¡Único recital de Vlubä en el año! ¿Se lo van a perder?
Friday, September 13, 2013
Esta noche, Instantes Sonoros
viernes 13 de septiembre
........................................................................................21 hs / video
The Multiple Otomo Project / OTOMO YOSHIHIDE
(guitarra eléctrica, giradiscos, objetos)
Sello: Asphodel ASP3007 (publicado en 2007) http://www.asphodel.com
https://soundcloud.com/rom-noise
Año: Grabado entre 2003 y 2005
21.30 hs / concierto
21.30 hs / concierto
. Omar Grandoso y Roberto Etcheverry / ROM
ROM prresenta su disco doble en vivo World Live Tour.
La agrupación menos conocida del under, homenajeada en vivo por su única banda tributo: Los Teloneros. Con ambientación experimental de época y caracterizados como los misteriosos Omar y Roberto, el dúo revivirá los hits de la ignota gira.
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. Zelmar Garín y Segio Merce
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. Zelmar Garín y Segio Merce
zelmar garín y sergio merce han colaborado en varios proyectos durante los ultimos 20 años. en esta oportunidad se presentan con su dúo "ovni" en el que exploran sonoridades que oscilan entre el free jazz y las texturas inmóviles, pasando por drones y diversos paisajes sonoros de la música contemporánea.
CARLOS MURAT / coordinación de videos
FABIANA GALANTE / coordinación general
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domusartis: Av. Triunvirato 4311 / Entrada General $ 40 / www.domus-artis.com.ar
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Wednesday, August 28, 2013
ESCUCHAR 2013
PEQUEÑO FESTIVAL DE MÚSICA EXPERIMENTAL Y ARTE SONORO
MUSEO DE ARTE MODERNO DE BUENOS AIRES
AV. SAN JUAN 350 CIUDAD AUTONOMA DE BUENOS AIRES
ARTÍSTICA Y COORDINACIÓN: JORGE HARO Y LEANDRO FRIAS
APERTURA VIERNES 30 DE AGOSTO | 20 HS | ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
MELMANN con visuales de LUCAS DM
NICOLAS VARCHAUSKY. Invitado: Javier Cabanellas
MELMANN con visuales de LUCAS DM
NICOLAS VARCHAUSKY. Invitado: Javier Cabanellas
El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires estrena su nuevo auditorio y presenta una versión especial del habitual ciclo de música experimental en la forma de un pequeño festival. Las actividades comienzan en agosto con una fecha apertura y continúan en septiembre durante tres días consecutivos (20, 21 y 22). Todo concluirá el 18 de octubre con un concierto especial de clausura, a modo de coda. En esta edición, la programación se completa con atrayentes proyectos experimentales a la vez que brinda un espacio para músicas que incluyen lo experimental en las músicas populares. El oyente podrá apreciar un vasto panorama de estéticas sonoras y descubrir nuevos umbrales de escucha.
El proyecto MELMANN - DM integrado por los argentinos Nicolás Melmann y Lucas De Marziani, música e imagen respectivamente, es un diálogo entre el presente y el pasado, donde la tecnología y lo primitivo conviven en un mismo espacio, donde lo digital y lo analógico confluyen para crear un único discurso, y donde imagen, música y texto son pensados como una única composición. El resultado: una expedición sensorial a través de paisajes naturales y abstractos, cuadros sonoros, pintados digitalmente en vivo, un híbrido entre las nuevas tecnologías y las formas más primitivas del arte.
Melmann opera software (Live, Reason), hardware (Drum Machine, Kaosspad synth, Loop Station) e instrumentos acústicos (ukelele, melódica, arpa, hang drum). Ejecuta ejecutando, procesa y combina en vivo estos diferentes materiales digitales, analógicos y acústicos creando diferentes paisajes sonoros, entre la melodía y el ruido. La música transcurre minimalista y contemplativa. A la vez echa mano a emulaciones digitales de instrumentos medievales: harmonio y dulcimer.
