audio formats? Help?
y usar un reproductor como por ejemplo el windows media player.
Se lo debemos al contacto con estos artistas y compromiso de Carlos Murat con el Espacio de Creación Sonora. Gracias Carlos , y que lo disfruten !
Fabiana
Aquí les mando la información necesaria para escuchar la primera radiodifusión del ciclo Instantes Sonoros 2009 , correspondiente al concierto del Domingo 10 de Mayo, para una radio independiente de Canadá. El programa incluyó a Federico Barabino, Maia Mónaco en colaboración con Roberto Pouyau y Caco Fernández y el dúo Bonavena vs. Lombroso (Luis Conde y Adrián Fanello) con la participación especial de Zelmar Garín. Se podrá escuchar este jueves 28 de Mayo a las 12.00 hs de la noche en Argentina. El programa radial dura una hora y media y se inicia con un set de Laura Kavanaugh y Ian Birse junto al grupo Warnes (Argentina), siguiendo con Instantes Sonoros.
Este es el link:
Here's the link to the CJSW stream: http://www.cjsw.com/
Hay que clickear:
Listen Live: MP3 56k 128k Other Audio formats? Help?
y usar un reproductor como por ejemplo el windows media player.
Se lo debemos al contacto con estos artistas y compromiso de Carlos Murat con el Espacio de Creación Sonora. Gracias Carlos , y que lo disfruten !
Fabiana
Monday, May 25, 2009
Damo Suzuki en celuloide
Esperando la visita de DAMO SUZUKI, el jueves 28 de mayo a las 20hs en El Archibrazo (Mario Bravo 437) se proyectará un documental inédito sobre este legendario cantante japonés que formó parte del grupo alemán CAN. Se trata del estreno en nuestro país de “DAMO SUZUKI: LE CHANT DE L’IMPREVU”, film de Jerome Florenville que revisa sus inicios en CAN y llega hasta la actualidad con DAMO SUZUKI NETWORK. No existe versión subtitulada en español por lo cual se podrá ver en su versión francesa original. De cualquier manera la película contiene numerosos pasajes de música, incluyendo imágenes inéditas de CAN en vivo. Esperando su inminente desembarco en el ND/Ateneo, es una oportunidad imperdible para conocer la obra de quien en los 70s grabó algunos de los más importantes discos del Krautrock y actualmente se encuentra embarcado en una “gira sin fin” con la que recorre el mundo sin más equipaje que su voz. La entrada es libre.
DAMO SUZUKI: LE CHANT DE L’IMPREVU
JUEVES 28 de MAYO 20hs
EL ARCHIBRAZO
Mario Bravo 437
http://www.archibrazo.org/
entrada libre
Ficha Técnica:
DAMO SUZUKI: LE CHANT DE L’IMPREVU
(2007) Francia. 52'
Un film de Jerôme Florenville
Con la participación de:
Irmin Schmidt (CAN)
Hildegard Schmidt (CAN)
Jakie Liebzeit ( CAN - Pluramon ...)
Jean-Hervé Peron (Faust)
Olivier Manchion (Ulan Bator / PFE / Faust)
Alan Courtis (Reynols)
Sebastien Borgo (Sun Plexus)
Franq de Quengo (Dragibus)
Nicolas Marmin (Aka_Bondage)
Edward Perraud (Hubbub, Temption...)
Realizado por Kanari Films en coproducción con TV Rennes y
Centre National de la Cinematographie.
http://www.kanarifilms.fr/
DAMO SUZUKI: LE CHANT DE L’IMPREVU
JUEVES 28 de MAYO 20hs
EL ARCHIBRAZO
Mario Bravo 437
http://www.archibrazo.org/
entrada libre
Ficha Técnica:
DAMO SUZUKI: LE CHANT DE L’IMPREVU
(2007) Francia. 52'
Un film de Jerôme Florenville
Con la participación de:
Irmin Schmidt (CAN)
Hildegard Schmidt (CAN)
Jakie Liebzeit ( CAN - Pluramon ...)
Jean-Hervé Peron (Faust)
Olivier Manchion (Ulan Bator / PFE / Faust)
Alan Courtis (Reynols)
Sebastien Borgo (Sun Plexus)
Franq de Quengo (Dragibus)
Nicolas Marmin (Aka_Bondage)
Edward Perraud (Hubbub, Temption...)
Realizado por Kanari Films en coproducción con TV Rennes y
Centre National de la Cinematographie.
http://www.kanarifilms.fr/
Wednesday, May 13, 2009
Sudamérica electrónica
PRESENTACIÓN OFICIAL DEL SELLO
Sudamérica Electrónica [extreme noise – extreme nature]
MAYO 2009
ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES CÓRDOBA 946
ENTRADA LIBRE
ACTIVIDADES:
Del 11.05 al 15.05 de 18 a 20 hs, gratis
Proyección de piezas audiovisuales incluidas en la compilación Iberoamericana #2.
Jazznoize [España] Tag Magic’s Visual Circus [España] Brian Mackern [Uruguay] Jorge Haro [Argentina] Jorge Castro (aka Fisternni) [Argentina] Marcello Mercado [Argentina] Margarita Paksa [Argentina] Gabriel Castillo Agüero [Perú] Rolando Apolo [Perú] Christian Galarreta+Arcángel Constantini [Perú/México] Chiste [Chile] Juan Reyes+Sebastián Mealla [Colombia/Argentina]
Viernes 15 de mayo, de 10 a 14 hs, gratis
Taller de Jorge Castro (aka Fisternni) [Argentina]:
"Hecho en casa: taller orientado a la creación y programación de plataformas personalizadas para la manipulación de imagen y sonido".
En el marco de Conciertos en el LIMb0
Viernes 15 de mayo, 20 hs, gratis
Santiago Peresón (aka Yaco) [Argentina] http://yaco.net
Jorge Castro (aka Fisternni) [Argentina] http://www.manipulatto.com
CATÁLOGO SUDAMÉRICA ELECTRÓNICA
[suda0001] Sudamérica Electrónica 1 CD Compilación latinoamericana 2007
[suda0002] Sudamérica Electrónica 2 CD + DVD Compilación iberoamericana 2008[suda0003] Jorge Haro, Works based on field recordings CD 2008 http://www.jorgeharo.com.ar
[suda0004] Yaco, Películas y una canción CD 2008 http://yaco.net_
+ INFO
http://www.sudamericaelectronica.com
http://www.limb0.org
http://www.museodeartemoderno.buenosaires.gov.ar
http://www.alianzafrancesa.org.ar
Sudamérica Electrónica [extreme noise – extreme nature]
MAYO 2009
ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES CÓRDOBA 946
ENTRADA LIBRE
ACTIVIDADES:
Del 11.05 al 15.05 de 18 a 20 hs, gratis
Proyección de piezas audiovisuales incluidas en la compilación Iberoamericana #2.
Jazznoize [España] Tag Magic’s Visual Circus [España] Brian Mackern [Uruguay] Jorge Haro [Argentina] Jorge Castro (aka Fisternni) [Argentina] Marcello Mercado [Argentina] Margarita Paksa [Argentina] Gabriel Castillo Agüero [Perú] Rolando Apolo [Perú] Christian Galarreta+Arcángel Constantini [Perú/México] Chiste [Chile] Juan Reyes+Sebastián Mealla [Colombia/Argentina]
Viernes 15 de mayo, de 10 a 14 hs, gratis
Taller de Jorge Castro (aka Fisternni) [Argentina]:
"Hecho en casa: taller orientado a la creación y programación de plataformas personalizadas para la manipulación de imagen y sonido".
En el marco de Conciertos en el LIMb0
Viernes 15 de mayo, 20 hs, gratis
Santiago Peresón (aka Yaco) [Argentina] http://yaco.net
Jorge Castro (aka Fisternni) [Argentina] http://www.manipulatto.com
CATÁLOGO SUDAMÉRICA ELECTRÓNICA
[suda0001] Sudamérica Electrónica 1 CD Compilación latinoamericana 2007
[suda0002] Sudamérica Electrónica 2 CD + DVD Compilación iberoamericana 2008[suda0003] Jorge Haro, Works based on field recordings CD 2008 http://www.jorgeharo.com.ar
[suda0004] Yaco, Películas y una canción CD 2008 http://yaco.net_
+ INFO
http://www.sudamericaelectronica.com
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http://www.museodeartemoderno.buenosaires.gov.ar
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Thursday, April 30, 2009
Grados de iconicidad: apuntes breves sobre la música de Guillermo Gregorio
1- La música de Guillermo Gregorio es uno de los secretos mejor guardados de nuestro país. Y no es ésta una situación de la que enorgullecerse sino otra prueba del desprecio con que Argentina suele tratar a sus ciudadanos más creativos. Afortunadamente, luego de un peregrinaje que a partir de 1986 lo llevaría por varias ciudades de Europa y Estados Unidos, Gregorio parece al fin disfrutar de cierto reconocimiento internacional en los ámbitos más avanzados de la New Music, etiqueta bajo la cual se acumulan todas aquellas estrategias que pugnan por trascender las distinciones genéricas y desconfían de los límites impuestos por la tradición.
Las peculiares ideas compositivas de este compatriota radicado en Chicago no crecieron por generación espontánea, maduraron gradualmente en un recorrido que ya lleva cuatro décadas y media. Con la ventaja de la perspectiva histórica, hoy podemos decir que fue un pionero. Si la incansable actividad de Juan Carlos Paz tendió las líneas a través de las que discurriría buena parte de nuestra composición contemporánea, otro tanto hizo Gregorio, en silencio y bajo un relativo aislamiento, con la arena más difusa y movediza de la música experimental. A diferencia del inolvidable Paz, no formó discípulos de renombre. Y su actividad, si cabe, fue aún menos visible que la de aquel. Pero supo sintonizar con las corrientes estéticas más arriesgadas del siglo -el constructivismo soviético, el concretismo y el Madí de los años ’40, el puntillismo weberniano, los experimentos bruitistas de Jean Dubuffet, el jazz moderno, la improvisación libre, las partituras gráficas, Fluxus, el arte conceptual y la música para cintas- hasta generar, gracias a su formación en la arquitectura y el diseño, una originalísima visión musical que tiende a traducir en sonido organizado ciertos campos de fuerza cuyos orígenes se remontan a las artes visuales.
2- Sus inicios estuvieron ligados al jazz. El clarinete fue su primer instrumento serio y el jazz de Chicago, una pasión que aún conserva. Más tarde vendría un descubrimiento trascendental: los discos de Lennie Tristano y de sus saxofonistas, Lee Konitz y Warne Marsh. Seguramente de allí proviene su interés inicial por las armonías complejas y el rigor intelectual. De hecho, tomaría clases privadas con el propio Marsh hacia 1986, poco antes de sus primeras grabaciones comerciales con el trompetista austríaco Franz Koglmann. La mitad de los años ’50 lo encuentra despuntando el vicio en un par de combos que los memoriosos recordarán: la Hot Dog’s Band y la Buenos Aires Jazz Band, donde realiza sus primeros escarceos con un saxo tenor que luego cambiaría por el alto. Por entonces conoce al trompetista Carlos Miralles, una colaboración que hacia 1963/64 madurará en unas cuantas grabaciones privadas de marcada impronta armolódica que, de haber trascendido en su momento, hubiesen señalado los comienzos de una improvisación libre autóctona
Más importante aún es una pieza de la misma época -Sobre el piano, adentro del piano, alrededor del piano...- donde el dúo en cuestión explora las texturas del instrumento en su carácter de objeto material, situado en un espacio y tiempo concretos. Anticipo de una música de acción que guarda similitudes con la estética Fluxus de piezas como el Piano Activities de Philip Corner. Esta voluntad performática se manifiesta también en Concretion nº 2 (1969), obra que impulsa la construcción de una mesa en vivo sobre el escenario por parte de tres carpinteros que siguen el diseño y las direcciones técnicas de una “partitura” y, en el proceso, generan los ruidos que la convertirán en música.
Su interés por lo conceptual y lo concreto se afianza gracias a su participación en el colectivo Música Más, junto a Roque de Pedro, Norberto Chavarri y el peruano (ex becario del CLAEM) Alejandro Nuñez Allauca, entre otros. En los estertores de la década del ’60, el grupo saca la música a la calle y a las plazas e incorpora al público en su propio hacerse como tal. Cierta idea de la restricción -como tocar encerrados en una jaula o pugnar por extraer la menor cantidad de sonidos posibles de sus instrumentos- se combina con instrucciones gráficas y verbales a la manera de las (ahora famosas) Compositions de LaMonte Young. Gregorio extendería este modus operandi, a medias entre la improvisación y la performance, a otras unidades experimentales como el Conjunto de Música Contemporánea y el Grupo de Improvisación de La Plata, junto a Enrique Gerardi, Luis Zubillaga y Jorge Blarduni.[1]
Antes de tomarse un sabático que terminaría extendiéndose por el lapso de más de una década, Gregorio realiza una extraordinaria labor de difusión de la nueva música -que nadie parece haberle reconocido- desde las páginas de la revista Audio Universal. Allí escribe, entre el ’70 y el ’72, una columna mensual titulada Otra Música, donde disecciona sonidos tan poco convencionales para la época como la música concreta y futurista, Earle Brown y Morton Feldman, Cornelius Cardew y AMM, Musica Elettronica Viva, Gruppo de Improvvisazione Nuova Consonanza, LaMonte Young, Robert Ashley y Gordon Mumma, Albert Ayler y muchos más. Un verdadero quién es quién de la experimentación que chocaría con la hostilidad de los editores y el desinterés de los músicos más académicos, condenando esas páginas precursoras a un olvido que todavía persiste.
3- En su obra madura confluyen tres vertientes que Gregorio supo forjar durante aquellos años: el jazz, la música contemporánea y las artes visuales.[2] Pero sus composiciones eluden con elegancia cualquier recaída en el pastiche o en el eclecticismo y detentan un sentido estricto de la forma y de la estructura. Así, su música queda a resguardo de los riesgos -menos antagónicos que complementarios- del expresionismo desbocado y el rigorismo excesivo.
Hay en el universo sonoro de Gregorio cierta cualidad transicional, una suerte de capacidad única para moverse en los intersticios entre los diversos géneros y disciplinas, que recuerda la voluntad intermedia de Fluxus y le concede a semejante universo una fluidez extraordinaria. Composición e improvisación, notaciones convencionales y partituras gráficas, jazz y música culta, lo visual y lo auditivo conviven sin mezclarse, guiados siempre por una concepción que privilegia lo conceptual por encima de cualquier aproximación intuitiva y hace de la libertad la consecuencia lógica de la responsabilidad creativa, no un mero rehén de la arbitrariedad como en buena parte de la experimentación actual.
Se trata de una música que apunta a la mente sin pecar por ello de alguna variable de intelectualismo idealista. Porque toda su obra permanece siempre atenta a la materialidad misma de los sonidos y a los modos múltiples de su organización y de sus metamorfosis. Una idea del carácter físico de los materiales a la que Gregorio gusta referirse con un concepto de la vanguardia soviética del ’20: faktura, palabra que significa literalmente textura y alude al hecho de que esos materiales, por mor de sus propiedades específicas, dictan la forma lógica que mejor expresa sus cualidades intrínsecas. Un énfasis en lo estructural y en la búsqueda de soluciones espaciales innovadoras a la que no es ajena la música de este argentino. Y que lo contrapone tajantemente a ese organicismo modernista de la primera mitad del siglo XX que veía en la perfección formal de las notas dispuestas sobre una partitura la cifra de una composición bien lograda. Gregorio sabe que la música no se reduce a lo que aparece en un pentagrama sino que constituye un evento al cual compositores, ejecutantes y público aportan por igual. Por eso, más allá de su carácter aparentemente abstracto, su obra transmite una voluntad materialista que asume toda música como producto de las necesidades humanas y, por ende, como parte de la historia de la especie. Un radicalismo democrático que se encuentra a años luz de los devaneos pitagóricos y las promesas metafísicas de trascendencia que han contaminado a la tradición moderna desde el romanticismo hasta el serialismo y que todavía persisten en ciertos cuarteles.
