Dronología: Trace una línea recta y sígala
Un informe sobre el extraño encanto de escuchar sonidos que se sostienen durante largos períodos.

¿Se pueden escuchar con gusto (y hasta con pasión) sonidos que se sostienen, imperturbables, durante minutos y minutos? Daniel Varela dice que sí y expone sus razones en la siguiente nota, develándonos, además, qué es eso de dronología.

Draw a straight line and follow it, decía La Monte Young en su Composition 1960 nº 10. El caso de Young es típico del tema que nos ocupa, aunque algún estudio crítico sitúa los principios del sonido estático en los veinticuatro compases iniciales de El Oro Del Rín, de Wagner. Se puede definir al drone como un sonido de larga duración, cuya traducción al castellano se acerca bastante a la idea de notas pedal que hacen de soporte a determinado movimiento armónico. Desprovisto de acompañamiento, ese drone o zumbido adquiere una dimensión propia, que bien supieron detectar artistas provenientes de la plástica. La Symphonie Monoton-Silence (1960) de Yves Klein fue un antecedente de prácticas Fluxus, y años después, las experiencias de Hermann Nitsch para sonorizar sus acciones rituales. Planteado originariamente dentro del minimalismo más radical, el sonido prolongado se extendió hacia áreas de encuentro entre el performance art y la práctica sonora. Derivó luego en el terreno conocido como sound art. Un espacio definido por galerías de arte más que por salas de concierto. Incorporó dispositivos electrónicos y mecánicos junto a la ejecución en vivo. Y por momentos se relacionó con un carácter ritual heredado del happening.
La evolución llegó con las décadas a dos puntos claros. El primero se ubica en los ‘80, cuando el industrialismo sonoro más arriesgado tomó la idea de loops y sonidos continuos en un contexto punk-Fluxus-Do It Yourself (hágalo usted mismo). El otro ocurre en los ‘90, cuando una generación joven genera un área común al rock y al minimalismo alimentados por la improvisación y el ruido. Personajes como Lee Ranaldo, Jim O'Rourke o Robert Hampson investigan a pioneros injustamente olvidados como Tony Conrad o Charlemagne Palestine.
Una nueva instancia muestra a músicos derivados de las distintas tribus en una búsqueda tecnológica, con recursos tan específicos como un acelerador de partículas atómicas o las grabaciones hechas dentro de túneles de viento. Todas las expresiones son diferentes, sean acústicas, eléctricas o de ruidistas insólitos que fundamentan su expresión (generalmente con un fuerte costado ideológico) a través de sonidos continuos.
El catálogo sería interminable, por lo que incluimos tan solo algunas ediciones significativas de los últimos años.

Arnold Dreyblatt- Nodal Excitation (Dexter's Cigar)
Gracias a Jim O'Rourke se recuperó este registro, original de 1982. Dreyblatt, un representante del under minimal más radical, inició sus experiencias en los ‘70 amplificando el sonido de cuerdas con estetoscopios. Su idea de inmersión en el sonido se transformó en el eje de sus búsquedas: estudió teorías de afinación -desde la de Pitágoras hasta las de distintas culturas orientales- y modificó el sonido de tubos, órganos y pianos de juguete tratados de antemano. Un intenso efecto de drone virtual aparece a los pocos minutos de escuchar cuerdas repetitivas en medio de otras exquisiteces austeras.

Keiji Haino- So, Black Is Myself (Alien 8)
Even Now, Still I Think (Tokuma)
El magma free psicodélico de su guitarra eléctrica deja espacio a estas dos placas de performance art sonoro. Un instrumento medieval de cuerda frotada a manivela (el hurdy gurdy) es tomado en un contexto enrarecido y adquiere una dimensión alucinógena. El registro canadiense de Alien 8 encuentra la variación del persistente zumbido por pequeñísimos cambios de velocidad del mecanismo rotatorio, y se transforma así la altura del sonido luego de muchos minutos. Even Now es más espeso y disonante dentro de su continuidad cordal, quizás como producto de sobregrabar logrando acordes apretados y fantasmales. Extremo y fascinante.

Illusion Of Safety- Of 8 The (Soleilmoon)
Klein y Burke responden al arte sonoro derivado del rock y el posindustrial. Teclados continuos, junto a guitarras con delay o cuerdas frotadas, se interrumpen cada tantos minutos con algún gesto melódico, para perderse luego entre planos de ruido. Algún pasaje ambiental se transfigura usando ruido blanco pero el peso de la guitarra unifica los distintos momentos. Con un curso lineal, su escucha dista de lo arduo.

Thomas Köner- Kaamos (Mille Plateaux)
Los paisajes helados a la orden del día. Esta vez sin referencias a Groenlandia, Köner mantiene su predilección por zumbidos que forman planos de granulado diverso. Tonos más puros o inarmónicos generan sobresaltos y tejidos de densidad variable con el tiempo. Transcurso lento que acumula estratos convergentes o móviles como el paso de nubes. Un detalle: una de las piezas fue grabada en vivo en el auditorio del Louvre parisino.