DM genera composiciones visuales en vivo, utilizando herramientas de software y programación (VDMX, Quartz Composer), alimentándose en tiempo real del análisis de frecuencia del audio y de eventos MIDI, pero dejando siempre un lugar para el azar, la incertidumbre y el caos. En las visuales creadas por DM, al igual que la música, persiste este componente que oscila entre lo digital y lo analógico, entre el presente y el pasado, combinando composiciones generativas creadas a través de programación con filmaciones e imágenes de archivo obtenidas de video analógico.
melmann.com.ar | lucasdm.com.ar
Nicolás Varchausky presenta Volúmenes Foto-Sensibles. Una serie de piezas electrónicas para instrumentos que transforman luz en sonido. Tocadiscos mecatrónicos foto-sensibles, backlights sonoros y barras de luz diseñados por Varchausky son interpretados en vivo junto a miembros de la Banda Sinfónica de Ciegos, y expandidos en tiempo real por una computadora. Al experimentar con técnicas alternativas para inscribir el sonido, la serie se plantea como una especulación sonora alrededor de la lectura y la escritura.
Las primeras tres piezas de la serie formaron parte de La Biblioteca Ciega (Mención Honorífica Prix Ars Electronica 2013), una performance creada para la antigua sala de lectura de la ex Biblioteca Nacional. En esta ocasión, se presentan dos nuevas piezas y la relectura de una pieza anterior, junto a Javier Cabanellas como intérprete invitado.
varchausky.com.ar
Composición, live electronics y diseño de instrumentos: Nicolás Varchausky.
Intérpretes foto-sensibles: Nicolás Varchausky & Javier Cabanellas.
Intérpretes foto-sensibles: Nicolás Varchausky & Javier Cabanellas.
Con el apoyo del Proyecto de Investigación Sistemas Algorítmicos de Espacio y Tiempo en el Arte Sonoro (UNQ) y DXARTS (University of Washington).
Programa Varchausky
Volumen Foto-Sensible IV. S2BN313428.
Volumen Foto-Sensible V. S2BN313431.
Volumen Foto-Sensible III bis. S2AK081139.
Programa Varchausky
Volumen Foto-Sensible IV. S2BN313428.
Volumen Foto-Sensible V. S2BN313431.
Volumen Foto-Sensible III bis. S2AK081139.
Tuesday, August 20, 2013
El viaje iniciático de Los Jaivas: Una inmensa y telúrica vorágine
Reproduzco aquí un texto sobre La Vorágine, la extraordinaria caja de Los Jaivas que apareció hace ya unos años pero, al menos en nuestro país, careció por completo de difusión y repercusión. El texto pertenece al colega chileno Cristóbal Cornejo, de quién publicaremos en breve otro artículo sobre el compositor electroacústico José Vicente Asuar. ¡¡Muchas gracias, Cristóbal!!
1969 y 1970 delinearon gran parte de lo que Los
Jaivas serían posteriormente. Entregados salvajemente a la improvisación,
dieron forma a una sicodelia nativa que mezcló el espíritu ácido con recursos
americanistas y de la vanguardia docta. Esa etapa, a veces subvalorada, está
recogida en cinco discos conocidos como La vorágine, un documento
imprescindible.
Es
imposible concebir El volantín (1971), consignado como el primer
disco de Los Jaivas, sin considerar sus actividades desde mediados de 1969,
período en el que se volcaron de lleno a la improvisación.
La edición
por Sony en 2003 de los cinco discos que componen La Vorágine permite comprender mejor la continuidad musical del grupo y acceder a un
crucial momento de su historia, en el que la creación espontánea fue delineando
los trazos que finalmente los llevarían a ser una de las bandas esenciales de
la música latinoamericana.
Escuchar la
apertura del disco I ("Pan Negro") es un mazazo: una armónica (la del
gringo David Fass) inicia un diálogo
que es respondido con un punteo de guitarra eléctrica en la senda del blues
cósmico de Hendrix, a la que luego se adhiere un solo de órgano. "Mañana
cuando llegues" o "Canción del gancho" reflejan muy bien esta
primera etapa, aún dentro del formato rock, pero ácido y expansivo.