Discografía
Mencionamos sólo los discos a su nombre. También ha colaborado en álbumes de Franz Koglmann, Anthony Braxton y en ejecuciones de las obras de Cornelius Cardew, entre varios otros.
Approximately, hatART, 1996
Ellipsis, hatART/ hatOLOGY, 1997
Background Music, hatART/hatOLOGY (con Mats Gustafsson y Kjell Nordesson), 1998
Red Cube(d), hatART/hatOLOGY, 1999
Degrees of Iconicity, hat(now)ART, 2000
Otra Música, Unheard Music Series, 2000
Faktura, hat(now)ART, 2002
Coplanar, New World Records, 2005
Las peculiares ideas compositivas de este compatriota radicado en Chicago no crecieron por generación espontánea, maduraron gradualmente en un recorrido que ya lleva cuatro décadas y media. Con la ventaja de la perspectiva histórica, hoy podemos decir que fue un pionero. Si la incansable actividad de Juan Carlos Paz tendió las líneas a través de las que discurriría buena parte de nuestra composición contemporánea, otro tanto hizo Gregorio, en silencio y bajo un relativo aislamiento, con la arena más difusa y movediza de la música experimental. A diferencia del inolvidable Paz, no formó discípulos de renombre. Y su actividad, si cabe, fue aún menos visible que la de aquel. Pero supo sintonizar con las corrientes estéticas más arriesgadas del siglo -el constructivismo soviético, el concretismo y el Madí de los años ’40, el puntillismo weberniano, los experimentos bruitistas de Jean Dubuffet, el jazz moderno, la improvisación libre, las partituras gráficas, Fluxus, el arte conceptual y la música para cintas- hasta generar, gracias a su formación en la arquitectura y el diseño, una originalísima visión musical que tiende a traducir en sonido organizado ciertos campos de fuerza cuyos orígenes se remontan a las artes visuales.
2- Sus inicios estuvieron ligados al jazz. El clarinete fue su primer instrumento serio y el jazz de Chicago, una pasión que aún conserva. Más tarde vendría un descubrimiento trascendental: los discos de Lennie Tristano y de sus saxofonistas, Lee Konitz y Warne Marsh. Seguramente de allí proviene su interés inicial por las armonías complejas y el rigor intelectual. De hecho, tomaría clases privadas con el propio Marsh hacia 1986, poco antes de sus primeras grabaciones comerciales con el trompetista austríaco Franz Koglmann. La mitad de los años ’50 lo encuentra despuntando el vicio en un par de combos que los memoriosos recordarán: la Hot Dog’s Band y la Buenos Aires Jazz Band, donde realiza sus primeros escarceos con un saxo tenor que luego cambiaría por el alto. Por entonces conoce al trompetista Carlos Miralles, una colaboración que hacia 1963/64 madurará en unas cuantas grabaciones privadas de marcada impronta armolódica que, de haber trascendido en su momento, hubiesen señalado los comienzos de una improvisación libre autóctona
Más importante aún es una pieza de la misma época -Sobre el piano, adentro del piano, alrededor del piano...- donde el dúo en cuestión explora las texturas del instrumento en su carácter de objeto material, situado en un espacio y tiempo concretos. Anticipo de una música de acción que guarda similitudes con la estética Fluxus de piezas como el Piano Activities de Philip Corner. Esta voluntad performática se manifiesta también en Concretion nº 2 (1969), obra que impulsa la construcción de una mesa en vivo sobre el escenario por parte de tres carpinteros que siguen el diseño y las direcciones técnicas de una “partitura” y, en el proceso, generan los ruidos que la convertirán en música.
Su interés por lo conceptual y lo concreto se afianza gracias a su participación en el colectivo Música Más, junto a Roque de Pedro, Norberto Chavarri y el peruano (ex becario del CLAEM) Alejandro Nuñez Allauca, entre otros. En los estertores de la década del ’60, el grupo saca la música a la calle y a las plazas e incorpora al público en su propio hacerse como tal. Cierta idea de la restricción -como tocar encerrados en una jaula o pugnar por extraer la menor cantidad de sonidos posibles de sus instrumentos- se combina con instrucciones gráficas y verbales a la manera de las (ahora famosas) Compositions de LaMonte Young. Gregorio extendería este modus operandi, a medias entre la improvisación y la performance, a otras unidades experimentales como el Conjunto de Música Contemporánea y el Grupo de Improvisación de La Plata, junto a Enrique Gerardi, Luis Zubillaga y Jorge Blarduni.[1]
Antes de tomarse un sabático que terminaría extendiéndose por el lapso de más de una década, Gregorio realiza una extraordinaria labor de difusión de la nueva música -que nadie parece haberle reconocido- desde las páginas de la revista Audio Universal. Allí escribe, entre el ’70 y el ’72, una columna mensual titulada Otra Música, donde disecciona sonidos tan poco convencionales para la época como la música concreta y futurista, Earle Brown y Morton Feldman, Cornelius Cardew y AMM, Musica Elettronica Viva, Gruppo de Improvvisazione Nuova Consonanza, LaMonte Young, Robert Ashley y Gordon Mumma, Albert Ayler y muchos más. Un verdadero quién es quién de la experimentación que chocaría con la hostilidad de los editores y el desinterés de los músicos más académicos, condenando esas páginas precursoras a un olvido que todavía persiste.
3- En su obra madura confluyen tres vertientes que Gregorio supo forjar durante aquellos años: el jazz, la música contemporánea y las artes visuales.[2] Pero sus composiciones eluden con elegancia cualquier recaída en el pastiche o en el eclecticismo y detentan un sentido estricto de la forma y de la estructura. Así, su música queda a resguardo de los riesgos -menos antagónicos que complementarios- del expresionismo desbocado y el rigorismo excesivo.
Hay en el universo sonoro de Gregorio cierta cualidad transicional, una suerte de capacidad única para moverse en los intersticios entre los diversos géneros y disciplinas, que recuerda la voluntad intermedia de Fluxus y le concede a semejante universo una fluidez extraordinaria. Composición e improvisación, notaciones convencionales y partituras gráficas, jazz y música culta, lo visual y lo auditivo conviven sin mezclarse, guiados siempre por una concepción que privilegia lo conceptual por encima de cualquier aproximación intuitiva y hace de la libertad la consecuencia lógica de la responsabilidad creativa, no un mero rehén de la arbitrariedad como en buena parte de la experimentación actual.
Se trata de una música que apunta a la mente sin pecar por ello de alguna variable de intelectualismo idealista. Porque toda su obra permanece siempre atenta a la materialidad misma de los sonidos y a los modos múltiples de su organización y de sus metamorfosis. Una idea del carácter físico de los materiales a la que Gregorio gusta referirse con un concepto de la vanguardia soviética del ’20: faktura, palabra que significa literalmente textura y alude al hecho de que esos materiales, por mor de sus propiedades específicas, dictan la forma lógica que mejor expresa sus cualidades intrínsecas. Un énfasis en lo estructural y en la búsqueda de soluciones espaciales innovadoras a la que no es ajena la música de este argentino. Y que lo contrapone tajantemente a ese organicismo modernista de la primera mitad del siglo XX que veía en la perfección formal de las notas dispuestas sobre una partitura la cifra de una composición bien lograda. Gregorio sabe que la música no se reduce a lo que aparece en un pentagrama sino que constituye un evento al cual compositores, ejecutantes y público aportan por igual. Por eso, más allá de su carácter aparentemente abstracto, su obra transmite una voluntad materialista que asume toda música como producto de las necesidades humanas y, por ende, como parte de la historia de la especie. Un radicalismo democrático que se encuentra a años luz de los devaneos pitagóricos y las promesas metafísicas de trascendencia que han contaminado a la tradición moderna desde el romanticismo hasta el serialismo y que todavía persisten en ciertos cuarteles.
Discografía
Mencionamos sólo los discos a su nombre. También ha colaborado en álbumes de Franz Koglmann, Anthony Braxton y en ejecuciones de las obras de Cornelius Cardew, entre varios otros.
Approximately, hatART, 1996
Ellipsis, hatART/ hatOLOGY, 1997
Background Music, hatART/hatOLOGY (con Mats Gustafsson y Kjell Nordesson), 1998
Red Cube(d), hatART/hatOLOGY, 1999
Degrees of Iconicity, hat(now)ART, 2000
Otra Música, Unheard Music Series, 2000
Faktura, hat(now)ART, 2002
Coplanar, New World Records, 2005
[1] Lamentablemente la mayor parte de esta historia permanece oculta, dada la absoluta escasez de registros y su carácter de ocasión, espontáneo y efímero. Pero una buena muestra de este período puede hallarse en Guillermo Gregorio. Otra Música: Tape Music, Fluxus & Free Improvisation in Buenos Aires 1963-70. (Atavistic, Unheard Music Series, 2000)
[2] Durante unos tres meses, a finales de 1958, un jovencísimo Gregorio (nació en 1941) frecuenta los cursos que el compositor Alberto Ginastera daba todos los sábados y descubre allí ciertas vertientes de la época como la musique concrète de Schaeffer y cía., el microtonalismo, las klangfarbenmelodie de Webern y los experimentos rítmicos de Varèse. Poco después ingresaría a la carrera de Arquitectura en la UBA y desarrollaría un interés duradero por las tendencias estéticas ligadas al constructivismo y al arte concreto, otros dos pasos fundacionales en esa suerte de Bildungsroman que hemos esbozado más arriba.
Friday, April 24, 2009
Back to Experimenta
Adjunto gacetilla acerca del regreso del Festival Experimenta a partir de hoy. Esta vez, dada las circunstancias económicas actuales, en formato estrictamente nacional:
A 12 años de su inicio, en 1997, en las arenas del Centro Rojas de la UBA y del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, y a 4 años del último ciclo en el CELCIT: vuelve Experimenta. A partir del viernes 24 y sábado 25 de Abril, el primer ciclo/festival de música y arte experimental de la Argentina vuelve a la luz pública. Serán nueve meses de programación (tal como el primer ciclo de 1997), siempre el último fin de semana de cada mes. El lugar elegido es el SADEM, el Sindicato de Músicos de Argentina, en la Av. Belgrano 3655, de la ciudad de Buenos Aires.
La programación de Experimenta 2009 actualizará el estado de las cosas en la escena experimental argentina, más entusiasta que nunca antes, con centenares de artistas jóvenes y veteranos trabajando juntos en el contexto de mayor desamparo que se recuerde desde la dictadura. Experimenta presta atención y les da un espacio a los nuevos músicos experimentales y a los de siempre, aquellos que arriesgan la comodidad de lo conocido y avanzan en la oscuridad, sin ninguna certeza de perfección. Sin aspirar a la consagración de la música oficial de moda, ni dar por perdida la batalla por el arte bajo la bota del mercado.
Apertura:
24 y 25 de Abril Belgrano 3655, 21hs
*TRIO EXPERIMENTA(de los Santos/Courtis/Garín)
*Dúo EOT(Adriana de los Santos/Eliseo Tapia)
* Dúo Alan Courtis/Christian Dergarabedián
* Fede Zypce/A. de los Santos: Máquinas y Motores
Un programa distinto los dos días. El viernes la pianista Adriana de los Santos presentará su dúo de tango (EOT: el otro tango) con el bandoneonista y guitarrista Eliseo Tapia y el sábado hará lo propio con el dúo que conforma con Federico Zypce, compositor e inventor de nuevos instrumentos percusivos eléctricos. A su vez, el viernes 24, Alan Courtis rememorará su histórico dúo Nuégado de Serpientes, reencontrándose 15 años después con Christian Dergarabedián. El sábado, Courtis y Garín se trenzarán en un dúo a toda electricidad y para cerrar ambas jornadas el debut del TRIO EXPERIMENTA, agrupación integrada por Adriana de los Santos: piano preparado, Alan Courtis: guitarra eléctrica y objetos y Zelmar Garín: percusión “noise”. Tres generaciones envueltas en una síntesis musical imprevista.
* BONO CONTRIBUCION: $30 – Jubilados, socios y alumnos del SADEM: $15 *
Abril será el primer mes en una programación de nueve meses que transcurrirá durante el 2009, y que implicará la vuelta del ciclo Experimenta con todas las pilas, despierto y al día, tan entusiasta como para no interrumpir nunca más el vínculo con el público. A las performances se les agregan dos cursos a cargo de los directores del ciclo.
Cursos:
Jueves 23 de Abril, 21hs: La Caja de Pandora: el piano experimental
por Adriana de los Santos
Martes 19 de Mayo al 15 de Septiembre, 18 a 20hs - Curso Audiovisual:
La Experimentación en la Música Argentina : Ruido, Alquimia y Utopía
por Claudio Koremblit
Informes: Instituto de Música Popular del SADEM: Belgrano 3655 - 4956-0673
email: instsadem@interlink.com.ar
A 12 años de su inicio, en 1997, en las arenas del Centro Rojas de la UBA y del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, y a 4 años del último ciclo en el CELCIT: vuelve Experimenta. A partir del viernes 24 y sábado 25 de Abril, el primer ciclo/festival de música y arte experimental de la Argentina vuelve a la luz pública. Serán nueve meses de programación (tal como el primer ciclo de 1997), siempre el último fin de semana de cada mes. El lugar elegido es el SADEM, el Sindicato de Músicos de Argentina, en la Av. Belgrano 3655, de la ciudad de Buenos Aires.
La programación de Experimenta 2009 actualizará el estado de las cosas en la escena experimental argentina, más entusiasta que nunca antes, con centenares de artistas jóvenes y veteranos trabajando juntos en el contexto de mayor desamparo que se recuerde desde la dictadura. Experimenta presta atención y les da un espacio a los nuevos músicos experimentales y a los de siempre, aquellos que arriesgan la comodidad de lo conocido y avanzan en la oscuridad, sin ninguna certeza de perfección. Sin aspirar a la consagración de la música oficial de moda, ni dar por perdida la batalla por el arte bajo la bota del mercado.
Apertura:
24 y 25 de Abril Belgrano 3655, 21hs
*TRIO EXPERIMENTA(de los Santos/Courtis/Garín)
*Dúo EOT(Adriana de los Santos/Eliseo Tapia)
* Dúo Alan Courtis/Christian Dergarabedián
* Fede Zypce/A. de los Santos: Máquinas y Motores
Un programa distinto los dos días. El viernes la pianista Adriana de los Santos presentará su dúo de tango (EOT: el otro tango) con el bandoneonista y guitarrista Eliseo Tapia y el sábado hará lo propio con el dúo que conforma con Federico Zypce, compositor e inventor de nuevos instrumentos percusivos eléctricos. A su vez, el viernes 24, Alan Courtis rememorará su histórico dúo Nuégado de Serpientes, reencontrándose 15 años después con Christian Dergarabedián. El sábado, Courtis y Garín se trenzarán en un dúo a toda electricidad y para cerrar ambas jornadas el debut del TRIO EXPERIMENTA, agrupación integrada por Adriana de los Santos: piano preparado, Alan Courtis: guitarra eléctrica y objetos y Zelmar Garín: percusión “noise”. Tres generaciones envueltas en una síntesis musical imprevista.
* BONO CONTRIBUCION: $30 – Jubilados, socios y alumnos del SADEM: $15 *
Abril será el primer mes en una programación de nueve meses que transcurrirá durante el 2009, y que implicará la vuelta del ciclo Experimenta con todas las pilas, despierto y al día, tan entusiasta como para no interrumpir nunca más el vínculo con el público. A las performances se les agregan dos cursos a cargo de los directores del ciclo.
Cursos:
Jueves 23 de Abril, 21hs: La Caja de Pandora: el piano experimental
por Adriana de los Santos
Martes 19 de Mayo al 15 de Septiembre, 18 a 20hs - Curso Audiovisual:
La Experimentación en la Música Argentina : Ruido, Alquimia y Utopía
por Claudio Koremblit
Informes: Instituto de Música Popular del SADEM: Belgrano 3655 - 4956-0673
email: instsadem@interlink.com.ar
La oreja que zumba o el mundo según C.D.