Osso Exotico- Church Organ Works (Sonoris)
Sexto volumen del notable grupo de acción minimal portugués. André y David Maranha junto a Patricia Machás la emprenden con los órganos en las catedrales de Lisboa y Marvila, sin dudas un contexto propicio para amplificar resonancias y ecos diversos. Hay drones más "puros" junto a algún cluster sorpresivo. En otras piezas surgen insinuaciones modal-repetitivas que lentamente aparecen como un organum de la antigua polifonía gótica. Un disco para sumergirse en la espacialidad y extraer sustancias a partir de gestos sencillos, austeros y de gran efecto.

Eliane Radigue- Songs Of Milarepa (Lovely Music)
Trilogie De La Mort (Experimental Intermedia)
Nacida en Francia y volcada a la música electrónica, encontró un fuerte vínculo entre la restricción sonora y su práctica budista. El primero incluye en un doble CD ediciones de los ‘80 inspiradas en el santo y poeta tibetano Milarepa, a quien se le atribuye la escritura de cien mil "canciones" para comunicar sus enseñanzas. La Trilogie abarca obras posteriores al '94 y toma como eje cuestiones sobre el trascendentalismo y la muerte. El Libro Tibetano de los Muertos o los montes del Himalaya transitan por este álbum triple a través de armónicos ululantes y suaves olas de ruido blanco. Las largas trompas o el grave canto de los monjes tibetanos resuenan en un continuum electrónico, en cuyo interior se produce todo tipo de variaciones microscópicas y efectos provocados por las ondas sonoras y su presión sobre el aire. Todo un manifiesto sobre como trabajar más allá de lo aparente.

Akio Suzuki- Na-Gi (Edition RZ)
Artista conceptual surgido del Fluxus japonés, Suzuki permanece fiel a su preocupación por fuentes sonoras sutiles e insólitas. Con un fuerte sentido integrador involucra el mundo de las ideas con el de los elementos naturales a través de experiencias con el eco, el sonido del papel o el "escuchar" paisajes en el equinoccio de otoño. Na-Gi, subtitulado como "arrullo en el viento", es uno de sus escasos registros y resulta del sonido del aire, el mar y los goteos de agua tomados desde una caverna volcánica en Takano, en la costa al norte de Kioto. Un detalle que agrega variaciones al mar permanente es el sonido de unos tubos de cristal que Suzuki frota con sus manos húmedas, provocando silbidos tan delicados como extraños. El tiempo parece no transcurrir, los silencios se escuchan y los paisajes se tocan. No hay dos olas iguales en el mar. Sólo con esa idea bastará para escuchar este disco.

Alan Lamb- Original Masters/Night Passage (Dorobo)
Lamb dejó su huella en la historia del experimentalismo cuando editó sus grabaciones del Far Away Wind Organ, un instrumento encontrado en el desierto australiano. Micrófonos estratégicos grabaron las vibraciones de kilómetros de cable telefónico, accionados por los vientos. Finalmente llegó su segundo disco, que recoge obras hechas entre el '83 y el '97, un muestrario de profundidades y distancias, traducidas a sonidos largos de partículas múltiples. Viento, metal, ruido y abstracción se extienden al escuchar que ocurre con un acelerador de partículas. Plasticidad en estado puro.

Annea Lockwood- World Rhythms
Ruth Anderson- I Come Out Of Your Sleep (Experimental Intermedia)
Lockwood quemaba pianos en los setentas, y luego integró a su lenguaje sonidos de la naturaleza. Esta búsqueda se traduce en World Rhythms, obra que reúne terremotos, volcanes, ríos, ondas de radio y gongs. El sonido continuo de los elementos sufre la transformación propia de cada fenómeno, generando ritmos espontáneos. Un ecologismo enérgico para estimular y expandir los sentidos. Completa el CD la pieza de Ruth Anderson, basada en las tradiciones de la poesía sonora, el zen y las prácticas meditativas. Respiración, susurros, corporalidad y ensoñación transitan el mundo sonoro de Anderson, en el cual las ideas son tan físicas y sensibles como el propio cuerpo.

Francisco López- Untitled Music For Geography (Sedimental)
La Selva (V2 Archief)
Belle Confusion 969 (Sonoris)
Hablamos de Francisco López como resultado de un cruce entre el industrial, el post-punk, Fluxus y la tradición minimalista. El torrente de drones se manifiesta a través de la continuidad y los loops de extensión variable. El mundo oscuro de Geography se desprende de largas líneas que llamativamente fueron encargadas por la compañía de danza de Ralph Lemon. La Selva es más ilustrativo, al punto de incluir una guía de fuentes sonoras con minutos y segundos. Insectos, lluvia, animales y agua en medio del calor costarricense -donde fue registrada- adquieren colores propios, aprovechando la cualidad referencial del sonido. Belle Confusion se afirma en bandas sonoras de frecuencias y tonicidad diferentes. Se insinúan algunos ritmos virtuales. En otros momentos el silencio aporta un peculiar balance de gestos.