Sin
embargo, el clímax de ese disco es otro. El 24 de enero de 1970 se realizó en
la Quinta Vergara el Primer Festival de Música de Vanguardia. Los
Jaivas tocarían luego de Aguaturbia, despachándose con una brutal improvisación que
en poco más de 20 minutos pasa del carnaval al caos, desembocando en una
agresiva exhortación del Gato Alquinta al público, donde aparece la frase que
le da el nombre a esa pieza: "Tocamos música de vanguardia ¡y qué!".
"Muy
ofendidos y en nombre de la vanguardia nos tomamos el escenario en complicidad
con Los Blops", relata Eduardo Parra en las notas interiores. Es que Los
Jaivas se sentían verdaderamente a la vanguardia, en relación a otros grupos
que hacían covers de bandas
extranjeras como los mismos Aguaturbia o Los Escombros. Casi como acto
proto-punk, la presentación acabó cuando la producción cortó la luz sobre el
escenario. Anécdotas como estas abundan en este par de años mesiánicos -varias
relatadas por el mismo Parra a lo largo de las notas.
ABAJO LAS FRONTERAS
El
musicólogo Juan Pablo González compara esta situación con lo acontecido con
Caetano Veloso en la sesión final del III Festival Internacional de la Canción
en Rede Globo en 1968, cuando este increpó a la audiencia que alegó en contra
de su canción "É proibido proibir", una osada pieza de tropicalismo deconstructivo.
González
propone el término 'vanguardia primitiva' para denominar al cruce entre las tendencias
progresivas del rock de fines de los años '60 y el indigenismo americanista de
los años '70, entre ellas la primera etapa de Los Jaivas. En esta idea de
'vanguardia primitiva' "la experimentación propia de la vanguardia se daba
la mano con la invocación de un pasado remoto", en una práctica casi ritual
que interpelaba al auditor a hacerse parte activa de la experiencia.
Desde el
segundo disco, La reforma -que recoge el concierto del 11 de mayo
de 1970, el primero en que utilizan el nombre Los Jaivas- el gesto americanista
empieza a emerger a través de la instrumentación y sus toquíos, en un contexto
de libertad absoluta, que tendía puentes entre el hippismo, la identidad
latinoamericana y la vocación experimental de la vanguardia, representando un
interesante cruce entre alta y baja cultura, entre lo académico y lo popular,
fenómeno progresivo en el rock desde los años '60. Asimismo, la integración con
otras disciplinas (teatro, cine) también es parte de su experimentación, tal como
lo demuestra su aporte a un proyecto de Raúl Ruiz, música que se recoge en el
quinto disco, ¿Qué hacer?, donde improvisaciones más estructuradas
dan indicios del camino que seguirían en los años posteriores.
CORDELES
La música de Los Jaivas en La vorágine rompe con
la tonalidad, ingresa en la disonancia, en la repetición rítmica y en la
disolución temporal sicodélica. En ella se practican técnicas de extensión
instrumental (el "piano preparado") y se utilizan objetos como
emitidores de sonidos (plumavit, sillas arrastradas, tocadiscos girados con la
mano). La vorágine sorprende por su acercamiento casi naíf a las
prácticas de la vanguardia, y a pesar del aislamiento se hermana con la psicodelia global.
Compartimos
la tesis del músico e investigador Gerardo Figueroa, en cuanto a que en Chile
hay una línea de música underground
que puede ser llamada "experimental que parte desde La
Vorágine, pasa por Malalche, Agrupación Ciudadanos, y desemboca en Tobías
Alcayota, ojO o el Colectivo No, entre otros, genuinos herederos de la magia
que se desprende en esta vorágine.
En su año
de aniversario número 50, no es malo volver a revitalizarse con la escucha de
este artefacto sonoro que aún destila magia y fuego.
VER LA VORÁGINE
Gestado
originalmente como el proyecto de título del director Marcelo Tapia, el
documental "Los Jaivas: La vorágine" (CRÍTICA AQUI: http://sangria.cl/2011/12/critica-los-jaivas-la-voragine/), estrenado en 2011 en Valparaíso,
indaga en esta época a través de diversas entrevistas e imágenes de archivo,
que explican las motivaciones del grupo y entrega sabrosas anécdotas.