Después de Nuégado de serpientes -su legendario dúo con Alan Courtis- y su paso por los comienzos de Reynols, Christian Dergarabedián, alias C.D., alias Earzumba, decidió radicarse en Barcelona y dedicarse a un tipo de experimentación que no reniega de la accesibilidad. Justo en estos días en que, en el marco del nuevo Experimenta, Alan y Christian renovarán su asociación de antaño, presentamos cuatro muestras, comentadas en pequeñas dosis, de su particular universo sonoro.
Afuera de la naranja. Audiobot, Bélgica, 2005.
Es éste un disco que parece condensar buena parte del universo de la electrónica pop. Christian Dergarabedián no está obsesionado por las últimas mutaciones del beat bailable sino por los antecedentes de las décadas del ’70 y el ’80. Del conjunto de asociaciones que despliegan estos once tracks destacan las referencias al tecno artesanal de un grupo como Yello, cierto krautrock de la escena de Düsseldorf (más Neu! que Kraftwerk), el sentido del humor de unos Residents y hasta algún funk más cercano a The Last Poets que a cualquier combo actual. C.D. es muy consciente de la existencia de una tradición que sabe usar en su propio provecho sin mimetizarse nunca con sus modelos. Su música más bien parece interrogarse acerca de la posibilidad de instaurar una distancia irónica cuando todos los sonidos ya han sido concebidos y ejecutados. El pone a disposición sus samplers y sus teclados para provocar la pregunta de si en verdad también han sido escuchados como se merecían.
Simulando un refugio. Old Gold, Atlanta, USA. 2005.
Simulando un refugio. Old Gold, Atlanta, USA. 2005.
Experimentación sonora, más abstracta que en otros discos de Earzumba pero conservando cierto grado de accesibilidad. Mucho uso de cintas, acompañado por theremin, guitarras con delay, percusión casera, flauta y un Fender Rhodes. Una sinfonía de ruidos que funcionaría a la perfección como soundtrack de una película de suspenso (en particular, el extenso track que titula el álbum). Hasta cierto punto, cercano a algunas búsquedas de la música concreta, con mecanismos de collage pero sin la obsesión de ésta por ocultar la fuente de sus sonidos, aún cuando aquí también el procesamiento vuelva a los sonidos irreconocibles. No obstante, la impronta digital del conjunto permanece claramente audible.
Bestia infernal. Dial sin fin 003, 2006.
Una plunderfonía juguetona, menos preocupada por las cuestiones éticas y de copyright ligadas a la apropiación (como es el caso del canadiense John Oswald), y más volcada a la idea de la música como un inmenso museo disponible para su actualización a través de la sampladelia y el cut and paste. Por eso desfilan por aquí Billy Joel y Screamin’ Jay Hawkins, Elvis Presley y Enrique Santos Discépolo, Metallica y David Bowie, en líneas inicialmente reconocibles que el sampler va transformando hasta borrar toda pureza originaria. No faltan pequeños manifiestos de provocación, como en ese “Cage” que se repite en “Mentiras elaboradas artesanalmente”. O los cinco minutos introductorios de “Olas de fantasía excitada”, que no progresan hacia ninguna parte y sirven apenas como sutil comentario crítico de la excitación artificial de los conciertos de rock. Un largo track más ambiental de 30 minutos completa el registro.
Real ruido pastizo. editions_zero 13, Barcelona. 2007.
Ya desde los títulos se adivina la voluntad cinematográfica de Real ruido pastizo. Balazos, gritos, ruido de motores, golpes y demás sonidos concretos enhebran una historia escrita a base de samplers y cintas que se permite un collage de referencias que abarcan desde la música de películas hasta el reggae y el ska. La unidad narrativa del disco se sostiene gracias al sentido de la ironía y del humor del que Christian Dergarabedian ha dado sobradas muestras en trabajos anteriores. El punto más alto del álbum es “Bernardo y Silvestre”, un mix de citas al compositor mexicano Silvestre Revueltas y al gran hacedor de soundtracks Bernard Herrmann que se desarrolla a través de sonidos sostenidos y confirma la aureola generalizada de misterio que domina el resto de los temas.
Bestia infernal. Dial sin fin 003, 2006.
Una plunderfonía juguetona, menos preocupada por las cuestiones éticas y de copyright ligadas a la apropiación (como es el caso del canadiense John Oswald), y más volcada a la idea de la música como un inmenso museo disponible para su actualización a través de la sampladelia y el cut and paste. Por eso desfilan por aquí Billy Joel y Screamin’ Jay Hawkins, Elvis Presley y Enrique Santos Discépolo, Metallica y David Bowie, en líneas inicialmente reconocibles que el sampler va transformando hasta borrar toda pureza originaria. No faltan pequeños manifiestos de provocación, como en ese “Cage” que se repite en “Mentiras elaboradas artesanalmente”. O los cinco minutos introductorios de “Olas de fantasía excitada”, que no progresan hacia ninguna parte y sirven apenas como sutil comentario crítico de la excitación artificial de los conciertos de rock. Un largo track más ambiental de 30 minutos completa el registro.
Real ruido pastizo. editions_zero 13, Barcelona. 2007.
Ya desde los títulos se adivina la voluntad cinematográfica de Real ruido pastizo. Balazos, gritos, ruido de motores, golpes y demás sonidos concretos enhebran una historia escrita a base de samplers y cintas que se permite un collage de referencias que abarcan desde la música de películas hasta el reggae y el ska. La unidad narrativa del disco se sostiene gracias al sentido de la ironía y del humor del que Christian Dergarabedian ha dado sobradas muestras en trabajos anteriores. El punto más alto del álbum es “Bernardo y Silvestre”, un mix de citas al compositor mexicano Silvestre Revueltas y al gran hacedor de soundtracks Bernard Herrmann que se desarrolla a través de sonidos sostenidos y confirma la aureola generalizada de misterio que domina el resto de los temas.
Friday, April 17, 2009
Ruido en la Alianza
Conciertos en el LIMb0
CICLO DE ARTE SONORO Y MUSICA EXPERIMENTAL
ABRIL
CONFERENCIA Y CONCIERTO
CONFERENCIA DE NORBERTO CAMBIASSO [ARG]
LABORATORIO DE SONIDO (LUIS MARTE + PABLO RECHE) [ARG]
MUSEO DE ARTE MODERNO Y LA ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES
VIERNES 17 DE ABRIL 20 HS ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES CORDOBA 946
COORDINACION: JORGE HARO
LA PROPUESTA DE ESTA FECHA
Conferencia de Norberto Cambiasso [Argentina]
Los usos del ruido en las músicas no académicas: de Luigi Russolo a Merzbow.
Fue editor y director de la revista Esculpiendo Milagros, pionera en lengua hispana en la difusión de músicas experimentales y rock europeo. Da clases de comunicación, estética y crítica cultural en la Universidad de Buenos Aires, la Universidad Nacional de Quilmes y el Conservatorio de Música Manuel de Falla. Es coautor del libro Días Felices: los usos del orden de la Escuela de Chicago al funcionalismo. Ha escrito numerosos artículos sobre temas que van desde el teatro a la política internacional, aunque su principal interés consiste en las relaciones entre arte, música experimental y contextos socio-políticos. Actualmente codirige el proyecto Archivo sobre músicas experimentales argentinas para el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA). Integra el consejo de redacción de la revista Parabólica. http://esculpiendo.blogspot.com
+
Laboratorio de Sonido (Luis Marte+Pablo Reche) [Argentina]
A mediados de los años 90 Luis Marte y Pablo Reche formaron Laboratorio de Sonido, proyecto destinado a la mixtura de ideas musicales bajo la influencia de la música industrial y los instrumentos electrónicos de esa época. Editaron dos casetes de forma independiente y algunas piezas en ediciones compilatorias. Compartieron conciertos y escenarios con distintos grupos, destacándose su concierto junto a Carlos Alonso (UxU) en el mítico Cemento. http://www.myspace.com/laboratoriodesonidoo
See you there!!
CICLO DE ARTE SONORO Y MUSICA EXPERIMENTAL
ABRIL
CONFERENCIA Y CONCIERTO
CONFERENCIA DE NORBERTO CAMBIASSO [ARG]
LABORATORIO DE SONIDO (LUIS MARTE + PABLO RECHE) [ARG]
MUSEO DE ARTE MODERNO Y LA ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES
VIERNES 17 DE ABRIL 20 HS ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES CORDOBA 946
COORDINACION: JORGE HARO
LA PROPUESTA DE ESTA FECHA
Conferencia de Norberto Cambiasso [Argentina]
Los usos del ruido en las músicas no académicas: de Luigi Russolo a Merzbow.
Fue editor y director de la revista Esculpiendo Milagros, pionera en lengua hispana en la difusión de músicas experimentales y rock europeo. Da clases de comunicación, estética y crítica cultural en la Universidad de Buenos Aires, la Universidad Nacional de Quilmes y el Conservatorio de Música Manuel de Falla. Es coautor del libro Días Felices: los usos del orden de la Escuela de Chicago al funcionalismo. Ha escrito numerosos artículos sobre temas que van desde el teatro a la política internacional, aunque su principal interés consiste en las relaciones entre arte, música experimental y contextos socio-políticos. Actualmente codirige el proyecto Archivo sobre músicas experimentales argentinas para el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA). Integra el consejo de redacción de la revista Parabólica. http://esculpiendo.blogspot.com
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Laboratorio de Sonido (Luis Marte+Pablo Reche) [Argentina]
A mediados de los años 90 Luis Marte y Pablo Reche formaron Laboratorio de Sonido, proyecto destinado a la mixtura de ideas musicales bajo la influencia de la música industrial y los instrumentos electrónicos de esa época. Editaron dos casetes de forma independiente y algunas piezas en ediciones compilatorias. Compartieron conciertos y escenarios con distintos grupos, destacándose su concierto junto a Carlos Alonso (UxU) en el mítico Cemento. http://www.myspace.com/laboratoriodesonidoo
See you there!!
Tuesday, March 24, 2009
Un diario del BAFICI
A propósito de Yaco (Santiago Peresón). Películas y una canción. Sudamérica electrónica, Buenos Aires. 2008.
Ahora que comienza el 11º, Santiago Peresón construye su propio diario del 10º BAFICI, el Festival Internacional de Cine Independiente que se lleva a cabo todos los años en Buenos Aires. Y “construir” es aquí la palabra adecuada, ya que más de 60 films de la última edición del Festival configuran el material de base sobre el que se construye la música de este disco. Santiago somete los sonidos, extraídos de las películas más diversas, a técnicas características de las músicas concretas y electrónicas. Células sonoras que se extienden y se repiten, fragmentos que se ensanchan, sonidos superpuestos en collages, mucho cut and paste. Un enorme trabajo de edición que reitera y modifica gestos constitutivos del propio medio cinematográfico, empezando por el montaje. Aunque a veces, como en el caso de la canción (“I want you” de Bob Dylan, tal cual aparece en el film de Todd Solonz) el recorrido sea a la inversa. Su intento de traducción de un medio (el cine) a otro (la música) no busca las fuentes originales en sonidos del mundo externo sino que parte de algo que ya está sometido de antemano a la reproducción mecánica, una especie de relectura y transformación de ideas que supieron popularizar los escritos de teóricos como Walter Benjamin y Marshall McLuhan. Un soundtrack del soundtrack que Peresón convierte en la radiografía de su propia experiencia personal del BAFICI, agendada como un diario puntilloso de “sus” dos semanas de Festival.
Muchas cuestiones, casi filosóficas, podrían derivarse de este trabajo. Entre ellas: cómo comunicar experiencias que, en tanto espectadores subjetivos, tienden a parecer intransferibles, cómo hallar un equilibrio en la traducción entre lenguajes estéticos diferentes, sin que uno tienda a invadir el otro y, en particular, hasta que punto las técnicas reproductivas permiten una aprehensión del instante que antaño hubiera resultado poco menos que imposible. Pero no escribiremos ahora un ensayo. Nos contentamos con recomendarles uno de los discos más interesantes que, en silencio y hacia el final de año, vio la luz en 2008.
Ahora que comienza el 11º, Santiago Peresón construye su propio diario del 10º BAFICI, el Festival Internacional de Cine Independiente que se lleva a cabo todos los años en Buenos Aires. Y “construir” es aquí la palabra adecuada, ya que más de 60 films de la última edición del Festival configuran el material de base sobre el que se construye la música de este disco. Santiago somete los sonidos, extraídos de las películas más diversas, a técnicas características de las músicas concretas y electrónicas. Células sonoras que se extienden y se repiten, fragmentos que se ensanchan, sonidos superpuestos en collages, mucho cut and paste. Un enorme trabajo de edición que reitera y modifica gestos constitutivos del propio medio cinematográfico, empezando por el montaje. Aunque a veces, como en el caso de la canción (“I want you” de Bob Dylan, tal cual aparece en el film de Todd Solonz) el recorrido sea a la inversa. Su intento de traducción de un medio (el cine) a otro (la música) no busca las fuentes originales en sonidos del mundo externo sino que parte de algo que ya está sometido de antemano a la reproducción mecánica, una especie de relectura y transformación de ideas que supieron popularizar los escritos de teóricos como Walter Benjamin y Marshall McLuhan. Un soundtrack del soundtrack que Peresón convierte en la radiografía de su propia experiencia personal del BAFICI, agendada como un diario puntilloso de “sus” dos semanas de Festival.
Muchas cuestiones, casi filosóficas, podrían derivarse de este trabajo. Entre ellas: cómo comunicar experiencias que, en tanto espectadores subjetivos, tienden a parecer intransferibles, cómo hallar un equilibrio en la traducción entre lenguajes estéticos diferentes, sin que uno tienda a invadir el otro y, en particular, hasta que punto las técnicas reproductivas permiten una aprehensión del instante que antaño hubiera resultado poco menos que imposible. Pero no escribiremos ahora un ensayo. Nos contentamos con recomendarles uno de los discos más interesantes que, en silencio y hacia el final de año, vio la luz en 2008.
Thursday, March 19, 2009
Próximos tres meses del ciclo LIMbo
Mañana comienza el nuevo año del ciclo de música experimental LIMbo, organizado por Jorge Haro. Transcribo la gacetilla con la info de aquellos que serán de la partida en los próximos tres meses (entre los que se encuentra un servidor).
Museo de Arte Moderno y la Alianza Francesa de Buenos Aires
Ciclo de arte sonoro y música experimental
Conciertos en el LIMb0
Alianza Francesa de Buenos Aires, Av. Córdoba 946
Coordinación: Jorge Haro
Viernes 20 de marzo, 20:00 horas
Tatsuya Nakatani [Japón]
Ligia Liberatori [Argentina]
Tatsuya Nakatani [Japón]
Tatsua ha creado una instrumentación propia, utilizando un set de batería, platillos, gongs tocados con arcos, vasijas, objetos de metal y campanas para crear una música intensa y orgánica. Una música que va mas allá de estilos y géneros: música experimental, improvisada, noise, free jazz, rock, etc., siempre manteniendo el sentido del espacio y de belleza que se puede encontrar en la música tradicional japonesa. Paralelamente a su carrera artística Tatsuya regentea el sello independiente H&H y es diseñador sonoro para cine y TV. Ha presentado su música en USA, Canadá, Europa y Asia junto a músicos como Peter Kowald, Otomo Yoshihide, Peter Brotzmann, Roy Campbell, Assif Tsahar, Michel Doneda, Rhodri Davis y Taku Unami entre otros.
http://www.hhproduction.org/TATSUYA_NAKATANI_WORKS.html
Ligia Liberatori [Argentina]
Ligia Liberatori experimenta con las posibilidades que tiene la voz como instrumento. Además de las técnicas extendidas convencionales desarrolló sus propias técnicas como flaggiolettos y acordes vocales. Investiga la relación entre música y movimiento, lo que le ha llevado a desarrollar distintas posibilidades escénicas, como cantar en un trapecio o haciendo acrobacia en el suelo. Estudió en Argentina canto, dirección coral y educación musical en el Conservatorio Municipal de Música Manuel de Falla y luego en la Escuela Superior de Música de Colonia, Alemania (Hochschule für Musik Köln), especializándose en Música Contemporánea. Actuó en salas de Argentina, Alemania, Bélgica, Brasil, Países Bajos, Francia, Italia, Luxemburgo, Malta y Suecia.
http://www.ligialiberatori.net/
Viernes 17 de abril, 20:00 horas
Conferencia de Norberto Cambiasso [Argentina]
Laboratorio de Sonido (Luis Marte+Pablo Reche) [Argentina]
Conferencia de Norberto Cambiasso [Argentina]: Los usos del ruido en las músicas no académicas: de Luigi Russolo a Merzbow.