Tony Conrad, John Cale, Angus MacLise, LaMonte Young, Marian Zazeela
Inside the Dream Syndicate. Volume I. Day of Niagara
(Table of the Elements)
Una grabación del histórico grupo conocido como Theatre of Eternal Music y una de las experiencias fundacionales de la música de drones. Si bien la grabación efectuada el 25 de Abril del ‘65 vale como documento, al ser un registro "no autorizado" por el propio LaMonte Young la calidad de la misma dista de ser la mejor. De hecho, Young se ha encargado de escribir largamente sobre sus discrepancias con este disco. Plantea que las frecuencias originales del sonido son diferentes (algo más graves) cosa que habría comprobado al tocar en simultáneo el disco de Table of the Elements y sus propias cintas. La polémica: mientras Cale y Conrad claman por la creación colectiva e improvisada de la pieza, Young argumenta que las estrictas frecuencias de los acordes fueron creadas por él y que el grupo tocaba sobre ésas pautas a la manera en que se hace en la música de la India. "Alguien puede improvisar sobre ciertos ragas pero nunca se le ocurriría atribuírse su creación. Tony y John han improvisado sobre sonidos y estructuras compuestos por mí ". Un apasionante conflicto sobre el que – por el momento - sólo conocemos este disco de muestra.

David Maranha - Piano Suspenso (Sonoris)
Circunscrita (Namskeio)
Uno de los animadores detrás del notable colectivo portugués Osso Exotico, David Maranha es uno de los más destacados artistas dedicados al "sonido continuo" en los últimos años. En Piano Suspenso, Maranha explora la sonoridad continua extraída del interior del piano usando unos pequeños motores vibratorios de tal modo que el cordal es "tocado" en forma permanente. También usa como elemento adicional arcos de violín para accionar las cuerdas, generando una "nube" donde conviven los suaves sonidos del metal ( el piano originario) y la rugosidad propia de los motores. Disco de especial interés para aquellos que conozcan las experiencias del norteamericano Phill Niblock. En Circunscrita, David Maranha recurre al aporte de varios colegas, entre ellos la integrante de los exoticos, Patricia Machás y el gran guitarrista Manuel Mota. Armonio hindú, guitarras eléctricas frotadas con arco, contrabajo y violín para construir paredes sonoras de densidad y duración variable. Una búsqueda centrada en el color instrumental y –de acuerdo con lo que indica el propio Maranha– para ser escuchada a volumen muy alto.

Richard Lainhart- Ten Thousand Shades of Blue (Experimental Intermedia)
Poco conocido por estas latitudes, el artista visual, gráfico y músico Richard Lainhart nos sorprende aquí con una poderosa colección de piezas compuestas entre 1975 y 1989. Un doble CD que recuerda los experimentos de la Nueva York del circuito de lofts durante los setenta ( en efecto, Lainhart fue alumno del experimentador electrónico Joel Chadabe). Múltiples capas de zumbidos construidos a partir de gongs, bowls tibetanos de bronce, vibráfonos tocados con arco o estratos vocales desnaturalizados por procesamiento electrónico. Piezas de hasta 36 minutos para sumergirse en un mundo donde ningún sonido se transforma de modo urgente.

Hermann Nitsch- Musik der 60 Aktion, Berlin 1978/ Musik für Rita Nitsch geburstag (Alga Marghen)
Otro disco del ejemplar catálogo dirigido por el productor italiano Emanuele Carcano. Desde hace algunos años, el sello de Milan nos sorprende con selectivas grabaciones de archivo que documentan la música de algunos de los más altos exponentes del Sound Art, Fluxus, la poesía sonora y extremismos por el estilo. Las enormes acciones rituales de Hermann Nitsch se remontan a los años sesenta, cuando fue una de las personalidades fundadoras del accionismo vienés. Aspectos de los rituales más antiguos del cristianismo, sacrificios de animales y procesiones a la manera del budismo tibetano se combinan con ensordecedores sonidos continuos de órganos, percusionistas múltiples, campanas y metales de todos los tamaños y colores. La acción efectuada en la galería Petersen en Berlín incluye enormes explosiones interpoladas sobre los tonos largos. Para semejantes gestos de brutalismo sonoro, Nitsch se valió del grupo punk PVC. La pieza restante conmemora el nacimiento de Rita Nitsch y adquiere un carácter claramente meditativo gracias al uso de diversas campanas hindúes, guitarra eléctrica y órgano. La obra del austríaco adquiere dimensiones mucho más abarcativas y complejas. Ya nos ocuparemos mejor de quien recientemente fuera calificado como "el Bruckner de los Happenings" en alusión al gigantesco sinfonista del tardío siglo XIX.

Daniel Varela