"Intentamos descubrir una etapa en
sus vidas no muy conocida y de pocos antecedentes. Era un redescubrir sus
inicios y de la forma en cómo su improvisación poco a poco se fue convirtiendo
en melodías que hasta el día de hoy se conservan", explica Tapia.
El
equipo realizador digitalizó todo el material filmográfico de Los Jaivas, desde
su niñez hasta el presente, que fue cedido para potenciar la película. Las fotografías
fueron aportadas por Erich Jara, Aurora Alquinta, Paul Lowry y la banda.
Tapia
comenta que si bien la película ha sido exhibida en Chile y en el exterior,
para este año de aniversario se espera pasarlo por televisión y subirlo a la
Internet.
Cristóbal Cornejo
Friday, August 16, 2013
Monday, August 05, 2013
ALAN COURTIS & Los TELERGIA
Un foco de luz roja cae sobre la larga
cabellera que cubre su rostro. Siempre
mirando hacia abajo, buscando los objetos que hará sonar, pisando pedales,
manipulando cables y micrófonos de contacto. Se acerca lentamente a una mesa -que
es, literalmente, una mesa de disección- repleta de consolitas, mezcladoras, una
laptop. Allí suben y bajan los objetos: un secaplatos que oficia de rallador,
un sonajero hecho de llaves colgadas a una maderita, una asadera que vibrará
por el efecto de unas barritas de metal, un pequeño arco con cuerda ... Me recordó la mesa que armó Pierre Bastien en
la Alianza Francesa, en julio de 2009, cuando vino invitado por Jorge Haro al
ciclo Limb0. La misma dedicación, la misma concentración -y pasión- para darle
vida a las cosas, para hacerlas mover a contramano, y sobre todo, para hacerlas
sonar en modos inusuales.
En el concierto del viernes, en el Centro
Cultural de la Cooperación, Alan Courtis por fin dejó
estampar su nombre completo y sin dislexia en la cartelera porteña. Y demostró contundentemente
su capacidad de liderazgo.
Si en la primera parte del concierto monta la
escena en la que protagoniza su calidad de solista, en la segunda afila la
batuta de su guitarra eléctrica, levanta la cara y se yergue para prestar
atención a las propuestas de sus dos compañeros: Mateo Aguilar -un baterista muy afecto a los
platillos - y Ale Leonelli, quien barajó en forma
alternada el bajo, un organito eléctrico y pedales ruidosos.
Como Jano, el recital tuvo sus dos caras, dos
ambientes, los dos aspectos de lo uno y lo múltiple; de lo distinto, por la
formación y experiencia, pero ineludiblemente unidos por la energía que Courtis
supo generar desde el comienzo: Cuando arrancó solo y se sumergió en ese mundo
infrarrojo de sonidos únicos, combinados aleatoriamente, sin ensayo previo; un
mundo que se va creando en cada segundo, espontáneamente, y que por ser tan
suyo, puede brindarlo al universo y compartirlo. No digo que sea fácil
escucharlo, o placentero... no faltan las estridencias, los agudos, las distorsiones...
No deja de ser noise pero es un ruido
que entra por los poros, que nos lleva de viaje, y al mismo tiempo reclama
nuestra atención: Como la de Pierre Bastien, es música para ver y escuchar.
Luego
la luz roja se apaga y en su lugar, sobre el telón de fondo, se proyectan
rectangulitos ocres, grises y marrones. Comienza la segunda parte; entran los
otros músicos, cambia la historia. El color de la música se opaca un poco ante
ciertos desencuentros, ante la inseguridad del baterista de Morbo & Mambo que frente a la duda persiste en un ritmo monótono y aplatillado. El
bajista de Honduras, en cambio, prueba distintas salidas y encuentra su rumbo
cuando se agacha, cuando acerca el oído y se anima con punteos armoniosos que
traen algo de alivio a la insistencia ruidosa de los pedales.