Fue editor y director de la revista Esculpiendo Milagros, pionera en lengua hispana en la difusión de músicas experimentales y rock europeo. Da clases de comunicación, estética y crítica cultural en la Universidad de Buenos Aires, la Universidad Nacional de Quilmes y el Conservatorio de Música Manuel de Falla. Es coautor del libro “Días Felices: los usos del orden de la Escuela de Chicago al funcionalismo”. Ha escrito numerosos artículos sobre temas que van desde el teatro a la política internacional, aunque su principal interés consiste en las relaciones entre arte, música experimental y contextos socio-políticos. Actualmente codirige el proyecto Archivo sobre músicas experimentales argentinas para el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA). Integra el consejo de redacción de la revista Parabólica.
http://esculpiendo.blogspot.com/
Laboratorio de Sonido (Luis Marte+Pablo Reche) [Argentina]
A mediados de los años 90 Luis Marte y Pablo Reche formaron Laboratorio de Sonido, proyecto destinado a la mixtura de ideas musicales bajo la influencia de la música industrial y los instrumentos electrónicos de esa época. Editaron dos casetes de forma independiente y algunas piezas en ediciones compilatorias. Compartieron conciertos y escenarios con distintos grupos, destacándose su concierto junto a Carlos Alonso (UxU) en el mítico Cemento.
http://www.myspace.com/laboratoriodesonidoo
Presentación del sello Sudamérica Electrónica [extreme noise – extreme nature]
Viernes 15 de mayo, de 10:00 a 14:00 horas
Taller de Jorge Castro [Argentina]: Hecho en casa: taller orientado a la creación y programación de plataformas personalizadas para la manipulación de imagen y sonido.
Viernes 15 de mayo, 20:00 horas
Santiago Peresón (aka Yaco) [Argentina]
Jorge Castro (aka Fisternni) [Argentina]
Desde el lunes 11 hasta el viernes 15, de 10:00 a 20:00
Proyecccion de piezas audiovisuales contenidas en el DVD del compilado Iberoamericano Sudamérica Electrónica #2 con obras de Jazznoise [España], Tag Magic’s Visual Circus [España], Jorge Haro [Argentina], Jorge Castro (aka Fisternni) [Argentina], Marcello Mercado [Argentina], Brian Mackern [Uruguay], Margarita Paksa [Argentina], César Gabriel Castillo Agüero [Perú], Rolando Apolo [Perú], Christian Gallarreta+Arcángel Constantini [Perú/México], Chiste [Chile] y Juan Reyes+Sebastián Mealla Cigulanni [Colombia/Argentina.
Jorge Castro (aka Fisternni) [Argentina]
Artista Digital. Master Digital MDA. Ha trabajado compartiendo escenarios con numerosos artistas Internacionales entre los que pueden destacarse: Richard Chartier, Zbigniew Karkowski, Chuck Bettis, Fiftyfifty, Cornucopia, SipperSpy, Kid Loco, Pablo Reche, Jorge Haro, Lexdinamo, John Dekrom, Brian MacKern, Victor Nubla, Spezialmaterial, Coeval, Arcangel Constantini, Manrico Montero, Christof Kurtzman, Lucas Banbossi y Jacob Kiekergaard, entre otros. Su obra audiovisual se ha exhibido en Argentina, Brasil, UK, USA, Colombia, México, Canadá, Hong Kong, España, Australia, Suiza, Alemania y Francia. Ha recibido distintos premios como el de Arte Digital del Maryland Institute College of Art, el primer premio Dance Film Association Inc. New York, el premio Video Award Contemporary Museum (Baltimore, USA) y el premio LIMb0 del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y el Espacio de la Fundación Telefónica de Argentina. Es codirector del sello Sudamérica Electrónica, en el que tiene publicada obra sonora y audiovisual en las compilaciones 1 y 2.
http://www.manipulatto.com/
Santiago Peresón (aka Yaco) [Argentina]
Santiágo Peresón nació en Buenos Aires en 1971. Desde mediados de los años 90 trabaja sobre procesos experimentales de creación sonora. Presentó sus proyectos en Buenos Aires, Amberes, Bruselas, Córdoba, Linz, Lima, San José (USA), Madrid y Salamanca. Su proyecto Oveja Eléctrica obtuvo el primer premio en la categoría Proyecto Multidisciplinario Experimental - Premio LIMb0 del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y el Espacio de la Fundación Telefónica de Argentina, en diciembre 2003. Publicó Películas y una canción a través de Sudamérica Electrónica a fines del 2008.
http://yaco.net/
http://www.sudamericaelectronica.com/
See you there
Museo de Arte Moderno y la Alianza Francesa de Buenos Aires
Ciclo de arte sonoro y música experimental
Conciertos en el LIMb0
Alianza Francesa de Buenos Aires, Av. Córdoba 946
Coordinación: Jorge Haro
Viernes 20 de marzo, 20:00 horas
Tatsuya Nakatani [Japón]
Ligia Liberatori [Argentina]
Tatsuya Nakatani [Japón]
Tatsua ha creado una instrumentación propia, utilizando un set de batería, platillos, gongs tocados con arcos, vasijas, objetos de metal y campanas para crear una música intensa y orgánica. Una música que va mas allá de estilos y géneros: música experimental, improvisada, noise, free jazz, rock, etc., siempre manteniendo el sentido del espacio y de belleza que se puede encontrar en la música tradicional japonesa. Paralelamente a su carrera artística Tatsuya regentea el sello independiente H&H y es diseñador sonoro para cine y TV. Ha presentado su música en USA, Canadá, Europa y Asia junto a músicos como Peter Kowald, Otomo Yoshihide, Peter Brotzmann, Roy Campbell, Assif Tsahar, Michel Doneda, Rhodri Davis y Taku Unami entre otros.
http://www.hhproduction.org/TATSUYA_NAKATANI_WORKS.html
Ligia Liberatori [Argentina]
Ligia Liberatori experimenta con las posibilidades que tiene la voz como instrumento. Además de las técnicas extendidas convencionales desarrolló sus propias técnicas como flaggiolettos y acordes vocales. Investiga la relación entre música y movimiento, lo que le ha llevado a desarrollar distintas posibilidades escénicas, como cantar en un trapecio o haciendo acrobacia en el suelo. Estudió en Argentina canto, dirección coral y educación musical en el Conservatorio Municipal de Música Manuel de Falla y luego en la Escuela Superior de Música de Colonia, Alemania (Hochschule für Musik Köln), especializándose en Música Contemporánea. Actuó en salas de Argentina, Alemania, Bélgica, Brasil, Países Bajos, Francia, Italia, Luxemburgo, Malta y Suecia.
http://www.ligialiberatori.net/
Viernes 17 de abril, 20:00 horas
Conferencia de Norberto Cambiasso [Argentina]
Laboratorio de Sonido (Luis Marte+Pablo Reche) [Argentina]
Conferencia de Norberto Cambiasso [Argentina]: Los usos del ruido en las músicas no académicas: de Luigi Russolo a Merzbow.
Fue editor y director de la revista Esculpiendo Milagros, pionera en lengua hispana en la difusión de músicas experimentales y rock europeo. Da clases de comunicación, estética y crítica cultural en la Universidad de Buenos Aires, la Universidad Nacional de Quilmes y el Conservatorio de Música Manuel de Falla. Es coautor del libro “Días Felices: los usos del orden de la Escuela de Chicago al funcionalismo”. Ha escrito numerosos artículos sobre temas que van desde el teatro a la política internacional, aunque su principal interés consiste en las relaciones entre arte, música experimental y contextos socio-políticos. Actualmente codirige el proyecto Archivo sobre músicas experimentales argentinas para el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA). Integra el consejo de redacción de la revista Parabólica.
http://esculpiendo.blogspot.com/
Laboratorio de Sonido (Luis Marte+Pablo Reche) [Argentina]
A mediados de los años 90 Luis Marte y Pablo Reche formaron Laboratorio de Sonido, proyecto destinado a la mixtura de ideas musicales bajo la influencia de la música industrial y los instrumentos electrónicos de esa época. Editaron dos casetes de forma independiente y algunas piezas en ediciones compilatorias. Compartieron conciertos y escenarios con distintos grupos, destacándose su concierto junto a Carlos Alonso (UxU) en el mítico Cemento.
http://www.myspace.com/laboratoriodesonidoo
Presentación del sello Sudamérica Electrónica [extreme noise – extreme nature]
Viernes 15 de mayo, de 10:00 a 14:00 horas
Taller de Jorge Castro [Argentina]: Hecho en casa: taller orientado a la creación y programación de plataformas personalizadas para la manipulación de imagen y sonido.
Viernes 15 de mayo, 20:00 horas
Santiago Peresón (aka Yaco) [Argentina]
Jorge Castro (aka Fisternni) [Argentina]
Desde el lunes 11 hasta el viernes 15, de 10:00 a 20:00
Proyecccion de piezas audiovisuales contenidas en el DVD del compilado Iberoamericano Sudamérica Electrónica #2 con obras de Jazznoise [España], Tag Magic’s Visual Circus [España], Jorge Haro [Argentina], Jorge Castro (aka Fisternni) [Argentina], Marcello Mercado [Argentina], Brian Mackern [Uruguay], Margarita Paksa [Argentina], César Gabriel Castillo Agüero [Perú], Rolando Apolo [Perú], Christian Gallarreta+Arcángel Constantini [Perú/México], Chiste [Chile] y Juan Reyes+Sebastián Mealla Cigulanni [Colombia/Argentina.
Jorge Castro (aka Fisternni) [Argentina]
Artista Digital. Master Digital MDA. Ha trabajado compartiendo escenarios con numerosos artistas Internacionales entre los que pueden destacarse: Richard Chartier, Zbigniew Karkowski, Chuck Bettis, Fiftyfifty, Cornucopia, SipperSpy, Kid Loco, Pablo Reche, Jorge Haro, Lexdinamo, John Dekrom, Brian MacKern, Victor Nubla, Spezialmaterial, Coeval, Arcangel Constantini, Manrico Montero, Christof Kurtzman, Lucas Banbossi y Jacob Kiekergaard, entre otros. Su obra audiovisual se ha exhibido en Argentina, Brasil, UK, USA, Colombia, México, Canadá, Hong Kong, España, Australia, Suiza, Alemania y Francia. Ha recibido distintos premios como el de Arte Digital del Maryland Institute College of Art, el primer premio Dance Film Association Inc. New York, el premio Video Award Contemporary Museum (Baltimore, USA) y el premio LIMb0 del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y el Espacio de la Fundación Telefónica de Argentina. Es codirector del sello Sudamérica Electrónica, en el que tiene publicada obra sonora y audiovisual en las compilaciones 1 y 2.
http://www.manipulatto.com/
Santiago Peresón (aka Yaco) [Argentina]
Santiágo Peresón nació en Buenos Aires en 1971. Desde mediados de los años 90 trabaja sobre procesos experimentales de creación sonora. Presentó sus proyectos en Buenos Aires, Amberes, Bruselas, Córdoba, Linz, Lima, San José (USA), Madrid y Salamanca. Su proyecto Oveja Eléctrica obtuvo el primer premio en la categoría Proyecto Multidisciplinario Experimental - Premio LIMb0 del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y el Espacio de la Fundación Telefónica de Argentina, en diciembre 2003. Publicó Películas y una canción a través de Sudamérica Electrónica a fines del 2008.
http://yaco.net/
http://www.sudamericaelectronica.com/
See you there
Wednesday, February 04, 2009
Más allá del rock: Canterbury, Krautrock, RIO y otras maravillosas deformidades musicales
Se ha publicado el libro Más Allá del Rock escrito por el equipo de colaboradores de la revista Parabólica. La edición corre a cargo de Julián Ruesga y Norberto Cambiasso y los diferentes capítulos del libro están escritos por:
Norberto Cambiasso (Introducción)
Julián Ruesga (psicodelia y progresiva británicas)
Luis Clemente (música progresiva en España)
Blas Fernández (post rock)
Humberto Luna (rock progresivo en América Latina y Rock In Opposition)
Vidal Romero (Krautrock)
Alfredo Rosso (Canterbury)
El libro presenta un panorama de las músicas progresivas y experimentales en un amplio abanico de países en el período 1965-1980. Un territorio casi inexplorado en lengua española, que esperamos sirva para obtener unas cuantas revelaciones parciales sobre el éxtasis y pervivencia de una música de dimensiones planetarias pero con rasgos inevitablemente locales. Se recorre el trabajo de numerosas bandas que fundieron referencias radicalmente diversas, creando nuevas síntesis musicales apartadas de la ortodoxia del rock. Esto supuso principalmente la creación de un espacio musical sin precedentes en la música popular occidental que reflejó los cambios sociales, culturales y tecnológicos que se estaban produciendo. No se habla de un estilo musical determinado sino de una actitud, de distintas corrientes musicales asociadas a la instrumentación rock y caracterizadas por un enfoque marcadamente experimental y ecléctico.
220 Páginas
17x24 cm
ISBN: 978-84-87731-74-7
Para conocerlo: http://www.parabolica.net/
Lo de arriba es la gacetilla de presentación de un libro que he compilado junto con Julián Ruesga Bono. Es un emprendimiento conjunto entre periodistas argentinos (Alfredo Rosso, Humberto Luna y yo) y colegas españoles (Ruesga, Blas Fernández, Luis Clemente y Vidal Romero)
El libro se editó en España y estoy viendo la manera de que se pueda conseguir en Argentina. Mientras, pueden bajarse un PDF con las primeras páginas aquí: http://www.rollingstone.com.ar/nota.asp?nota_id=1095801
Que lo disfruten!!
Tuesday, January 06, 2009
R.I.P. 2008
En lo que a fallecimientos se refiere, el año que pasó fue pésimo para la música. Aquí va una lista de los que nos han dejado en el transcurso del 2008:
Erik M. Stanis (Winters in Osaka; January 1, 2008)
Henri Chopin (sound poet; January 3, 2008)
Mort Garson (Moog champion; January 4, 2008)
Peter Harris (Kickin Records; January 6, 2008)
Thomas Michael Griffen (Noggin; January 7, 2008)
Dave Day (born David M. Havlicek, of The Monks; January 10, 2008)
Suzanne Pleshette (January 19, 2008)
Jared McGuinness (PRINT; January 24, 2008)
Ben Scott McMillan (Skin Yard, Gruntruck; January 25, 2008)
Jeffrey “Jeff” Salen (a.k.a. Tuff Darts, of Magic Tramps; January 26, 2008)
Sean P. Finnegan (Void; January 30, 2008)
Robert A. Luly (Frank Zappa; February 1, 2008)
Yasushi Ozawa (Fushitsusha, Marginal Consort; February 7, 2008)
Thomas Scot Halpin (The Who; February 9, 2008)
Steven Joseph Casmano (Sado Nation; February 12, 2008)
Dorothy Podber (shot Warhol’s “Marilyns” with a pistol; February 9, 2008)
Timothy R. “Tim” Aher (Hymn; February 17, 2008)
James E. “Jim” Jones (Pere Ubu; February 18, 2008)
Teo Macero (born Attilio Joseph Macero; February 19, 2008)
Allen Strange (Biome, The Electronic Weasel Ensemble; February 20, 2008)
George Allen “Buddy” Miles, Jr. (Band of Gypsys; February 26, 2008)
Michael “Mike” Conley (M.I.A.; February 28, 2008)
Michael George “Mike” Smith (Dave Clark Five; February 28, 2008)
Norman “Hurricane” Smith (produced The Beatles; March 3, 2008)
Dorothy Ann Stone (California E.A.R. Unit; March 7, 2008)
Larry Lee Evans (Fifty Foot Hose; March 14, 2008)
Mikey Dread (born Michael Campbell, Dread at the Controls; March 15, 2008)
Stuart Nevitt (Shadowfax; March 15, 2008)
Ola Brunkert (ABBA; March 17, 2008)
Richie Hass (Zoogz Rift And The Amazing Sh*theads; March 20, 2008)
Klaus Dinger (Neu!, Kraftwerk, La Düsseldorf; March 21, 2008)
Christopher Brendan “Chris” Moriarty (Controlled Bleeding; March 22, 2008)
Jason Rae (Cinematic Orchestra, Nightmares on Wax; March 22, 2008)
Neil Aspinall (The Beatles; March 23, 2008)
Olga de Volga (born Susan S. Smith, of The Offs, The Lewd; March 26, 2008)
Angus Fairhurst (The YBAs; March 29, 2008)
Frosty Freeze (born Wayne Frost, of The Rock Steady Crew; April 3, 2008)
Thomas Braichet (sound poet; April 5, 2008)
Oscar “Ozzie” Cadena (Savoy Records; April 9, 2008)
Clifford Davies (Ted Nugent, Grand Funk Railroad; April 13, 2008)
Syke Dyke (born Robert Michael Reed, of Trouble Funk; April 13, 2008)
Danny Federici (Bruce Springsteen’s E Street Band; April 17, 2008)
Toyoji Peter Tomita (April 17, 2008)
Bebe Barron (born Charlotte Wind; April 20, 2008)
James Peter “Jimmy” Giuffre (April 24, 2008)
Tristram Ogilvie Cary OAM (April 24, 2008)
Enrico Donati (the last Surrealist; April 25, 2008)
Henry Brant (acoustic spatial music pioneer; April 26, 2008)
Albert Hofmann (April 29, 2008)
Mario Schiano (father of Italian free improvisation; May 10, 2008)
Bruce Duncan “Utah” Phillips (May 23, 2008)
James Harrell McGriff (funk organist; May 24, 2008)
Harvey Herschel Korman (May 29, 2008)
Alton Kelly (illustrator; June 1, 2008)
Bo Diddley (born Ellas Otha Bates; June 2, 2008)
Saban Bajramovic (king of Serbian Gypsy music; June 8, 2008)
Jack Rootoo (born Richard Galvin, of Lou Miami & the Kozmetix; June 13, 2008)
Esbjörn Svensson (June 14, 2008)
Donata “Donna” Klemm (Artware; June 17, 2008)
Michel Waisvisz (I.C.P.-Tentet; June 18, 2008)
Lula Marietta Reed (June 21, 2008)
George Denis Patrick Carlin (June 22, 2008)
Benny Thurman (13th Floor Elevators; June 22, 2008)
Ronnie Mathews (June 28, 2008)
Salah Eldin Ahmed Ragab (Embryo, Sun Ra Arkestra; July 2008)
Melville “Mel” Galley (Whitesnake; July 1, 2008)
Natasha Detente (born Natasha Shneider, of Eleven; July 2, 2008)
Colin Francis Richard Cooper (Climax Blues Band; July 3, 2008)
Noel Sayre (The Black Swans; July 3, 2008)
Young Blood (born David Aaron Contreras, of Magic Tramps; July 5, 2008)
Alvarez (born Andre Alvarez; July 6, 2008)
Arthur Weinstein (The World, The Continental, HURRAH!; July 9, 2008)
Gerald Wiggins (July 13, 2008)
Jo Elizabeth Stafford (July 16, 2008)
Mist / Myst (born Volker Kahrs, of Grobschnitt; July 20, 2008)
Hiram Bullock (The World’s Most Dangerous Band; July 25, 2008)
John Arnold “Johnny” Griffin III (Art Blakey’s Jazz Messengers; July 25, 2008)
Graeme “Crash” Crallan (White Spirit, Tank; July 27, 2008)
Papa Wendo (father of Congolese rumba music; July 28, 2008)
Lee Young (July 31, 2008)
Tony Schepkens (Agathocles; August 1, 2008)
Louis Teicher (Ferrante & Teicher; August 3, 2008)
Barbara E. Gilliam (The Fuzz, The Passionettes; August 4, 2008)
Robert Hazard (born Robert Rimato; August 5, 2008)
Joseph Brazil (August 6, 2008)
Isaac Lee Hayes, Jr. (August 10, 2008)
Donald Erb (August 12, 2008)
Lita Roza (born Lilian Patricia Lita Roza; August 14, 2008)
Gerald “Jerry” Wexler (coined the term “rhythm & blues”; August 15, 2008)
Ronnie Drew (The Dubliners; August 16, 2008)
Johnny Arlington “Dizzy” Moore (The Skatalites; August 16, 2008)
Pervis Jackson (The Spinners; August 18, 2008)
LeRoi Holloway Moore (Dave Matthews Band; August 19, 2008)
Stephen B. "Steve" Foley (The Replacements; August 23, 2008)
Jack Hutton (Melody Maker founder; August 24, 2008)
Adam Nodelman (Sunburned Hand of the Man, Borbetomagus; August 25, 2008)
Jerry Reed (born Jerry Reed Hubbard; September 1, 2008)
Chris Witchhunter (born Christian “Chris” Dudek, of Sodom; September 7, 2008)
Jason Stuart (Hawkwind; September 8, 2008)
Hector Zazou (September 8, 2008)
William Kelly Graves (The Plot to Blow Up the Eiffel Tower; September 15, 2008)
Richard William Wright (Pink Floyd; September 15, 2008)
Norman Jesse Whitfield (Motown; September 16, 2008)
Mauricio Kagel (September 18, 2008)
Earl Palmer (New Orleans drummer; September 19, 2008)
Steve Gray (Brian Eno; September 20, 2008)
Marc Moulin (Aksak Maboul, Telex; September 26, 2008)
Nick Reynolds (The Kingston Trio; October 1, 2008)
Gidget Gein (born Bradley Anne Stewart; October 9, 2008)
Alton Nehemiah Ellis OD (godfather of rocksteady; October 10, 2008)
Neal Paul Hefti (October 11, 2008)
Terry Fox (October 14, 2008)
Frankie Venom (born Francis Hannah “Frank” Kerr, of Teenage Head; October 15, 2008)
Levi Stubbs (born Levi Stubbles, of The Four Tops; October 17, 2008)
Rudy Ray Moore (October 19, 2008)
David Hazelton (Master Musicians of Hop-Frog, Amenti Suncrown; October 22, 2008)
Ray Ellis (October 27, 2008)
Patrick Thomas “Pat” Leonard (Moving Targets; October 29, 2008)
Frank A. “Mack Heat” Navetta (The Descendents; October 31, 2008)
Jimmy Carl Black (The Mothers of Invention; November 1, 2008)
Yma Sumac (born Zoila Augusta Emperatriz Chavarri del Castillo; November 1, 2008)
Ralph Joseph “Jody” Reynolds (November 7, 2008)
Miriam Makeba (November 9, 2008)
John “Mitch” Mitchell (The Jimi Hendrix Experience; November 12, 2008)
Richard James “Richey” Edwards (The Manic Street Preachers; November 23, 2008)
Pekka Pohjola (Wigwam, The Group; November 28, 2008)
Munetaka Higuchi (Loudness; November 30, 2008)
Odetta (born Odetta Holmes; December 2, 2008)
George Brecht (born George MacDiarmid, of Fluxus; December 5, 2008)
Lisa M. “Coop” Cooper (Picasso Trigger; December 7, 2008)
Henning Christiansen (Fluxus; December 10, 2008)
John “Sean” Byrne (The Count Five; December 15, 2008)
David Michael Gordon “Davey” Graham (the folk guitarist; December 15, 2008)
Eartha Mae Kitt (born Eartha Mae Keith; December 25, 2008)
Delaney Bramlett (Delaney & Bonnie; December 27, 2008)
Lars Gustav Gabriel Hollmer (Samla Mammas Manna; December 27, 2008)
Frederick Dewayne “Freddie” Hubbard (December 29, 2008)
"SI ESTO SIGUE ASÍ COMO ASÍ/ NI UNA TRISTE SOMBRA QUEDARÁ.."
Erik M. Stanis (Winters in Osaka; January 1, 2008)
Henri Chopin (sound poet; January 3, 2008)
Mort Garson (Moog champion; January 4, 2008)
Peter Harris (Kickin Records; January 6, 2008)
Thomas Michael Griffen (Noggin; January 7, 2008)
Dave Day (born David M. Havlicek, of The Monks; January 10, 2008)
Suzanne Pleshette (January 19, 2008)
Jared McGuinness (PRINT; January 24, 2008)
Ben Scott McMillan (Skin Yard, Gruntruck; January 25, 2008)
Jeffrey “Jeff” Salen (a.k.a. Tuff Darts, of Magic Tramps; January 26, 2008)
Sean P. Finnegan (Void; January 30, 2008)
Robert A. Luly (Frank Zappa; February 1, 2008)
Yasushi Ozawa (Fushitsusha, Marginal Consort; February 7, 2008)
Thomas Scot Halpin (The Who; February 9, 2008)
Steven Joseph Casmano (Sado Nation; February 12, 2008)
Dorothy Podber (shot Warhol’s “Marilyns” with a pistol; February 9, 2008)
Timothy R. “Tim” Aher (Hymn; February 17, 2008)
James E. “Jim” Jones (Pere Ubu; February 18, 2008)
Teo Macero (born Attilio Joseph Macero; February 19, 2008)
Allen Strange (Biome, The Electronic Weasel Ensemble; February 20, 2008)
George Allen “Buddy” Miles, Jr. (Band of Gypsys; February 26, 2008)
Michael “Mike” Conley (M.I.A.; February 28, 2008)
Michael George “Mike” Smith (Dave Clark Five; February 28, 2008)
Norman “Hurricane” Smith (produced The Beatles; March 3, 2008)
Dorothy Ann Stone (California E.A.R. Unit; March 7, 2008)
Larry Lee Evans (Fifty Foot Hose; March 14, 2008)
Mikey Dread (born Michael Campbell, Dread at the Controls; March 15, 2008)
Stuart Nevitt (Shadowfax; March 15, 2008)
Ola Brunkert (ABBA; March 17, 2008)
Richie Hass (Zoogz Rift And The Amazing Sh*theads; March 20, 2008)
Klaus Dinger (Neu!, Kraftwerk, La Düsseldorf; March 21, 2008)
Christopher Brendan “Chris” Moriarty (Controlled Bleeding; March 22, 2008)
Jason Rae (Cinematic Orchestra, Nightmares on Wax; March 22, 2008)
Neil Aspinall (The Beatles; March 23, 2008)
Olga de Volga (born Susan S. Smith, of The Offs, The Lewd; March 26, 2008)
Angus Fairhurst (The YBAs; March 29, 2008)
Frosty Freeze (born Wayne Frost, of The Rock Steady Crew; April 3, 2008)
Thomas Braichet (sound poet; April 5, 2008)
Oscar “Ozzie” Cadena (Savoy Records; April 9, 2008)
Clifford Davies (Ted Nugent, Grand Funk Railroad; April 13, 2008)
Syke Dyke (born Robert Michael Reed, of Trouble Funk; April 13, 2008)
Danny Federici (Bruce Springsteen’s E Street Band; April 17, 2008)
Toyoji Peter Tomita (April 17, 2008)
Bebe Barron (born Charlotte Wind; April 20, 2008)
James Peter “Jimmy” Giuffre (April 24, 2008)
Tristram Ogilvie Cary OAM (April 24, 2008)
Enrico Donati (the last Surrealist; April 25, 2008)
Henry Brant (acoustic spatial music pioneer; April 26, 2008)
Albert Hofmann (April 29, 2008)
Mario Schiano (father of Italian free improvisation; May 10, 2008)
Bruce Duncan “Utah” Phillips (May 23, 2008)
James Harrell McGriff (funk organist; May 24, 2008)
Harvey Herschel Korman (May 29, 2008)
Alton Kelly (illustrator; June 1, 2008)
Bo Diddley (born Ellas Otha Bates; June 2, 2008)
Saban Bajramovic (king of Serbian Gypsy music; June 8, 2008)
Jack Rootoo (born Richard Galvin, of Lou Miami & the Kozmetix; June 13, 2008)
Esbjörn Svensson (June 14, 2008)
Donata “Donna” Klemm (Artware; June 17, 2008)
Michel Waisvisz (I.C.P.-Tentet; June 18, 2008)
Lula Marietta Reed (June 21, 2008)
George Denis Patrick Carlin (June 22, 2008)
Benny Thurman (13th Floor Elevators; June 22, 2008)
Ronnie Mathews (June 28, 2008)
Salah Eldin Ahmed Ragab (Embryo, Sun Ra Arkestra; July 2008)
Melville “Mel” Galley (Whitesnake; July 1, 2008)
Natasha Detente (born Natasha Shneider, of Eleven; July 2, 2008)
Colin Francis Richard Cooper (Climax Blues Band; July 3, 2008)
Noel Sayre (The Black Swans; July 3, 2008)
Young Blood (born David Aaron Contreras, of Magic Tramps; July 5, 2008)
Alvarez (born Andre Alvarez; July 6, 2008)
Arthur Weinstein (The World, The Continental, HURRAH!; July 9, 2008)
Gerald Wiggins (July 13, 2008)
Jo Elizabeth Stafford (July 16, 2008)
Mist / Myst (born Volker Kahrs, of Grobschnitt; July 20, 2008)
Hiram Bullock (The World’s Most Dangerous Band; July 25, 2008)
John Arnold “Johnny” Griffin III (Art Blakey’s Jazz Messengers; July 25, 2008)
Graeme “Crash” Crallan (White Spirit, Tank; July 27, 2008)
Papa Wendo (father of Congolese rumba music; July 28, 2008)
Lee Young (July 31, 2008)
Tony Schepkens (Agathocles; August 1, 2008)
Louis Teicher (Ferrante & Teicher; August 3, 2008)
Barbara E. Gilliam (The Fuzz, The Passionettes; August 4, 2008)
Robert Hazard (born Robert Rimato; August 5, 2008)
Joseph Brazil (August 6, 2008)
Isaac Lee Hayes, Jr. (August 10, 2008)
Donald Erb (August 12, 2008)
Lita Roza (born Lilian Patricia Lita Roza; August 14, 2008)
Gerald “Jerry” Wexler (coined the term “rhythm & blues”; August 15, 2008)
Ronnie Drew (The Dubliners; August 16, 2008)
Johnny Arlington “Dizzy” Moore (The Skatalites; August 16, 2008)
Pervis Jackson (The Spinners; August 18, 2008)
LeRoi Holloway Moore (Dave Matthews Band; August 19, 2008)
Stephen B. "Steve" Foley (The Replacements; August 23, 2008)
Jack Hutton (Melody Maker founder; August 24, 2008)
Adam Nodelman (Sunburned Hand of the Man, Borbetomagus; August 25, 2008)
Jerry Reed (born Jerry Reed Hubbard; September 1, 2008)
Chris Witchhunter (born Christian “Chris” Dudek, of Sodom; September 7, 2008)
Jason Stuart (Hawkwind; September 8, 2008)
Hector Zazou (September 8, 2008)
William Kelly Graves (The Plot to Blow Up the Eiffel Tower; September 15, 2008)
Richard William Wright (Pink Floyd; September 15, 2008)
Norman Jesse Whitfield (Motown; September 16, 2008)
Mauricio Kagel (September 18, 2008)
Earl Palmer (New Orleans drummer; September 19, 2008)
Steve Gray (Brian Eno; September 20, 2008)
Marc Moulin (Aksak Maboul, Telex; September 26, 2008)
Nick Reynolds (The Kingston Trio; October 1, 2008)
Gidget Gein (born Bradley Anne Stewart; October 9, 2008)
Alton Nehemiah Ellis OD (godfather of rocksteady; October 10, 2008)
Neal Paul Hefti (October 11, 2008)
Terry Fox (October 14, 2008)
Frankie Venom (born Francis Hannah “Frank” Kerr, of Teenage Head; October 15, 2008)
Levi Stubbs (born Levi Stubbles, of The Four Tops; October 17, 2008)
Rudy Ray Moore (October 19, 2008)
David Hazelton (Master Musicians of Hop-Frog, Amenti Suncrown; October 22, 2008)
Ray Ellis (October 27, 2008)
Patrick Thomas “Pat” Leonard (Moving Targets; October 29, 2008)
Frank A. “Mack Heat” Navetta (The Descendents; October 31, 2008)
Jimmy Carl Black (The Mothers of Invention; November 1, 2008)
Yma Sumac (born Zoila Augusta Emperatriz Chavarri del Castillo; November 1, 2008)
Ralph Joseph “Jody” Reynolds (November 7, 2008)
Miriam Makeba (November 9, 2008)
John “Mitch” Mitchell (The Jimi Hendrix Experience; November 12, 2008)
Richard James “Richey” Edwards (The Manic Street Preachers; November 23, 2008)
Pekka Pohjola (Wigwam, The Group; November 28, 2008)
Munetaka Higuchi (Loudness; November 30, 2008)
Odetta (born Odetta Holmes; December 2, 2008)
George Brecht (born George MacDiarmid, of Fluxus; December 5, 2008)
Lisa M. “Coop” Cooper (Picasso Trigger; December 7, 2008)
Henning Christiansen (Fluxus; December 10, 2008)
John “Sean” Byrne (The Count Five; December 15, 2008)
David Michael Gordon “Davey” Graham (the folk guitarist; December 15, 2008)
Eartha Mae Kitt (born Eartha Mae Keith; December 25, 2008)
Delaney Bramlett (Delaney & Bonnie; December 27, 2008)
Lars Gustav Gabriel Hollmer (Samla Mammas Manna; December 27, 2008)
Frederick Dewayne “Freddie” Hubbard (December 29, 2008)
"SI ESTO SIGUE ASÍ COMO ASÍ/ NI UNA TRISTE SOMBRA QUEDARÁ.."