Finalmente la telergia logra su efecto. Esa
energía “somática e invisible” que había emergido al principio del manojo de llaves y del
violincito de una sola cuerda, ya ha sido “transformada y exteriorizada”,
ya se ha condensado
y se ha dispersado en el aire, no sólo entre los músicos –que hacia el final
definitivamente se encuentran- sino que es compartida por el público, que sale
del show agradecido y feliz.
Para quienes quieran saber más sobre este
ciclo, vean la nota de Jorge Luis Fernández en La Nación del viernes 2 de agosto de 2013, en http://www.lanacion.com.ar/1606566-musica-paralela-un-ciclo-con-el-lado-oscuro-del-rock. También, http://conciertosdemusicaparalela.blogspot.com.ar/
Cristina I. Fangmann
Tuesday, July 30, 2013
Música paralela
El viernes 2 de agosto a las 23:30, en el marco de los Conciertos de Música Paralela 2013, se presentan en su único concierto del año ALAN COURTIS Y LOS TELERGIA. Courtis, quien acaba de realizar álbumes con Kawabata Makoto (Acid Mothers Temple), Uton y RLW (ex-P16.D4) lleva editados con diferentes proyectos más de 300 discos en sellos de todo el mundo. Fue uno de los miembros fundadores de la banda experimental Reynols y se presentó junto a Damo Suzuki, cantante de Can, en sus dos recitales en Argentina. LOS TELERGIA se completan con Mateo Aguilar de Morbo & Mambo en bateria y Alejandro Leonelli de Honduras Libregrupo en bajo y órgano.
El concierto tendrá lugar en el Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543).
CONCIERTOS DE MÚSICA PARALELA 2013:
2 de agosto/ ALAN COURTIS Y LOS TELERGIA
6 de septiembre/ HONDURAS LIBREGRUPO
4 de octubre/ UNO X UNO
1 de noviembre/ HONDURAS LIBREGRUPO
Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543).
Las entradas solo se consiguen en el lugar.
Valor de la entrada $40.
Saturday, July 13, 2013
Moonchild en el teatro Coliseo
Perplejidad, disgusto,
fascinación, euforia: desorientada, una pareja me pedía que les explicara lo
que acabábamos de escuchar; seco, el sms de un amigo informaba: “me fui, I can’t stand it”; resplandeciente, una joven
música me decía que, después de esto, ya no necesitaba ver más directores de
orquesta argentinos; analítico, un conocido crítico desgranaba los pro y contra del concierto.
Una vez más John Zorn se las
ingenió para convocar una amplia paleta de emociones. La excusa consistió en la
presentación de Templars: In Sacred Blood,
sexto disco de Moonchild, banda que se remonta a 2006, así bautizada en honor a
una vieja novela del ocultista británico Aleister Crowley. Un proyecto que, en
palabras de su creador, combina composición e improvisación en un formato rock.
Una base rítmica impenitente (Joey Baron en batería, Trevor Dunn en bajo), las
técnicas vocales extendidas de Mike Patton (Faith No More, Mr. Bungle, Fantomas)
y el tecladista invitado John Medeski (Medeski Martin & Wood), con el
neoyorkino organizando el material desde las sombras.
Es esta una música
obsesionada por desarrollar una suerte de mood
a través de una tensión continua que elude cualquier tipo de relajación. Semejante
característica le concede al sonido una urgencia desmedida, que vuelve ominosos
los interludios más reposados y hace de los pasajes energéticos un show de
violencia extrema. Ayuda el repertorio de gritos, chillidos, graznidos,
declamaciones y susurros en nuestros oídos de Patton, la versatilidad de una
base que trasciende las distinciones genéricas y ese continuo pendular del
órgano entre sustains ambientales y
ataques espasmódicos. Tamaña intensidad, lejos de promover una respuesta física
despreocupada, es extraordinariamente cerebral. Un extenuante muestrario de
citas que va de la liturgia católica y los cantos gregorianos al sinfónico
clásico, de antiguos ensambles zornianos como Naked City y Painkiller al doom y
el death más actuales, del avant-jazz al spaghetti western. La historia de la
orden de los caballeros templarios adelgazada en una sucesión de instantáneas
que remite a los modos perceptivos de la televisión y a aquellos viejos dibujos
animados de la Warner Bros., musicalizados por Carl Stalling, con los que todos
hemos crecido. Elecciones estéticas de indudable impronta posmoderna que le han
valido a Zorn defensores y detractores igualmente acérrimos, en una polémica de
difícil resolución, que excede su desbocada productividad para plasmarse en un
asunto de principios acerca de las posibilidades de la música en la época de su
reproductibilidad tecnológica.