Monday, January 05, 2009
Festival Internacional de Música Contemporánea de Chile
Transcribo a continuación los párrafos de la gacetilla que involucran al dúo de Luis Conde y Alcides Larrosa. Para aquellos que estén por Santiago de Chile a mediados de enero y quieran darse una vuelta:
Martín Matalón, Alcides Larrosa y Luis Conde programados en un Concierto Especial, que incluirá Electrónica, Audiovisual e Improvisación Libre Contemporánea
Este 9º festival se realizará en los días 12, 13, 14 y 15 de enero próximos en la Sala Isidora Zegers, Santiago de Chile. Durante el mismo se presentarán 43 obras, cuya ejecución estará a cargo de más de cien músicos participantes, a través de muy variadas formaciones.
También merece un párrafo especial la inclusión en la programación del dúo que conforman Luis Conde (clarinetes soprano y bajo más sakuhachi) y Alcides Larrosa (guitarras españolas de ocho cuerdas con y sin trastes), dado que no es frecuente que en festivales de estas características, en los cuales tradicionalmente ha primado la inclusión de obras creadas por el compositor y luego recreadas por el/los intérpretes, sean invitados a participar quienes profesan el arte de la improvisación libre contemporánea. Ésta se caracteriza, ante todo, por la creación espontánea y frente al público de una obra comprendida dentro de una estética contemporánea, sin pautas que la predeterminen en particular. Es decir que el público experimenta el proceso de la creación de dicha obra en el mismo momento en que es ejecutada por única vez.
Para mayores detalles sobre este festival son importantes los siguientes enlaces:
Sala Isidora Zegers
Departamento de Música Facultad de Artes
Consejo de Fomento de la Música Nacional
Martín Matalón, Alcides Larrosa y Luis Conde programados en un Concierto Especial, que incluirá Electrónica, Audiovisual e Improvisación Libre Contemporánea
Este 9º festival se realizará en los días 12, 13, 14 y 15 de enero próximos en la Sala Isidora Zegers, Santiago de Chile. Durante el mismo se presentarán 43 obras, cuya ejecución estará a cargo de más de cien músicos participantes, a través de muy variadas formaciones.
También merece un párrafo especial la inclusión en la programación del dúo que conforman Luis Conde (clarinetes soprano y bajo más sakuhachi) y Alcides Larrosa (guitarras españolas de ocho cuerdas con y sin trastes), dado que no es frecuente que en festivales de estas características, en los cuales tradicionalmente ha primado la inclusión de obras creadas por el compositor y luego recreadas por el/los intérpretes, sean invitados a participar quienes profesan el arte de la improvisación libre contemporánea. Ésta se caracteriza, ante todo, por la creación espontánea y frente al público de una obra comprendida dentro de una estética contemporánea, sin pautas que la predeterminen en particular. Es decir que el público experimenta el proceso de la creación de dicha obra en el mismo momento en que es ejecutada por única vez.
Para mayores detalles sobre este festival son importantes los siguientes enlaces:
Sala Isidora Zegers
Departamento de Música Facultad de Artes
Consejo de Fomento de la Música Nacional
Sunday, December 21, 2008
Argumentos sobre el ruido
A propósito de: Federico Barabino. Ruido is not noise. Sin sello, Buenos Aires. 2008.
Dos temas extensos de estrategias opuestas que detentan, no obstante, cierta cualidad complementaria. “Sound” se explaya en una suerte de noise/ drone de guitarra con feedback, micrófonos de contacto y efectos generados a través de una laptop. La transformación de los efectos realza diferentes planos que vienen a cuestionar la linealidad dronológica. Si se nos permite la metáfora lingüística, se trataría de una especie de sintagma dividido en las unidades que lo componen, apreciables en la medida en que estemos dispuestos a dejarnos llevar por una escucha paciente y concentrada. “Non-impulse”, con una instrumentación similar, bordea los límites de lo inaudible, con amplios espacios de silencio que parecen rodear unos pocos crescendos que se apagan casi en el momento mismo de su nacimiento. A la contraposición entre el ruido del primer track y el aparente silencio del segundo se le suma el contraste entre la intervención directa, casi quirúrgica, del sonido en uno y el deslizarse artesanal, sin atajos ni apresuramientos, del otro. Pero ambos provocan una reflexión similar sobre las múltiples posibilidades y acercamientos al concepto, por cierto bastante huidizo, del “ruido”.
Dos temas extensos de estrategias opuestas que detentan, no obstante, cierta cualidad complementaria. “Sound” se explaya en una suerte de noise/ drone de guitarra con feedback, micrófonos de contacto y efectos generados a través de una laptop. La transformación de los efectos realza diferentes planos que vienen a cuestionar la linealidad dronológica. Si se nos permite la metáfora lingüística, se trataría de una especie de sintagma dividido en las unidades que lo componen, apreciables en la medida en que estemos dispuestos a dejarnos llevar por una escucha paciente y concentrada. “Non-impulse”, con una instrumentación similar, bordea los límites de lo inaudible, con amplios espacios de silencio que parecen rodear unos pocos crescendos que se apagan casi en el momento mismo de su nacimiento. A la contraposición entre el ruido del primer track y el aparente silencio del segundo se le suma el contraste entre la intervención directa, casi quirúrgica, del sonido en uno y el deslizarse artesanal, sin atajos ni apresuramientos, del otro. Pero ambos provocan una reflexión similar sobre las múltiples posibilidades y acercamientos al concepto, por cierto bastante huidizo, del “ruido”.
Friday, December 12, 2008
Conciertos en el LIMb0
ULTIMO CONCIERTO DE LA SERIE 2008 !
CHRISTOF KURZMANN [AUSTRIA]
FABIANA GALANTE [ARGENTINA]
COORDINACION: JORGE HARO
ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES/ CORDOBA 946/ BUENOS AIRES
VIERNES 12 DE DICIEMBRE/ 20 HS/ ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
ARTISTAS DE ESTA ULTIMA FECHA 2008
Christof Kurzmann [Austria]
Músico inquieto y nómade que reside secuencialmente en Berlín y Buenos Aires. Utiliza voces, la forma canción, poesía, instrumentos de viento y electrónica para esculpir sus obras. Trabaja en distintos proyectos, entre lo que pueden mencionarse: B. Fleischmann & C. Kurzmann, My Kingdom for a Lullaby, Schnee, The Magic I.D., The Year Of y 4 Rooms. Ha colaborado con numerosos artistas de diferentes géneros, como Christian Fennesz, Robin "Scanner" Rimbaud, Jim O’Rourke, Kevin Drumm, Dean Roberts, Jon Rose, Kaffee Mathews, Toshimaru Nakamura, Philip Jeck John Butcher, Eden & Nicolás Carrasco, Kai Fagaschinski, Margareth Kammerer, Marina Rosenfeld, Ursula Rucker, Burkhard Stangl, Michael Thieke, Ken Vandermark y Ami Yoshida.
http://www.charhizma.com/quart/kurzmann.html
+
Fabiana Galante [Argentina]
Pianista y docente, Licenciada en Música de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, donde también realizó estudios de composición. Ha actuado como pianista con diversos ensambles de música clásica, contemporánea y agrupaciones de música popular. Trabajó con cantantes y bailarines, como el creador de danza Butoh Kazuo Ohno (Japón), Maximiliano Guerra y la bailarina y coreógrafa Anna Kzrysteck (Inglaterra). Ha participado en maratones sonoras y eventos multimedia en el Teatro Parakultural, en conciertos del ciclo Experimenta, y como solista de repertorio contemporáneo en Argentina, Chile, Brasil, Alemania y Reino Unido. Desde el año 2000 colabora con la compañía de teatro experimental Dudendance (Inglaterra), realizando registros sonoros, música para videos y performances multimedia. Fue invitada a realizar dos residencias artísticas de investigación y creación sonora en el Reino Unido. Inauguró como solista el festival de música contemporánea Sound (Escocia). Realizó junto a Jorge Mancini el diseño sonoro de la obra 30, de la artista visual Andrea Fasani. Actualmente coordina y actúa en el ciclo Instantes Sonoros, dedicado a la música experimental e improvisada, y trabaja en diversos proyectos con compositores, intérpretes y artistas de otras disciplinas.
CHRISTOF KURZMANN [AUSTRIA]
FABIANA GALANTE [ARGENTINA]
COORDINACION: JORGE HARO
ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES/ CORDOBA 946/ BUENOS AIRES
VIERNES 12 DE DICIEMBRE/ 20 HS/ ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
ARTISTAS DE ESTA ULTIMA FECHA 2008
Christof Kurzmann [Austria]
Músico inquieto y nómade que reside secuencialmente en Berlín y Buenos Aires. Utiliza voces, la forma canción, poesía, instrumentos de viento y electrónica para esculpir sus obras. Trabaja en distintos proyectos, entre lo que pueden mencionarse: B. Fleischmann & C. Kurzmann, My Kingdom for a Lullaby, Schnee, The Magic I.D., The Year Of y 4 Rooms. Ha colaborado con numerosos artistas de diferentes géneros, como Christian Fennesz, Robin "Scanner" Rimbaud, Jim O’Rourke, Kevin Drumm, Dean Roberts, Jon Rose, Kaffee Mathews, Toshimaru Nakamura, Philip Jeck John Butcher, Eden & Nicolás Carrasco, Kai Fagaschinski, Margareth Kammerer, Marina Rosenfeld, Ursula Rucker, Burkhard Stangl, Michael Thieke, Ken Vandermark y Ami Yoshida.
http://www.charhizma.com/quart/kurzmann.html
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Fabiana Galante [Argentina]
Pianista y docente, Licenciada en Música de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, donde también realizó estudios de composición. Ha actuado como pianista con diversos ensambles de música clásica, contemporánea y agrupaciones de música popular. Trabajó con cantantes y bailarines, como el creador de danza Butoh Kazuo Ohno (Japón), Maximiliano Guerra y la bailarina y coreógrafa Anna Kzrysteck (Inglaterra). Ha participado en maratones sonoras y eventos multimedia en el Teatro Parakultural, en conciertos del ciclo Experimenta, y como solista de repertorio contemporáneo en Argentina, Chile, Brasil, Alemania y Reino Unido. Desde el año 2000 colabora con la compañía de teatro experimental Dudendance (Inglaterra), realizando registros sonoros, música para videos y performances multimedia. Fue invitada a realizar dos residencias artísticas de investigación y creación sonora en el Reino Unido. Inauguró como solista el festival de música contemporánea Sound (Escocia). Realizó junto a Jorge Mancini el diseño sonoro de la obra 30, de la artista visual Andrea Fasani. Actualmente coordina y actúa en el ciclo Instantes Sonoros, dedicado a la música experimental e improvisada, y trabaja en diversos proyectos con compositores, intérpretes y artistas de otras disciplinas.
Monday, December 08, 2008
Sunday, December 07, 2008
Instantes Sonoros cierra el año con un festival multiensambles
El concierto del Domingo 7 de Diciembre comenzará a las 17.00 hs y se desarrollará hasta las 23.00 hs . La propuesta es un continuado de multiensambles de guitarras, electrónica, contrabajos y set de winkos con LPs de cerámica en improvisación libre. Además de contar con su habitual sección de videos experimentales a cargo de Carlos Murat , la particularidad de este evento / cierre del ciclo Instantes Sonoros 08 es que contará con la presencia de dos artistas como Greene Hill (USA) y el músico de exteriores e intemperies LLORENÇ BARBER (ESPAÑA), con un estreno muy austral de MÚSICA INTERIOR PARA ESE CAJÓN LLAMADO PIANO.
INSTANTES SONOROS 08
DOMINGO 7 DICIEMBRE A PARTIR DE LAS 17 00 HS
FESTIVAL CONTINUADO MULTIENSAMBLES
Ensamble de guitarras 17 30hs
Wenchi Lazo / Claudio Calmens / Alan Courtis / Charly Zaragoza / Fernando Perales
Greene Hill (USA) / Ruben Ferrero 18 00 hs
Ensamble electrónico 19 00hs
Zelmar Garín / Sergio Merce / Jorge Haro
Ensamble de contrabajos 20 30hs
Adrián Fanello / Carlos Vega / Marcelo Reynoso / Germán Jeselsohn
Buque Factoría 22 00 hs
Andrea Fasani / Claudia Toro / Fabiana Galante / Jorge Mancini
LLORENÇ BARBER (España)
VIDEOS desde las 17 00 hs
Coordina Carlos Murat
INTERVENCIONES
Claudia Toro / Sonia Neuburger
Entrada libre
ESPACIO DE CREACIÓN SONORA
El Espacio de Creación Sonora se ha ido desarrollando desde Agosto del
2007 hasta el presente a partir de dos ejes: artístico y formativo.
El proyecto incluye el ciclo “Instantes Sonoros “ destinado a conciertos de
música experimental, electrónica, electroacústica, improvisada y arte performance
a cargo de destacados artistas del medio local. Asimismo se realizan talleres
de improvisación y creación sonora para instrumentistas, también con
clases magistrales.
El ciclo ofrece una sección de videos experimentales, en su mayoría inéditos ó
de escasa difusión en el país, y también invita a artistas visuales a intervenir el
espacio durante el evento.
La existencia de este ciclo implica que un promedio de ochenta artistas argentinos,
a razón de ocho eventos anuales, cuenta con un espacio adecuado y
especialmente diseñado para difundir su producción artística. Está sostenido por
dos artistas, el apoyo invalorable de Domus Artis /Vanesa Ruffa, el trabajo y
la generosidad de Carlos Murat, el público con su presencia y contribución, y por
todos los artistas que participan. A todos, nuestro más profundo agradecimiento.
Fabiana Galante y Jorge Mancini
DOMUS ARTIS
Av. Triunvirato 4311 Villa Urquiza
4522-8294
www.domus-artis.com.ar
INSTANTES SONOROS 08
DOMINGO 7 DICIEMBRE A PARTIR DE LAS 17 00 HS
FESTIVAL CONTINUADO MULTIENSAMBLES
Ensamble de guitarras 17 30hs
Wenchi Lazo / Claudio Calmens / Alan Courtis / Charly Zaragoza / Fernando Perales
Greene Hill (USA) / Ruben Ferrero 18 00 hs
Ensamble electrónico 19 00hs
Zelmar Garín / Sergio Merce / Jorge Haro
Ensamble de contrabajos 20 30hs
Adrián Fanello / Carlos Vega / Marcelo Reynoso / Germán Jeselsohn
Buque Factoría 22 00 hs
Andrea Fasani / Claudia Toro / Fabiana Galante / Jorge Mancini
LLORENÇ BARBER (España)
VIDEOS desde las 17 00 hs
Coordina Carlos Murat
INTERVENCIONES
Claudia Toro / Sonia Neuburger
Entrada libre
ESPACIO DE CREACIÓN SONORA
El Espacio de Creación Sonora se ha ido desarrollando desde Agosto del
2007 hasta el presente a partir de dos ejes: artístico y formativo.
El proyecto incluye el ciclo “Instantes Sonoros “ destinado a conciertos de
música experimental, electrónica, electroacústica, improvisada y arte performance
a cargo de destacados artistas del medio local. Asimismo se realizan talleres
de improvisación y creación sonora para instrumentistas, también con
clases magistrales.
El ciclo ofrece una sección de videos experimentales, en su mayoría inéditos ó
de escasa difusión en el país, y también invita a artistas visuales a intervenir el
espacio durante el evento.
La existencia de este ciclo implica que un promedio de ochenta artistas argentinos,
a razón de ocho eventos anuales, cuenta con un espacio adecuado y
especialmente diseñado para difundir su producción artística. Está sostenido por
dos artistas, el apoyo invalorable de Domus Artis /Vanesa Ruffa, el trabajo y
la generosidad de Carlos Murat, el público con su presencia y contribución, y por
todos los artistas que participan. A todos, nuestro más profundo agradecimiento.
Fabiana Galante y Jorge Mancini
DOMUS ARTIS
Av. Triunvirato 4311 Villa Urquiza
4522-8294
www.domus-artis.com.ar
Tuesday, November 25, 2008
El discreto encanto de los small sounds
Paiuk, Gabriel/ Vives, Hernán. Cuerpo. Música Actual CD 002, Buenos Aires. 2001. Improvisación.
Grabado en mayo y agosto de 2001 en Buenos Aires.
Improvisaciones en una clave baja, más bien sorda, que por momentos bordea el silencio. Hasta cierto punto, los esfuerzos de Hernán Vives y Gabriel Paiuk comparten esa aproximación al sonido que, a partir de la década del ’90, se define con etiquetas tales como “reduccionismo”, “onkyo”, “lowercase music” o “EAI (Electroacoustic Improvisation)”. Pero no hay que extender en exceso el parentesco. Vives y Paiuk no reniegan de los pasajes más ruidosos ni están obsesionados por la apología de los smalls sounds (a la Taku Sugimoto). El “cuerpo” del título alude a la voluntad por explorar la corporalidad concreta y completa de los instrumentos (en este caso piano y guitarras eléctrica y acústica) a través de un rico repertorio de técnicas extendidas (frotamiento de las cuerdas con arco, ejecución de las cuerdas interiores del piano, utilización de objetos diversos, golpes en la caja de los instrumentos, etc.). También alude al tipo de acción corporal, performática, que por más tenue que sea se requiere para ese fin. Y last but not least, al modo en que la escucha se replica en nuestra propia naturaleza corporal y se reproduce en nuestros gestos cotidianos.
Paiuk, Gabriel. Tronco húmedo. Buenos Aires, 2001.
Grabado en agosto de 2001 en Buenos Aires.
Gabriel Paiuk explora las ilimitadas posibilidades sonoras que ofrece un piano de cola. Las teclas, las cuerdas interiores, la caja de madera, la resonancia de los pedales: todo aquí es objeto de la más puntillosa investigación acerca de la materialidad misma del instrumento. Las técnicas extendidas se valen de lo que Gabriel menciona como “herramientas agregadas”. Pero es su estilo, en algún punto indefinido entre Claude Debussy y Morton Feldman, lo que verdaderamente dota a la obra de una dimensión adicional. Paiuk extrae de ese ícono incontrovertible de nuestra música occidental sonidos de una pureza y claridad inusitadas. Y construye un repertorio sonoro de temperamento percusivo cuya belleza amerita comparaciones con las “Sonatas e interludios” de John Cage. Aunque difiera en ideas y en ejecución de antecedentes tan egregios, es indudable que comparte con ellos un territorio en común.
Grabado en mayo y agosto de 2001 en Buenos Aires.
Improvisaciones en una clave baja, más bien sorda, que por momentos bordea el silencio. Hasta cierto punto, los esfuerzos de Hernán Vives y Gabriel Paiuk comparten esa aproximación al sonido que, a partir de la década del ’90, se define con etiquetas tales como “reduccionismo”, “onkyo”, “lowercase music” o “EAI (Electroacoustic Improvisation)”. Pero no hay que extender en exceso el parentesco. Vives y Paiuk no reniegan de los pasajes más ruidosos ni están obsesionados por la apología de los smalls sounds (a la Taku Sugimoto). El “cuerpo” del título alude a la voluntad por explorar la corporalidad concreta y completa de los instrumentos (en este caso piano y guitarras eléctrica y acústica) a través de un rico repertorio de técnicas extendidas (frotamiento de las cuerdas con arco, ejecución de las cuerdas interiores del piano, utilización de objetos diversos, golpes en la caja de los instrumentos, etc.). También alude al tipo de acción corporal, performática, que por más tenue que sea se requiere para ese fin. Y last but not least, al modo en que la escucha se replica en nuestra propia naturaleza corporal y se reproduce en nuestros gestos cotidianos.
Paiuk, Gabriel. Tronco húmedo. Buenos Aires, 2001.
Grabado en agosto de 2001 en Buenos Aires.
Gabriel Paiuk explora las ilimitadas posibilidades sonoras que ofrece un piano de cola. Las teclas, las cuerdas interiores, la caja de madera, la resonancia de los pedales: todo aquí es objeto de la más puntillosa investigación acerca de la materialidad misma del instrumento. Las técnicas extendidas se valen de lo que Gabriel menciona como “herramientas agregadas”. Pero es su estilo, en algún punto indefinido entre Claude Debussy y Morton Feldman, lo que verdaderamente dota a la obra de una dimensión adicional. Paiuk extrae de ese ícono incontrovertible de nuestra música occidental sonidos de una pureza y claridad inusitadas. Y construye un repertorio sonoro de temperamento percusivo cuya belleza amerita comparaciones con las “Sonatas e interludios” de John Cage. Aunque difiera en ideas y en ejecución de antecedentes tan egregios, es indudable que comparte con ellos un territorio en común.
Sunday, November 09, 2008
La escucha expandida de Jorge Haro
A propósito de: Jorge Haro. Works based on field recordings. Sudamérica electrónica, Buenos Aires. 2008.
A lo largo de los años, Jorge Haro ha hecho de la atención obsesiva por el sonido su modus operandi. Moviéndose a través de las distintas posibilidades que ofrecen los medios electrónicos, nos ha legado una obra diversa pero consistente, que tiene en la exploración múltiple de las cualidades sonoras su principio unificador. Works based on field recordings es su trabajo más reciente. Grabaciones de campo tomadas en tres sitios específicos: el paisaje montañoso de Cotos, cerca de Madrid; los túneles subterráneos que atraviesan Buenos Aires; y un peculiar proyecto que une la ciudad argentina de Ushuaia con su par danesa de Skagen, en una fusión de extremos que Haro presentó, en colaboración con artistas daneses, en la Bienal Fin del Mundo que tuvo lugar en aquella localidad patagónica entre marzo y abril de 2007. De hecho, este último trabajo -titulado “verdens ender”- constituye la parte central del disco, precedido por “Cotos_05”, el tema que inaugura el CD, y con “under Buenos Aires” como una suerte de coda.
El proceso evolutivo de semejante transformación sónica tiende a ir de lo particular a lo general: las referencias de los sonidos se vuelven cada vez más indiscernibles a medida que el disco progresa. Pero en una interesante vuelta de tuerca, la localización cada vez más puntual de esos sonidos, de la naturaleza abierta de las montañas a la cerrada claustrofobia de los túneles, realiza el recorrido inverso, con el aislamiento gradual del detalle sónico. Hasta cierto punto, los mecanismos en danza son los de la música concreta, aunque Haro tiende a compartir con esa venerable tradición los fines antes que los medios. Las nuevas tecnologías digitales, de las que su música suele hacer un uso integral, han vuelto innecesario ese trabajo artesanal, de cut and paste, aceleraciones y transformaciones de cintas, que Schaeffer y cía. recomendaban a la hora de borrar cualquier rasgo de referencialidad.
Persiste aquí en cambio esa voluntad acusmática de enfocarse en la percepción sonora de la escucha, más allá de las causas puntuales y las fuentes objetivas que producen los sonidos. Un mapa mental inspirado en la reducción fenomenológica de ascendencia husserliana que el disco reproduce a su manera: de la deriva de Cotos, con sonidos que parecen deslizarse por las laderas y caer a la manera de cascadas, pasando por esa línea imaginaria que une los puntos distantes de Ushuaia y Skagen, a los que sólo la percepción auditiva logra otorgarle un carácter real, hasta concluir en las profundidades de los túneles porteños, donde el oído experimenta de modo casi físico unos sonidos que pugnan por respirar en su esfuerzo por salir al exterior.
A lo largo de los años, Jorge Haro ha hecho de la atención obsesiva por el sonido su modus operandi. Moviéndose a través de las distintas posibilidades que ofrecen los medios electrónicos, nos ha legado una obra diversa pero consistente, que tiene en la exploración múltiple de las cualidades sonoras su principio unificador. Works based on field recordings es su trabajo más reciente. Grabaciones de campo tomadas en tres sitios específicos: el paisaje montañoso de Cotos, cerca de Madrid; los túneles subterráneos que atraviesan Buenos Aires; y un peculiar proyecto que une la ciudad argentina de Ushuaia con su par danesa de Skagen, en una fusión de extremos que Haro presentó, en colaboración con artistas daneses, en la Bienal Fin del Mundo que tuvo lugar en aquella localidad patagónica entre marzo y abril de 2007. De hecho, este último trabajo -titulado “verdens ender”- constituye la parte central del disco, precedido por “Cotos_05”, el tema que inaugura el CD, y con “under Buenos Aires” como una suerte de coda.
El proceso evolutivo de semejante transformación sónica tiende a ir de lo particular a lo general: las referencias de los sonidos se vuelven cada vez más indiscernibles a medida que el disco progresa. Pero en una interesante vuelta de tuerca, la localización cada vez más puntual de esos sonidos, de la naturaleza abierta de las montañas a la cerrada claustrofobia de los túneles, realiza el recorrido inverso, con el aislamiento gradual del detalle sónico. Hasta cierto punto, los mecanismos en danza son los de la música concreta, aunque Haro tiende a compartir con esa venerable tradición los fines antes que los medios. Las nuevas tecnologías digitales, de las que su música suele hacer un uso integral, han vuelto innecesario ese trabajo artesanal, de cut and paste, aceleraciones y transformaciones de cintas, que Schaeffer y cía. recomendaban a la hora de borrar cualquier rasgo de referencialidad.
Persiste aquí en cambio esa voluntad acusmática de enfocarse en la percepción sonora de la escucha, más allá de las causas puntuales y las fuentes objetivas que producen los sonidos. Un mapa mental inspirado en la reducción fenomenológica de ascendencia husserliana que el disco reproduce a su manera: de la deriva de Cotos, con sonidos que parecen deslizarse por las laderas y caer a la manera de cascadas, pasando por esa línea imaginaria que une los puntos distantes de Ushuaia y Skagen, a los que sólo la percepción auditiva logra otorgarle un carácter real, hasta concluir en las profundidades de los túneles porteños, donde el oído experimenta de modo casi físico unos sonidos que pugnan por respirar en su esfuerzo por salir al exterior.
Tuesday, October 28, 2008
Teatro
La obra es cuanto menos shocking. Cumple lo que tantas otras de hoy, no sólo aquí en Buenos Aires, apenas anuncian, aunque acaben por mover a piedad, conmiseración. Su título –todo hay que decirlo–, llama a equívoco. “Lame Vulva” es punk, y comparte con otros de la teatral escena porteña una cierta predilección por espantar al burgués (o por invitarlo a una misa negra fraudulenta), cuando lo colman de un tedio que a veces debe conducir con todos los derechos al homicidio.
Cuando se encienden las luces, sobre la escena un joven sangra y una chica grita. Son adolescentes. Él está en camisa y pantalón que resultan un tanto démodés. Ella usa calzas y tiene puesta una remera de Boca Juniors. Estamos –en plena sala de La Ratonera, Corrientes al 5550- en un departamento de clase media que no es sólida, adornada con sobriedad, aunque con detalles (esos petits vrais faits) que resultan en un principio -sólo en un principio, ay- desconcertantes. Tal como ocurrirá con cada una de las escenas que se sucederán de ahí en más en la siguiente hora y pico. Tres golpes suenan en la puerta. Interrumpen los afanes de la joven -persecutoria, insoportable- por castigar al joven. Físicamente, es de suponer, pero sobre todo verbalmente. Los tres golpes son la contraseña a que debió acostumbrase la madre de ese joven que sigue sangrando y que ahora quiere recomponerse instantáneamente hurgando en una caja repleta de pastillas. La madre verá al hijo con un aspecto que recuerda, en el vestuario y en los gestos, al errático Charly García de todos estos días. Porque la joven es la novia del joven, su alterada conducta alcanza un nuevo clímax con la intromisión materna.
Madre y chica se disputarán con una ferocidad que parece solo reservada a las mujeres a ese único varón, preciadísimo como el oro, o el diamante. Las hembras terminarán por parecerse mucho entre ellas, aunque ganará la fuerza de los años, la experiencia triunfará sobre la inocencia. El final es imprevisible, y no defrauda. Es un drama, que por momentos conoce destellos de rigurosa tragedia -hecha hoy en Buenos Aires- y que, además, contiene una mirada, la de la dramaturgia de Martín Marcou, que no renuncia al humor, a la delicada ironía, ni mucho menos al sexo. Las actuaciones recaen en Checha Amorosi, Lilian Fitipaldi y Javier Rosón, y allí estarán listos para la acción todos los viernes, a las 22.30.
Sergio Di Nucci
Cuando se encienden las luces, sobre la escena un joven sangra y una chica grita. Son adolescentes. Él está en camisa y pantalón que resultan un tanto démodés. Ella usa calzas y tiene puesta una remera de Boca Juniors. Estamos –en plena sala de La Ratonera, Corrientes al 5550- en un departamento de clase media que no es sólida, adornada con sobriedad, aunque con detalles (esos petits vrais faits) que resultan en un principio -sólo en un principio, ay- desconcertantes. Tal como ocurrirá con cada una de las escenas que se sucederán de ahí en más en la siguiente hora y pico. Tres golpes suenan en la puerta. Interrumpen los afanes de la joven -persecutoria, insoportable- por castigar al joven. Físicamente, es de suponer, pero sobre todo verbalmente. Los tres golpes son la contraseña a que debió acostumbrase la madre de ese joven que sigue sangrando y que ahora quiere recomponerse instantáneamente hurgando en una caja repleta de pastillas. La madre verá al hijo con un aspecto que recuerda, en el vestuario y en los gestos, al errático Charly García de todos estos días. Porque la joven es la novia del joven, su alterada conducta alcanza un nuevo clímax con la intromisión materna.