Y aunque los materiales y los
medios sobre los que discurrió el show se corresponden con las alarmas de buena
parte del arte contemporáneo, bastaron dos bises en los que Zorn, enfundado en
sus eternos pantalones camuflados, subió al escenario para dirigir a sus
colaboradores en una de esas improvisaciones con cortes abruptos y clímax noise
que tanto le gustan, para convencernos de que no importa cuán posmodernas sean
las ambiciones, persiste sin embargo, irrevocable, esa figura del compositor
que remite a una era que, de repente, ya no se nos antoja tan lejana.
Moonchild, teatro Coliseo,
Buenos Aires, 14 de junio de 2013
Aparecida en la web de la revista Otra Parte: http://revistaotraparte.com/semanal/musica/moonchild-en-el-teatro-coliseo/
Aparecida en la web de la revista Otra Parte: http://revistaotraparte.com/semanal/musica/moonchild-en-el-teatro-coliseo/
Thursday, July 04, 2013
Algunas reflexiones sueltas al pasar
Una entrevista que me hicieron los chicos del taller de periodismo de Juan Terranova. Juan, Belén y los demás tenían tan buena onda que me sentía como si estuviera en el living de mi casa. Muchas gracias a todos ellos.
Gracias a los oficios de mi amigo Pablo Strozza, siempre al tanto de mis quehaceres, ya anduvo circulando por facebook. Si no lo vieron y les interesa, pueden leerlo en http://revistapaco.com.ar/2013/06/24/entrevista-norberto-cambiasso/
Gracias a los oficios de mi amigo Pablo Strozza, siempre al tanto de mis quehaceres, ya anduvo circulando por facebook. Si no lo vieron y les interesa, pueden leerlo en http://revistapaco.com.ar/2013/06/24/entrevista-norberto-cambiasso/
Tuesday, June 25, 2013
Battiato en la Usina del Arte
Pueden leer mi comentario del recital de Battiato en http://revistaotraparte.com/semanal/musica/franco-battiato-en-la-usina-del-arte/
Tuesday, June 11, 2013
Monday, June 10, 2013
Thursday, June 06, 2013
Battiato en Buenos Aires!!!!!
FRANCO BATTIATO
POR PRIMERA VEZ EN ARGENTINA
8 de JUNIO a las 19h en la USINA DEL ARTE
PRESENTARÁ SU ÚLTIMO ÁLBUM “ÁBRETE SÉSAMO” EN CASTELLANO
en el marco de las actividades culturales del "VERANO ITALIANO" en Buenos Aires
El ecléctico artista siciliano Franco Battiato se presentará por primera vez en Argentina en el marco de su gira internacional “Apriti Sesamo Live”. El concierto forma parte de las actividades culturales del «VERANO ITALIANO» en Buenos Aires, organizado por La Embajada de Italia, el Consulado general de Italia en Buenos Aires, el Instituto Italiano de Cultura y el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.
Los seguidores del cantautor, músico, director de cine y pintor (bajo el pseudónimo de SüphanBarzani), disfrutarán de un espectáculo inolvidable en el imponente auditorio de la Usina del Arte. Battiato deleitará al público con estos nuevos temas y con sus grandes éxitos en vivo, fiel a su espíritu antológico. Contará con una banda excepcional que logrará en su show condensar el estilo propio, con ritmos atrevidos y toques de ópera, sin olvidar sus inicios experimentales o el progressive pop que le caracteriza.
“Ábrete Sésamo” incluye colaboraciones del filósofo Manlio Sgalabro (que ha escrito los guiones de sus películas “Perdutoamore”, “Musikanten” y “Niente é come sembra”), SimonTong (guitarrista de TheVerve, Blur y Gorillaz) y Gavin Harrison (batería de PorcupineTree y King Crimson). Las letras del álbum han sido adaptadas por J (Los Planetas) yManu Ferrón(Grupo de Expertos Sol y Nieve).