Madre y chica se disputarán con una ferocidad que parece solo reservada a las mujeres a ese único varón, preciadísimo como el oro, o el diamante. Las hembras terminarán por parecerse mucho entre ellas, aunque ganará la fuerza de los años, la experiencia triunfará sobre la inocencia. El final es imprevisible, y no defrauda. Es un drama, que por momentos conoce destellos de rigurosa tragedia -hecha hoy en Buenos Aires- y que, además, contiene una mirada, la de la dramaturgia de Martín Marcou, que no renuncia al humor, a la delicada ironía, ni mucho menos al sexo. Las actuaciones recaen en Checha Amorosi, Lilian Fitipaldi y Javier Rosón, y allí estarán listos para la acción todos los viernes, a las 22.30.
Sergio Di Nucci
Wednesday, October 15, 2008
Free Jazz en Buenos Aires
Transcribo gacetilla de un evento poco común que merece atención. 10$ la entrada, en el SADEM (Belgrano 3655), 15, 16 y 17 de octubre de 17 a 23hs.
HOY COMIENZA EL FREE JAZZ EN BS AS
EL SADEM Y LA MUSICA!!
http://rubenferrero-suobra.blogspot.com/
2do Edición FREE JAZZ
Bajo la dirección del pianista RUBEN FERRERO, auspiciado por el SAdeM, y con la asistencia técnica del guitarrista ALCIDES LARROSA, se desarrollarán tres días de conciertos, charlas y clínicas con las nuevas propuestas musicales derivadas del jazz y la música contemporánea.
El staff de artistas:
El saxofonista inglés GEORGE HASLAM es la figura que abrirá y cerrará el Festival, junto a SERGIO PAOLUCCI, RUBEN FERRERO, PABLO PUNTORIERO Y URBINI, ACIDO CANARIO, CUARTETO JORGE MANCINI, quien se presenta con la destacada pianista FABIANA GALANTE, SQUIZOJAM, GABRIEL SENANES TRIO, DÚO ALCIDES LARROSA/LUIS CONDE con la magnética cantante PAULA TOLLOI, el experimentado baterista JUAN CARLOS MARTELLO, HERNAN RÍOS (ex Terceto), LUIS MIHOVILCEVIC CHASCOMUS TRIO, LUIS NATCH GRUPO, TRIO ROVIRA/JAUREGUIBERRY/LARRAIN, CUARTETO LAPUMA y el creativo contrabajista JERONIMO CARMONA que ofrecerá un solo set. Otra presencia de importancia es la del músico multinstrumentista ROI MACIAZ, proveniente de la Pcia. de San Luis, un descubrimiento que, no dudamos, será interesante para los porteños.
Cada día estará dedicado a un gran referente del Free Jazz:
el miércoles 15 a DON CHERRY. El DÚO LARROSA/CONDE con su invitada PAULA TOLLOI participarán de la mesa abierta y realizarán la apertura.
El jueves 16, dedicado a JOHN COLTRANE. El baterista JUAN CARLOS MARTELLO, ofrecerá una charla con una clínica en tributo a este gran maestro.
Y el viernes 17, dedicado a CECIL TAYLOR. El saxofonista SERGIO PAOLUCCI ofrecerá una charla abierta seguida de una clínica, y el pianista Ruben Ferrero ofrecerá un solo set en su homenaje.
Recordamos que Ferrero realizó la primera edición de este Festival en el año 2004 con gran éxito, cuando oficiaba de asesor musical de la UFLO. El Sindicato Argentino de Músicos (SAdeM) junto a su Escuela Popular de Música y el Instituto Superior de Música Popular (A-1398), en esta oportunidad ofrecen al evento y a los músicos ya citados sus nuevas instalaciones, con todo el aporte que la producción técnica necesita en cuanto a sonido y equipamiento.
AGRACEDECEMOS A "POYO" CASTRO , periodista y difusor del jazz, y a OSVALDO VENERA, Instituto Argentino del Jazz, por su participácion en las charlas del festival.
Para contactos: rubenferrero@ciudad.com.ar y/o alarrosa.impro@gmail.com ó personalmente al SAdeM, en Av Belgrano 3655 (CABA), Tel. 4957-4062 / 4956-0673, de lunes a viernes, de 15 a 21 hs.
HOY COMIENZA EL FREE JAZZ EN BS AS
EL SADEM Y LA MUSICA!!
http://rubenferrero-suobra.blogspot.com/
2do Edición FREE JAZZ
Bajo la dirección del pianista RUBEN FERRERO, auspiciado por el SAdeM, y con la asistencia técnica del guitarrista ALCIDES LARROSA, se desarrollarán tres días de conciertos, charlas y clínicas con las nuevas propuestas musicales derivadas del jazz y la música contemporánea.
El staff de artistas:
El saxofonista inglés GEORGE HASLAM es la figura que abrirá y cerrará el Festival, junto a SERGIO PAOLUCCI, RUBEN FERRERO, PABLO PUNTORIERO Y URBINI, ACIDO CANARIO, CUARTETO JORGE MANCINI, quien se presenta con la destacada pianista FABIANA GALANTE, SQUIZOJAM, GABRIEL SENANES TRIO, DÚO ALCIDES LARROSA/LUIS CONDE con la magnética cantante PAULA TOLLOI, el experimentado baterista JUAN CARLOS MARTELLO, HERNAN RÍOS (ex Terceto), LUIS MIHOVILCEVIC CHASCOMUS TRIO, LUIS NATCH GRUPO, TRIO ROVIRA/JAUREGUIBERRY/LARRAIN, CUARTETO LAPUMA y el creativo contrabajista JERONIMO CARMONA que ofrecerá un solo set. Otra presencia de importancia es la del músico multinstrumentista ROI MACIAZ, proveniente de la Pcia. de San Luis, un descubrimiento que, no dudamos, será interesante para los porteños.
Cada día estará dedicado a un gran referente del Free Jazz:
el miércoles 15 a DON CHERRY. El DÚO LARROSA/CONDE con su invitada PAULA TOLLOI participarán de la mesa abierta y realizarán la apertura.
El jueves 16, dedicado a JOHN COLTRANE. El baterista JUAN CARLOS MARTELLO, ofrecerá una charla con una clínica en tributo a este gran maestro.
Y el viernes 17, dedicado a CECIL TAYLOR. El saxofonista SERGIO PAOLUCCI ofrecerá una charla abierta seguida de una clínica, y el pianista Ruben Ferrero ofrecerá un solo set en su homenaje.
Recordamos que Ferrero realizó la primera edición de este Festival en el año 2004 con gran éxito, cuando oficiaba de asesor musical de la UFLO. El Sindicato Argentino de Músicos (SAdeM) junto a su Escuela Popular de Música y el Instituto Superior de Música Popular (A-1398), en esta oportunidad ofrecen al evento y a los músicos ya citados sus nuevas instalaciones, con todo el aporte que la producción técnica necesita en cuanto a sonido y equipamiento.
AGRACEDECEMOS A "POYO" CASTRO , periodista y difusor del jazz, y a OSVALDO VENERA, Instituto Argentino del Jazz, por su participácion en las charlas del festival.
Para contactos: rubenferrero@ciudad.com.ar y/o alarrosa.impro@gmail.com ó personalmente al SAdeM, en Av Belgrano 3655 (CABA), Tel. 4957-4062 / 4956-0673, de lunes a viernes, de 15 a 21 hs.
Sunday, October 05, 2008
Un ciclo prometedor
Transcribo la gacetilla de un ciclo que tendrá lugar todos los domingos de octubre y por el que pasarán algunas de las mejores bandas de la actual escena del noise y la experimentación. See you there!!!
MAINUMBY ediciones
invita:
al ciclo de octubre en el teatro La Otra Orilla
todos los domingos a las 19 hs.
Urquiza 124 ( a dos cuadras de pza. Miserere)
entrada: 5p
Programa: 05/10: criadero en seres y termotank
www.myspace.com/criaderoenseres
www.myspace.com/termotank
12/10: im, epiref y horacio pollard (uk)
www.myspace.com/epiref
www.myspace.com/dislocatedcrowwing
19/10: julio benavidez, minimalista pais y klub der klang
www.youtube.com/user/herupajkraat
www.myspace.com/minimalistapaisl
www.myspace.com/klubderklang
26/10: los síquicos litoraleños (ctes.) y ül
www.myspace.com/lossiquicoslitoraleos
www.myspace.com/ulnoisesouthamerica
además habrá: teatro, proyecciones y feria de discos y materiales independientes
MAINUMBY ediciones
invita:
al ciclo de octubre en el teatro La Otra Orilla
todos los domingos a las 19 hs.
Urquiza 124 ( a dos cuadras de pza. Miserere)
entrada: 5p
Programa: 05/10: criadero en seres y termotank
www.myspace.com/criaderoenseres
www.myspace.com/termotank
12/10: im, epiref y horacio pollard (uk)
www.myspace.com/epiref
www.myspace.com/dislocatedcrowwing
19/10: julio benavidez, minimalista pais y klub der klang
www.youtube.com/user/herupajkraat
www.myspace.com/minimalistapaisl
www.myspace.com/klubderklang
26/10: los síquicos litoraleños (ctes.) y ül
www.myspace.com/lossiquicoslitoraleos
www.myspace.com/ulnoisesouthamerica
además habrá: teatro, proyecciones y feria de discos y materiales independientes
Thursday, September 18, 2008
Música en el LIMbO
Este viernes a las 20hs tendrá lugar una nueva fecha del que a esta altura ya es el ciclo de música experimental más longevo del país. Me refiero a LIMbO, el ciclo de conciertos mensuales que conduce Jorge Haro desde hace varios años. Justamente será él uno de los dos participantes en esta ocasión. Estará presentando su flamante nuevo disco, recién salidito del horno, fresco como el pan de las mañanas, en una línea equidistante que irá del frío de Ushuaia a la no menos fría ciudad danesa de Skagen. Y áunque tuve el honor de escuchar Works based on field recordings (Sudamérica Electrónica, 2008) hace apenas un par de días atrás, me limito aquí a reproducir los datos útiles de la gacetilla recibida hasta que mi apurada cabeza vuelva a funcionar y le dediquemos un post como se merece: "Este CD recopila piezas compuestas en base a grabaciones de campo realizadas entre 2005 y 2008 en Cotos (Madrid), Ushuaia (Tierra del Fuego, Argentina), Skagen, (Dinamarca) y en antiguos túneles de la Ciudad de Buenos Aires. Las grabaciones de campo fueron tratadas de distinta forma, en algunos casos sin procesos posteriores (cotos_05), en otros con alternancia entre archivos procesados y sin procesar (verdens ender), como así también mezcados por capas o layers a los que se sumaron variados procesos electroacústicos (under buenos aires). Se trata de un trabajo acusmático en su sentido más clásico, que será presentado en concierto en salas en absoluta oscuridad."
Los otros comensales invitados a esta fiesta mensual de la experimentación sonora se hacen llamar Buque Factoría. Y también es reciente la fundación de este grupo de peculiar nombre bajo el que se escudan tres músicos (Jorge Mancini, Fabiana Galante y Santiago Perensón) y dos artistas visuales (Claudia Toro y Andrea Fasani). Calculo que unos cuantos lectores del blog estarán al tanto de las legendarias performances que el dúo Fasani/ Mancini solía desplegar por los cien barrios porteños. Y los visitantes domingueros al ciclo de improvisaciones de Domus Artis conocerán a todos los involucrados. Pero fueron más bien pocos los que presenciaron allí el debut de esta singular propuesta que utiliza vetustos tocadiscos del tipo wincofón en el que dearrollan toda una andanada de sonidos a partir del frotamiento y la manipulación de discos de cerámica. Un poco en la tradición de esas obras excéntricas como el Broken Music de Milan Knizak y el Vinyl Requiem de Philip Jeck.
La cita es en la Alianza Francesa (Córdoba 946) con entrada libre y gratuita.
Monday, September 15, 2008
Clásica y Moderna
Despreciada por simplista, una de las tantas comparaciones entre Ingletarra y Francia dice que aquella es país del capricho, de la irracionalidad, del respeto en las formas –la viril exhortación al grace under the fire–, del apego al misticismo y a la magia –no olvidemos a la Rowling-. En cambio Francia es el de la racionalidad, del orden, de la claridad. Un francés que vive hace tiempo en Argentina, pero que mantiene su acento y resiste la argentinización, advirtió hace tiempo que, a pesar de los éxitos de los que ha gozado la Teoría Francesa (hay que decir que más hacia el exterior -en Estados Unidos o Argentina- que hacia el interior del "Hexágno", Francia sigue siendo un país cartesiano. Lo que en uno de sus niveles significa que Francia adora el disenso, las relaciones siempre conflictivas de estar a favor o en contra de algo, con ánimo de encontrar una verdad, y no temerle al ridículo.
La exposición de las obras del artista norteamericano Jeff Koons en el Palacio de Versalles, que se prolongará hasta el 14 de diciembre, muestra hasta qué punto ese tradicional ánimo francés por el cartesianismo sigue vigente. Francia, en septiembre de 2008, discute qué es, y qué deja de ser, clasicismo. Como las obras de Koons se alojaron en la sede oficial del clasicismo, la rabieta fue inmediata. ¿Qué hacen esas obras acá –un tipo de obra que busca siempre "desterritorializar" los espacios, o "cuestionarlos" porque los "interroga"-, sino burlarse de la tradición clásica francesa? Prontamente descalificados de "rancios conservadores" a quienes formularon públicamente esa pregunta, los animadores de la gestión declararon que "está muy bien que allí estén los conejos metálicos de Koons. Primero, porque no es difícil imaginar a la Ciccolina en la cama del Rey Sol –la ardiente ex senadora fue esposa del artista norteamericano- y, además, porque las obras geométricas de Koons son clásicas. Híper-clásicas. No resultan entonces desubicadas, sino que el palacio en todo caso es el desubicado, por excesivo, por barroco, por gratuito". Desde luego, se trata de una respuesta ingeniosa: "aunque el ingenio, tan british, casi nunca es sinónimo de inteligencia, ni de justicia", decía ese gran autor clásico (y francés, por supuesto).
Sergio Di Nucci
La exposición de las obras del artista norteamericano Jeff Koons en el Palacio de Versalles, que se prolongará hasta el 14 de diciembre, muestra hasta qué punto ese tradicional ánimo francés por el cartesianismo sigue vigente. Francia, en septiembre de 2008, discute qué es, y qué deja de ser, clasicismo. Como las obras de Koons se alojaron en la sede oficial del clasicismo, la rabieta fue inmediata. ¿Qué hacen esas obras acá –un tipo de obra que busca siempre "desterritorializar" los espacios, o "cuestionarlos" porque los "interroga"-, sino burlarse de la tradición clásica francesa? Prontamente descalificados de "rancios conservadores" a quienes formularon públicamente esa pregunta, los animadores de la gestión declararon que "está muy bien que allí estén los conejos metálicos de Koons. Primero, porque no es difícil imaginar a la Ciccolina en la cama del Rey Sol –la ardiente ex senadora fue esposa del artista norteamericano- y, además, porque las obras geométricas de Koons son clásicas. Híper-clásicas. No resultan entonces desubicadas, sino que el palacio en todo caso es el desubicado, por excesivo, por barroco, por gratuito". Desde luego, se trata de una respuesta ingeniosa: "aunque el ingenio, tan british, casi nunca es sinónimo de inteligencia, ni de justicia", decía ese gran autor clásico (y francés, por supuesto).
Sergio Di Nucci
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