UNICA FUNCIÓN - SÁBADO 8 DE JUNIO 19 HS - USINA DEL ARTE - CAFFARENA 1 (ESQ. AV. PEDRO DE MENDOZA) - LA BOCA
ENTRADAS: precios de $50 a $140
Puntos de venta: Centro Cultural General San Martín y Teatro 25 de Mayo
Internet: www.tuentrada.com o Telefónicamente al: (11) 5533-5533
Puntos de venta: Centro Cultural General San Martín y Teatro 25 de Mayo
Internet: www.tuentrada.com o Telefónicamente al: (11) 5533-5533
Wednesday, May 22, 2013
Inkilino Records
El nuevo sello virtual de música experimental, Inkilino Records, anuncia el primer lanzamiento de su catálogo: Speaker Performing Kiosk Live Sessions Vol. 1 del músico argentino Nicolás Varchausky. Este poderoso disco en vivo reúne exuberantes actuaciones realizadas con un dispositivo que genera acoples entre parlantes y micrófonos manipulados por el intérprete. A través de este dispositivo, Varchausky crea campos de resonancias y corrientes inestables de aire turbulento, utilizando su cuerpo como una antena para explorar el espacio en busca de sus patrones de interferencia. Las grabaciones fueron registradas en Buenos Aires, Huddersfield, Montevideo y Seattle entre 2006 y 2011.
FIESTA LANZAMIENTO!
Inkilino Records® Perfomercial es una performance de respuesta directa y fiesta lanzamiento del nuevo sello virtual de música experimental Inkilino Records.
Artista invitada: Zoe Di Rienzo.
BSM Art Building | Open Studio#7 curado por Florencia Battiti
Boulogne Sur Mer 345, Buenos Aires
Viernes 24 de Mayo de 2013 | 19hs.
Viernes 24 de Mayo de 2013 | 19hs.
[ + INFO ]
OFERTA LANZAMIENTO: AR$100 [in situ]
Las primeras 30 pre-ventas de la Edición Limitada de Lujo en CD, vienen con un ejemplar gratis de la Edición Limitada de Memoria USB con el video de la performance completa en The Chapel Performance Space, Seattle, 2009.
Para el comunicado de prensa completo ver archivo adjunto.
Descargas y preventa en www.inkilinorecords.net
Imagen: "Sin título" (2008) de Nicolás Bacal.
Instantes Sonoros
Viernes 24 de Mayo
Video 21.00hs
“Los Cantos de Maldoror“
(Isadore Ducasse - Conde de Lautreamont)
de Shuji Terayama.
Terayama Shūji fue un escritor y director de cine y teatro de vanguardia, considerado como uno de los artistas más productivos y provocativos de la historia de Japón. (1935-1983)
Concierto 21.30 hs
Fernando Perales
DOLCINACHT
Darío Dolci Sam Nacht
El concierto comenzará con la presentación de Fernando Perales, en su nuevo proyecto "Sin cuerpo, ni nombre “. En el mismo trabaja con los restos de una guitarra, utilizando en su ejecución metales, chapas y herramientas de fábrica.
Ex miembro de Reynols, tiene decenas de discos editados en sellos de distintos países, y ha tocado repetidamente en Europa y América Latina durante los últimos años.
Fernando Perales
Luego se presentará el dúo "DOLCINACHT" de Música Experimental Improvisada
Darío Dolci (saxos soprano/sopranino) + Sam Nacht (trombón)
El material sonoro que explora el dúo se sitúa en la música improvisada (cruce entre el free jazz y la música contemporánea). Se construyen y crean climas, efectos, texturas y tímbricas a partir del uso no convencional de los instrumentos.
Presentarán su disco “Prano, Nino & Bon “
Coordinación de videos: CARLOS MURAT
INSTANTES SONOROS
COORDINAN: FABIANA GALANTE / JORGE MANCINI
Av. Triunvirato 4311
Entrada General $ 40
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